Tous Art Propos Art Abstrait

Pour les cent dernières années, l'art abstrait a été un mode dominant d'expression en Amérique. Mais dans son caractère, la plupart de nos peinture abstraite et sculpture rend fidélité petit les concepts abstraits de ces purs, qui soutiennent que l'œuvre d'art doit être un objet tout son sens en lui-même, de l'importance uniquement esthétique, scellé hermétiquement contre toutes les autres associations.

En Europe, comme George Hamilton a souligné dans le catalogue de son «objet et l'image" d'exposition à l'Université Yale, cette atlitude est historiquement associée à des movemen début modernes dans sa rupture avec la tradition héroïque et est diamétralement opposée à une tendance plus récente à un résumé mais l'imagerie évocatrice qui reflète la conscience de l'homme et l'homme intérieur. En Amérique, quelques-uns même de nos pionniers abstraits qu'on pourrait appeler les puristes. Ce dernier a commencé à apparaître ici que dans les années 1930 (un grand nombre de l'étranger), et tandis qu'ils forment toujours un groupe actif et vital, ils ont toujours été une minorité. Notre tendance, plus marquée que jamais aujourd'hui, a été vers sortes d'abstraction qui s'appuient sur la réalité observée pour créer, diversement, une imagerie consciente, une imagerie inconsciente ou, à tout le moins, une sorte de bio et «naturels» téléologie de la forme.

Il est notre but ici est de déterminer exactement quelle est la relation entre l'abstrait américain, l'art et un aspect traditionnellement important de la réalité observée - la nature. L'enquête n'est pas dans un sens réactionnaire retour à la nature de thèse. Il est, plutôt, un effort pour comprendre le caractère de la vision abstraite et en particulier les attitudes personnelles et les méthodes de divers artistes abstraits en rapports avec la nature. Ces termes sont utilisés dans leur sens le plus large et plus fréquente: «abstraction» pour décrire tout l'art ne repose pas clairement sur ​​la réalité visuelle reconnaissable, la «nature» que l'univers embrasse tout autour de nous, le monde tangible de la terre et l'eau, le monde immatériel de la lumière, le ciel et l'air, les forces éternelles de la germination, la croissance et la mort qui composent les cycles de la vie et de la saison - avec l'homme et fabriqués par l'homme des choses seules exclues.

Il est évident que ce n'est qu'une partie d'une question plus générale, la relation de «l'art abstrait à toute expérience. Pourtant, il est une partie importante, pour les aspects innombrables de la nature sont incontournables, une partie de l'environnement de chaque homme. Depuis la Renaissance, ils ont été les thèmes éternels de l'art, et il est amplement prouvé qu'ils continuent à se déplacer, et parfois perplexes, de nombreux artistes abstraits aussi puissamment.

En se concentrant sur ce seul domaine, mais universel de l'expérience et en évitant les problèmes moraux et sociaux inhérents à l'homme et ses œuvres, nous pouvons peut-être creuser un peu et nous espérons mettre en évidence certaines vérités sur l'approche de l'artiste abstrait à la réalité, qui sera valable dans d'autres domaines ainsi. Une telle restriction ne signifie pas la déshumanisation, l'artiste a toujours trouvé dans les symboles de la nature impérieuses de propre de l'homme «nature», en particulier de sa relation avec le monde organique. Et même si le symbolisme est absent, la nature prend inévitablement la signification humaine car il passe à travers l'œil de l'artiste, l'esprit et les émotions sur sa toile. En termes Balcomb Greene, "Un humanise la nature même comme il le voit."

Aspects de la Peinture Américaine

Target, 1974

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Johns, Jasper


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Le principal mouvement de l'art abstrait en Amérique a commencé dans les années trente avec une forte orientation vers une qualité plus structurelle, l'élimination de l'impressionnisme et de l'atmosphère et une compensation générale à s'éloigner des surfaces de peinture réalistes et des textures. La plupart des travaux a également été non-figuratif et qu'il s'agissait d'une réponse forte à l'art social des années trente ». Derrière ce grand mouvement et homogène était la tradition du rationalisme et de l'effort vers la perfection intellectuelle. Sommes rien dans cet idéal mieux que Juan Gris 'énoncé suivant: «Les artistes ont pensé à produire un effet poétique avec un beau modèle ou beaux sujets. Nous, d'autre part croire que nous pouvons le produire avec de beaux éléments, pour ceux de l'intellect sont certainement la plus belle ».

Cet effort vers une qualité plus pure et plus architectonique a été clairement reflété dans les expositions de peintres américains au cours de la fin des années trente et au début des années quarante. Exceptionnelle dans ces expositions a été le travail d'artistes tels que George LK Morris, Joseph Albers, Jean Xceron, Karl Knaths, Albert Swinden, Byron Browne, et John von Wicht. 1936 a vu la formation d'une organisation d'art important qui a été appelé les artistes abstraits américains. Cette organisation a joué un rôle de premier plan dans le développement de l'art abstrait américain. La plupart de ses membres étaient des exposants de premier plan de l'art akstract en Amérique à cette époque.

Parallèlement à la Seconde Guerre mondiale de nombreux peintres abstraits ont commencé à déplacer de l'intérieur sentiment cubiste peu fermée vers le sentiment du paysage spatial plus ouvert de Kandinsky et de Mir. Forts points de vue individuels ont été mis au point. Certains artistes ont commencé à travailler dans un très subjective, façon érotique, et surréaliste, d'autres ont réagi au défi de la nature extérieure et l'ère moderne en termes plus positifs, plus objectives. Il serait impossible de citer tous les artistes divers dont le développement individuel a eu lieu, et à son tour a contribué à l'évolution générale de l'art abstrait, dans cette période.

Certains de leur œuvre est reproduite dans ce livre. George McNeil, qui était un des premiers membres de l'AAA, expérimenté sous forme libre. Sa peinture était pure, en utilisant un mouvement de brossage très libre, relative forme à la forme. Réflexions de la liberté viennent à travers dans la peinture de Botkin, Pace, et plus tard les membres du groupe. Xceron combine un sentiment de liberté spatiale avec un sentiment poétique de la géométrie de la forme solide. Le développement plus subjective a été bien représenté dans l'œuvre de Arshile Gorky, dont la dette au cubisme dans les années 1930 était super. Toujours éclectique, Gorki maintenant détourné de Picasso et est devenu plus soucieux d'exprimer ses conflits intérieurs et les frustrations.

Ces coulait comme symboles inconscients dans l'espace - peintures de rêve, comme elle était. Contrairement à la peinture subconscient et subjective de Gorki est le travail positif et apparemment objectif de Stuart Davis, typiquement américain, et George LK Morris, tous les deux géométriques et calligraphiques dans la saveur. Davis est un peintre qui reflète la dynamique de la scène américaine et qui n'a jamais dévié, mais plutôt a grandi avec son sujet et à sa connaissance de la forme et la couleur. Lui et Morris sont des exemples classiques de peintres qui comprennent leurs problèmes en termes appartenant à la peinture. Davis a toujours eu lieu: «L'art n'est pas l'enregistrement de l'impact des formes naturelles sur la rétine. Il est une synthèse de toutes les facultés perceptives en équilibre émotionnel, objectivés dans un langage de la forme. Réponse émotionnelle à la nature ne crée pas de l'art, sauf quand il est intégré à une construction imaginative pour son propre bien. L'acte de peindre n'est pas une duplication de l'expérience, mais l'extension de l'expérience sur le plan de l'invention formelle ». Morris a également été l'un des porte-parole les plus éloquents en Amérique pour l'art abstrait. Il ainsi que Davis ont compris le contexte de l'ordre pictural classique.

En examinant la scène la peinture américaine, nous trouvons la partie sensuelle de la peinture plus appréciées que la structure. L'importance structurelle d'une peinture abstraite est souvent méconnu en raison d'un préjugé général et un sens peu développé esthétique et plastique. Beaucoup de gens ne peuvent pas différencier entre l'appel de surface décorative d'une composition abstraite et sa signification structurelle. Leur hostilité envers le formalisme, en collaboration avec un certain manque de compréhension, a confondu leur jugement et qu'ils attribuent seule émotion à une peinture qui a un genre de peinture verve et manipulation de la surface. Peinture qui a une forme claire et de couleur claire qui leur apparaît intellectuelle et le froid.

Peut-on dire que Vermeer avec ses clairs, des surfaces propres senti la vie moins intensément que Rembrandt ou qu'il manquait de vision poétique? Ou que Ingres avait moins de sentiment que Delacroixl? Ou que, dans notre Léger temps est froid parce qu'il croyait l'idée, la forme, la géométrie et la couleur pour être des facteurs importants et décisifs dans la détermination de la valeur réelle du travail, et a estimé que le style doit être anonyme?

Virtuosité a toujours été une grande admiration. Sargent, Zorn, Boldini, Bougereau, toute gloire gagné grâce à la neuro-musculaire performances et des effets atmosphériques. De nos jours, la partie sérieuse de la peinture évoque rarement satisfaction. L'art moderne a parcouru un long chemin vers l'élimination du naturalisme de contrefaçon, mais il ya toujours une demande pour des photos romantiques et atmosphérique. Le peintre pur devient parfois un personnage tragique. Juan Gris, par exemple, et de nombreux excellents artistes américains, sans jamais compromettre avec des surfaces sensuelles, souffert pour elle.

«Liberté» Le mot est un mot très mal utilisé dans la peinture aujourd'hui. On pourrait se demander: Qu'est-ce que la liberté? Et on peut se demander: la liberté de quoi? Veut-elle dire une destruction des traditions et une violation des lois qui régissent le sens visuel de la peinture? Est-ce la liberté sans le peintre de la responsabilité pour plus de clarté, mais la charge du spectateur de deviner et de déduire avec sa propre interprétation? T-il, par conséquent, nécessitent du peintre que son travail peut être que provisoire?

Il ya deux approches à la peinture d'aujourd'hui. La première est que le peintre peint de manière suggestive, ce qui permet à l'observateur de lire dans la peinture. L'autre est que le peintre développe à travers la peinture à une exactitude et permet à l'observateur de voir sa vision clairement. Et ne pas donner à l'observateur une meilleure chance de rêver un plus grand rêve?

Bien que toute la peinture d'aujourd'hui est en quelque sorte subjective, l'extrême de la première non-approche communicative est sorti dans le mouvement de l'expressionnisme abstrait. Ici, la tension intérieure de l'artiste a été soulagée par une projection de lui-même sur des toiles immenses et par l'impact sensible de sa peinture - l'énergie et l'enthousiasme avec lequel il est tombé, poussé ou déplacé à travers la toile. Malgré sa forme totalement abstraite, cette approche n'exclut pas certaines qualités atmosphériques, illusoires et d'autres relatives au naturalisme. L'enthousiasme généré par celle-ci souvent dépassé ce qui concerne la plate-forme, les frontières de la toile, l'échelle, la portée, et la proportion.

Certaines œuvres de Pollock et de Kooning se rapprocher de la véritable signification de l'expressionnisme. De toute évidence la mention «expressionniste abstrait» ne décrivent pas complètement combinaisons Hans Hofmann de la géométrie et d'expression, ni les travaux de Motherwell, Baziotes, ou Kline. Malgré l'agitation à la peinture américaine par le mouvement d'avant-garde de l'expressionnisme abstrait, il serait difficile de dire qu'il a vraiment innové frais ou nous donner un nouveau sens de la forme que sorti de la post-impressionniste, cubiste, ou même mouvements constructivistes. A plutôt été sa contribution à caractère personnel dans lequel l'acte même de la peinture a été sa solution.

Le climat qui repose largement sur la séduction de surface et forme provisoire limite en fait l'artiste. La vraie liberté réside dans la compréhension de ses propres limites. Cela a été réalisé dans l'art primitif et dans le travail de Gauguin, Kandinsky, Miró, Klee et, si elles sont souvent cités comme des exemples d'inspiration pour l'expressionnisme. L'utilisation de symboles formels dans la culture primitive visant, non pas à l'expressionnisme, mais à donner l'ordre et sens à la vie. Gauguin sans son grande compréhension, de l'ordre, le sentiment, la justesse, le sujet, et son accomplissement de leurs exigences particulières en matière de forme et de couleur, ne serait rien, mais une grande classe conteur ou décorateur.

C'était pour Mondrian pour faire un absolu de la forme, pour rendre la structure picturale de l'image à la fois objet et le contenu. Il a aboli complètement tout semblant de sujet. Cette recherche de la pureté dans la peinture et ce qu'on appelle un «nouveau réalisme» a inspiré un certain nombre de peintres américains, parmi eux Glarner, Fleischmann, Bolotowsky, et Diller. Dans leurs idiomes personnels qu'ils ont répondu avec une nouvelle vitalité et un lyrisme. Mondrian croyait avoir réalisé le cubisme à une conclusion logique. Mais le cubisme, mais il a joué tellement vital en donnant une partie d'art moderne d'un concept nouveau formulaire, n'a jamais tenté de détruire l'image ou n'implique pas sa dissolution.

Cubisme libéré la peinture de la position fixe, la mise en scène et la tyrannie de l'objet qui avait dominé la peinture depuis la Renaissance, et il a ouvert la voie à l'imagination picturale plus ainsi que pour une plus grande signification en plastique. Il a libéré le peintre moderne du monde de l'œil externe et a permis une plus grande enregistrement de la totalité de la vie. Bradley Tomlin, librement horizontales mariage de Mondrian et verticales avec des avions qui se chevauchent cubisme, romantique à la peinture. Avec plus de sévérité dans la structure et une plus grande variété de symboles géométriques évoquant, Motherwell injecte une note fraîche à la bande verticale. D'autres peintres du point de vue puriste ont accepté le concept Mondrian de la structure comme le dernier mot dans la peinture contemporaine. Il a conduit un certain nombre de peintres de se sentir que la peinture a été épuisé et ainsi ouvert la voie pour eux pour faire face à la construction physique en dehors de la peinture. Des hommes comme Biederman cru en une sorte de concept de secours de la forme, d'autres poursuivi au-delà de secours dans l'espace physique.

En dépit de la réticence à discuter de sujet et son importance dans la peinture abstraite aujourd'hui, il joue néanmoins un rôle énorme pour un certain nombre de peintres américains. Jusqu'à la vingtième siècle, les objets, les gens, les principautés et les choses étaient toujours identifiable. L'un des phénomènes fascinants de notre époque est le rôle anonyme de l'imagerie. Le peintre d'inspiration indépendante cherche aujourd'hui pour la signification qui se trouve cachée sous les choses vues et ressenties. Sa vision est de trouver des formes concrètes qui expriment et communiquer ses sentiments et de les énoncer dans des termes nouveaux peinture vitaux.

C'est ce qui explique l'élimination visible de l'objet et son remplacement par l'imagerie symbolique. Il est donc dans le symbole de l'objet que le sujet a persisté: le symbole en est venu à contenir le caractère du sujet. C'est ce qui ressort, par exemple, dans le domaine de la peinture de paysage abstrait où les sentiments et les émotions fortes se rapportant à la nature prend forme. Ces formes de paysage sont devenus symboles sténographiques souvent capables de transmettre avec le sentiment poétique de l'amour et joie de la nature dans ses humeurs changeantes. D'une certaine façon, par conséquent, ces formes de paysage sont à court main symboles portant le caractère de la peinture.

Les travaux actuels de John von Wicht, fait en symboles sténographiques très personnelles, mais avec un sentiment de liberté guidée par la discipline intuitive, pourrait être décrit en ces termes. D'autres peintres avec une dévotion de temps pour la peinture de paysage ont été inspirés par une même direction, qui pourrait presque être dit ont découlé les peintures de paysages début de Kandinsky. Dans les peintures de John Ferren de paysage abstrait, par exemple, la couleur devient le symbole raccourci en chef. La plupart des jeunes peintres d'aujourd'hui, ainsi, ont trouvé leur inspiration dans cette peinture de paysage abstrait.

1912: Une année exceptionnelle dans l'art abstrait

Sun Dance

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Gockel, Alfred


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Entre une stricte économie de Mondrian et Kandinsky effervescence, il y avait place pour une certaine retenue, l'élément de conciliation. Cet endroit a été comblé par Robert Delaunay pour un court laps de temps, juste assez longtemps pour lui de quitter quelques œuvres d'une beauté incomparable, j'entends par là ses fenêtres de 1912.

On nous rappelle constamment de cette année exceptionnelle, 1912. 1912 est de plus en plus reconnu comme l'année de pointe de la peinture de ce siècle, une année de transition où tout a commencé à nouveau, bien que les vieilles disciplines ne sont ni consciemment, ni enfin mis de côté; un an à partir de laquelle les principales tendances de l'art abstrait ont rayonné et à laquelle on peut toujours tourner dans notre quête des origines, pour les semences de l'invention. L'un des plus précieux et fertile de ceux-ci était le gay, la peinture fraîche de Delaunay, qui a nommé ses toiles après une expression d'Eugène Chevreul, contrastes simultanés.

Delaunay est né à Paris, dans la rue de Chaillot, non loin de la présente Musée d'Art Moderne. Il était le type jovial de Français, ou plutôt un parisien typique, avec une langue bien pendue et les yeux bleus rapides qui semblent s'attarder sur rien d'autre que regarder droit à travers tout. Il parlait toujours de son esprit sans mâcher ses mots, tandis que son visage rond, rose fait de lui l'image de la santé. Pour lui, la vie signifie le bonheur, un sensuel, le bonheur physique et il a approché la peinture dans le même esprit. C'était en 1908 ou 1909 qu'il a lu Eugène Chevreul, le physicien de la théorie des couleurs simultanées qui avait déjà eu une telle influence sur Seurat trente ans plus tôt. Cela confirme les conclusions qu'il avait déjà atteint intuitivement. Dans les prochaines années ses dons lyriques naturelles a trouvé son expression par la voie prévue par ces idées.

Son engagement principal était de briser le prisme et de remonter ses éléments sur la toile par une discrète mais la division approfondie des surfaces. Qu'est-ce que Braque et Picasso ont fait avec une mandoline, compotier ou nu, Delaunay a fait avec la lumière elle-même, il découpe et assemblant à nouveau d'une manière nouvelle. Cette «nouvelle façon» implique une recherche personnelle dans les lois fondamentales de la peinture. Apollinaire avait déjà écrit «J'aime l'art contemporain parce que j'aime plus que tout la lumière: tous les hommes aiment la lumière, plus que tout, après avoir inventé le feu." Travail de Delaunay entre 1911-1914 est une illustration frappante de cette pensée. Comme un enfant avec son jouet préféré, il a pris l'arc en ciel en morceaux et improvisé avec les parties séparées, mais sans jamais aller trop loin ou de trahir l'essence du Rainbow. Il la tourna dans la chanson même de la lumière, à la fois aérée et puissante.

Des œuvres de Delaunay de cette période sont des réalisations étonnantes. Forme et l'idée sont si étroitement unis, l'énoncé de sorte fusionné avec le style, que, dans les quarante ans après lui, il n'y avait pas de peinture capable de transmettre une telle sensation de joie physique, la sérénité et la force innocente combiné à moins que ce soit la peinture de son femme, moins candide et spirituellement moins spontanée quoique ce soit.
En 1910, Delaunay épousa Sonia Terk, un Russe de naissance, qui était aussi un peintre, et ex-épouse de l'allemand Uhde critique d'art Wilhelm le découvreur de la «Douanier» Rousseau. Elle lui donna un soutien moral sans faille et j'ai entendu dire que Delaunay, mais pour elle un grand nombre d'une toile serait restée inachevée. Delaunay a été très nerveux, facilement découragés, mais tout aussi facilement incités à déployer des efforts supplémentaires.

Sonia Delaunay, dont Arthur Cravan, mais si fortement attaqué avec brio dans sa brochure d'examen Maintenant est un peintre remarquablement doué. Ses grands toile Prismes électriques, peintes en 1914 est l'une des œuvres majeures de cette période. Comme son mari, elle a renoncé à l'art abstrait tout en vivant au Portugal pendant la première guerre mondiale. C'était quelques années avant leur retour à la peinture pure, il en 1930 et elle en 1937.

Tout comme Kandinsky énoncés du fauvisme et du cubisme synthétique Mondrian début (1912), la peinture abstraite de Delaunay a ses racines dans l'impressionnisme. Le travail de tous les trois artistes ont démontré bien avant 1914 que toutes les formes d'art sont tenus de se déplacer vers l'abstraction.
Il y avait deux artistes américains qui fréquentent les mêmes cercles que Delaunay en 1911 et 1912. Il s'agissait de Morgan Russell et Stanton Macdonald-Wright, le premier étant d'extraction principalement français, et celui-ci, dont le vrai nom était Van Vranken, de la filiation hollandaise.

Ils sont venus à Paris en 1906 et 1907 respectivement, afin d'étudier la peinture. Russell, qui était l'aîné des deux, a déjà une bonne expérience en tant que peintre, tandis que Macdonald-Wright, moins avancé techniquement, essayait de se former par le biais d'une étude scientifique de la couleur et de la lecture - comme Delaunay - les travaux de Eugèene Chevreul et d'autres physiciens. Peu de temps après avoir fait les uns des autres la connaissance qu'ils ont commencé à se sentir suffisamment sûrs d'eux pour lancer un mouvement de leur synchronisme et fonde. Synchromism était un départ de l'orphisme de Delaunay conduit.

Les synchromistes ont été particulièrement actifs en 1913, En cette seule année, ils ont tenu une grande exposition à Munich, une autre à la galerie Bernheim-Jeune à Paris, ainsi que l'envoi de toiles aux Salon des Indépendants et de l'Armory Show à New York, qui étaient tous les deux points de repère dans l'histoire de la peinture moderne. Mais une seule de leurs nombreuses oeuvres montré cette année - et c'était l'un de Russell - peut être considéré comme abstrait dans le sens propre du mot: les toiles d'autres ne sont que des abstractions secondaires de sujets tirés de la nature, cependant avancées dont ils pourraient être. Il était à ce moment que la carrière de Russell a vraiment commencé, car, à Salon des Indépendants de l'année suivante, il a montré son Synchromie vaste dans le formulaire qui, depuis plus de trente ans plus tard, était l'un des éléments clés de l'exposition de l'art abstrait américain qui s'est tenue à Museum de New York d'Art Moderne en 1951.

Macdonald-Wright n'était pas si prompts à se développer. La pièce Synchromatic à Orange-Jaune de 1915 et le Synchromie en rouge de 1916 sont des œuvres abstraites indéniablement, comme ce fut son Nu ou Synchromie in Blue qui a également été peinte en 1916. Le Whitney Museum à New York possède un de ses plus belles toiles, le Synchromie Oriental bleu-vert de 1918.

Morgan Russell et Macdonald-Wright sont les véritables fondateurs de l'art abstrait américain. Ils ont fait une profession publique et authentique de la foi dans la peinture abstraite dans le catalogue de leur exposition chez Bernheim jeune, mais malheureusement, ils ont tous deux donné ce qu'ils avaient si vigoureusement défendu et est retourné à l'art figuratif. Ceci est mentionné comme une question de faits historiques, et par aucun moyen, afin de nuire à leur réalisation pionnière.

Bien qu'ils ont établi les principes mêmes de ces deux peintres Synchromist fois réussi à rester très personnelle dans leur expression. Les œuvres qu'ils se sont avérés au cours de la période «héroïque» de leur mouvement sont historiquement très important pour la culture américaine et aussi montrer qu'ils avaient très peu d'influence sur l'autre. Russell était le peintre plus capricieux des deux. Son pinceau est épaisse et riche et ses formes massives et violemment mis l'un contre l'autre. Sa grande composition de 1914 (Synchromie dans le formulaire) a des affinités avec certaines des œuvres de Picabia de l'année précédente, notamment le célèbre et Udnie Edtaonisl qui sont à peu près les mêmes dimensions que le travail de Russell. Mais en toile de Russell est plus élémentaire, comme un mur cyclopéen.

Macdonald-Wright est un peu plus près de Delaunay. Ses toiles sont aussi riches en couleur comme un peintre parisien, bien que beaucoup moins lumineuse, tandis que son traitement est moins ferme. Il cherche des effets flous, avec des contours submergées, tout en produisant un type inhabituel de transparence, avec une suggestion d'un flou flottant corrigée par quelques coups clairs, libres, qui imposent un certain ordre sur la composition dans son ensemble. Ceci est en contraste avec Russell, qui souligne toujours la structure sous-jacente du squelette, avec un accent caractéristique et une vigueur qui menace de déborder le cadre trop étroit, il lui impose.

À peu près au même moment un autre Américain, Patrick Henry Bruce, a montré quelques oeuvres aux Salon des Indépendants qui a également eu un certain rapport avec l'orphisme de Delaunay et de certaines toiles de Picabia. Je l'ai rencontré beaucoup plus tard, vers 1930 dans son appartement sombre dans la Place de Furstenberg, où il m'a montré quelques morceaux froidement couleur dont il semblait très inquiet. Il était lui-même abattu et peu enclin à parler, et pourtant sa peinture rayonnait de bonheur et de la vraisemblance. Il est décédé quelques années plus tard, après avoir détruit un grand nombre de ses peintures. Néanmoins un certain nombre ont été sauvés par Henri-Pierre Roché.

Frank Kupka est né en Tchéco-Slovaquie et vint à Paris en 1895, où il s'est fait un nom comme illustrateur (Les Erynnies, Lysistrata, Prométhée). Il a également peint des portraits et un grand nu (1910), qui est merveilleusement clair et frais dans sa coloration. En 1911, il a soudainement avoir jusqu'à la peinture figurative de la nature, et dans le Salon d'automne 1912 ont présenté une Fugue en deux couleurs et une Chaude Chromatique qui a suscité beaucoup de commentaires dans la presse. Au Salon des Indépendants de l'année suivante, il a montré ses plans verticaux, Solo Ligne Brown, et au Salon d'Automne ses Localisations des Mobiles graphiques. Après cela, il est resté fidèle à l'abstraction, à l'exception des illustrations qu'il a faites pour le Cantique des Cantiques et de quelques autres ouvrages illustrés dont il a publié sous un pseudonyme.

Nous ne pouvons pas considérer la production de Kupka depuis 1911 sans notre admiration teintée d'être avec embarras, pour son travail semble contenir quelque chose de tous les styles. Ce peintre passe avec une facilité déconcertante de la Sphérisme très coloré de ses disques de Newton (1912) et leur réminiscence de Delaunay, à un rectilinearism exprimé dans des tons ternes ou une gamme étroite de couleurs (plans verticaux, 1912 ou 1913). Après qu'il se livre à des impressions ou des souvenirs tenaces baroques du style moderne », qui s'est fait un nom pour son ami et compatriote Alphonse Mucha, d'abord à Paris en 1900 et par la suite à New York et Chicago.

Toutefois, une sélection très minutieuse montrerait Kupka pour avoir produit un certain nombre d'œuvres de premier ordre, ce qui pourrait être classées en deux groupes: le dionysiaque, ou plutôt, orphique, comme Apollinaire aurait pu le dire, dans lequel la composition est maintenu par la ligne courbe seule (étude sur un fond rouge, 1919; La Foire, 1921), et d'autre part ces toiles dans lesquelles seules les lignes droites sont utilisés, avec une préférence marquée pour les verticaux, comme dans le bleu et le rouge des plans verticaux, 1913, Bleu dans des plans de 1945, et dynamiques dans les lignes, 1948. Dans ses œuvres les plus simplifiées Kupka se montre être un romantique dans ses efforts constants pour transcender la peinture à travers une certaine inquiétude littéraire. En un mot, il est un genre d'artiste gothique, soit la construction de la cathédrale nefs solides, mais très imaginatif, ou à couler à son exaltation dans ce qu'on pourrait appeler peintures polyphoniques, évoquant les lumières de vitrail à travers leur obsessionnelle, en écho à la qualité.

Picabia est encore plus déconcertant, car si Kupka est allé trop loin en essayant de donner tout à la fois, le peintre espagnol nous a offert une surabondance de fois le pire et le meilleur. En 1912 ou 1913, il pourrait être compté parmi les quatre ou cinq meilleurs peintres de son temps, après quoi il gaffé dans chaque mode passagère afin que l'art à laquelle il avait contribué quelques chefs-d'œuvre incontestables aurait pu facilement être mal jugé comme une phase dans son carriérisme . Ses toiles sont en suspens Procession à Séville, Udnie, Edtaonisl, Souvenir de mon bien-aimé Udnie, New York, Le Printemps, Danses d'ici le printemps, danseur étoile et son école, le tout peint en 1912 ou 1913. Picabia ne peut pas être blâmé, car après tout personne ne peut donner plus ou autre que ce qu'il ya en lui de donner. Ce n'est un secret dont il jouissait le superflu et smalltalk de la vie sociale, mais cela ne veut pas dire qu'il n'était pas capable de brillantes démonstrations de l'esprit dans sa peinture. Ses machines-portraits sont certainement des exemples de cela, ainsi que ses compositions avec des anti-esthétiques des objets tels que des peignes, des boîtes à sardines et des allumettes, qui sont dans le meilleur esprit dadaïste.

Ses productions ultérieures cependant n'étaient pas si bien réussi. A Cannes, où il se plaisait à organiser des festivals, il est retourné à la peinture figurative pour un certain nombre d'années, en grande partie d'un niveau décevant. Ce n'est qu'en 1945 que Picabia a été déplacé, comme beaucoup d'autres, par le renouveau postliberation et commence à peindre dans l'esprit de l'âge. Sa réaction naturelle est de revenir à l'art abstrait, tout en continuant à faire fonctionner le bas, la production d'une série de toiles très personnelles qui étaient un peu agressifs en couleur et en tous les cas plein de surprises dans leur composition (d'abord demander votre Orphée, la sensibilisation de la misère , Black Eye, Le Troisième sexe, qui appartiennent tous à 1948). Puis, en 1949, il fait une série de photos composées de rien, mais des points, qui sont sûrement parmi les plus étranges œuvres qui ont été produites dans l'art abstrait. J'avoue que j'ai beaucoup apprécié leur quand ils étaient peints, et a été chargé d'encourager Picabia pour produire un si grand nombre d'entre eux.

Alors que Delaunay, Kupka, Picabia, Mondrian et d'autres ont fait de Paris la capitale de l'art abstrait, Kandinsky a été à travailler sur son propre à Munich. Malgré ses efforts pour attirer, autour de son cavalier bleu, tous les meilleurs talents qu'il connaissait dans le monde de l'art, le fait demeure que les siennes étaient les seules œuvres véritablement abstraites dans les expositions du groupe célèbre dans le cours de 1912. Alors que Franz Marc et Macke Août, ses jeunes collègues allemands, quelques toiles complètement abstraites en 1913 ou 1914, ils n'étaient pas reconnus que bien plus tard, après que les deux representitives ces remarquables de sa génération en Allemagne avait perdu la vie dans les tranchées, sur les le front occidental.

Kandinsky a été rudoyé par les critiques quand il expose ses premières oeuvres abstraites. Moqueries, les insultes et la diffamation sont souvent le prix à payer pour le courage et la sincérité. Mais l'encouragement ne tarda pas à suivre. Ses œuvres ont été publiées par Piper; Herwarth Walden a pris sa part dans sa revue Der Sturm, tandis qu'à New York Stieglitz Alfred a été attiré par les contributions de Kandinsky à l'Armory Show et a donné la somme alors considérable de 800 dollars pour une de ses toiles. Ce fut le premier à trouver un acheteur en Amérique, et il a ensuite fait sensation à Chicago et a ouvert la voie à la réussite de Kandinsky. Le Solomon R. Guggenheim Museum de New York contient maintenant des plus riches collections d'œuvres de Kandinsky qui doit être trouvé.

Art Abstrait sur ​​la Côte du Pacifique

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Centres d'activités artistiques à Washington, l'Oregon et la Californie ont en commun les problèmes de distance de grandes collections d'art, des possibilités d'exposants, et de marchés de l'art dans le reste du pays. Sinon, ils présentent une grande diversité dans les styles de la pratique des artistes et dans les milieux dans lesquels ils travaillent. Cependant, partout dans le far west du type de l'expression abstraite qu'on appelle habituellement occupe aujourd'hui une place importante parmi les mouvements artistiques locales.

L'art abstrait sur les plages de la côte ouest de l'abstraction complète, dans laquelle la réalité objective ne joue aucun rôle, à semi-abstraction dans une grande variété de styles personnels. Une grande partie de celui-ci peut être assez précisément décrit comme l'expressionnisme abstrait, de mettre l'accent subjectif, émotionnel et symbolique est important dans le travail de la plupart des artistes. Le type le plus intellectuel de l'abstraction basée sur le modèle géométrique et les relations calculées est moins pratiqué que la libéralisation utilisation du milieu de créer des relations dans l'espace, le mouvement et la couleur, avec de fortes connotations émotives.
L'art abstrait a gagné du terrain de façon constante comme des artistes établis de longue date dans l'ouest ont trouvé leur chemin agréable d'expression en elle, tandis que la plupart des artistes qui ont gagné la reconnaissance au cours des quinze dernières années ont pratiqué un style abstrait de leur première apparition. Dans certains endroits, il est difficile à l'heure actuelle de trouver n'importe quelle quantité de travail de qualité créative qui n'est pas abstraite, et la faveur des artistes, critiques et public est certainement dirigés vers l'art abstrait assez généralement.

L'exploration de la peinture abstraite et de la sculpture et le développement des styles personnels de l'abstraction ne sont pas nouveaux dans la région. En effet, au moins une figure de proue du mouvement abstrait développée dans le nord-ouest et y travaille toujours. C'est, bien sûr, Mark Tobey, il est certainement l'un des pionniers et ses contributions à l'art abstrait sont importantes et profondément personnelle, le résultat de la recherche individuelle longtemps pour sa manière d'expression. Son leadership a joué un rôle important dans la région. Certains artistes ont apporté une expérience dans l'art abstrait dans la région.

Par exemple, S. MacDonald Wright, qui vit maintenant près de Los Angeles, appartient à l'histoire de l'art contemporain-et a trouvé sa forme d'expression et a contribué à l'orphisme longtemps avant, il s'installe en Californie du Sud où son enseignement a eu une influence. Parmi ceux originaires de l'ouest de la maturité ou portée en tant qu'artistes-t-il, une certaine proportion faisaient des essais préliminaires de l'expression abstraite par les mi-trentaine ou tardive. Après l'interruption des années de guerre de la tendance vers des styles abstraits a été définitivement fixée, et à la fin des années quarante était devenue dominante dans la région de San Francisco Bay et important dans tous les autres centres.

Il ne peut pas être répété trop souvent que l'art abstrait dans sa grande variété de formes dans les centres de la côte du Pacifique a connu une croissance lente parmi les artistes réfléchis, en raison de leur propre évolution ainsi que de leur étude intense de l'art abstrait dans son contexte historique et contemporain formes en Europe et ailleurs aux États-Unis. Heureusement, la distance qui a empêché un avis général de leur travail à travers le pays n'a pas interféré avec leur trop grande connaissance de l'art d'ailleurs, tirées des expositions d'art moderne indiquées dans leurs communautés et de ce voyage, ils pouvaient gérer.

Ces dirigeants locaux ont eu une influence en tant que professeurs. Mais les influences importées ont également joué un rôle dans le développement artistique. Dans certains cas, les artistes qui sont venus pour enseigner ou de travailler pour une fois dans l'ouest ont contribué à la croissance de l'art abstrait par le stimulus de leurs nouvelles personnalités, par la confirmation des orientations que les artistes matures y avaient déjà pris, et par un effet positif exemples et de leadership pour les jeunes artistes. Dans chacun des centres les circonstances du développement de l'art abstrait ont divergé, et partout sa croissance a correspondu aux conditions locales de l'environnement ainsi que du leadership et de personnalités créatives.

Nord-ouest de l'art de la région de Seattle, au moins dans le travail de quelques-uns de ses dirigeants, est probablement plus généralement connue que celle de tout autre centre de la côte du Pacifique. Malgré l'exemple et l'influence de Mark Tobey, l'abstraction a évolué comme une expression personnelle fortement marquée dans le travail de quelques individus. Tobey lui-même a développé un style personnel, basé sur sa réaction sensible au monde autour de lui, que se renouvelle sans cesse pour apporter des réflexions nouvelles en couleur et des motifs complexes de ce qu'il voit et sent sous forme de résumé. Morris Graves, dont la peinture est toujours profondément marquée par l'émotion et de symbolisme, peut être placé en général parmi les expressionnistes abstraits, en dépit de son utilisation variant de la réalité objective. Kenneth Callahan appartient également à cette société. Moins bien connus des artistes, de la région de Seattle, parmi lesquels on peut citer Kenjiro Nomura, George Tsutakawa, et Ernest C. Schwidder, tous les styles d'utilisation abstraits.

Portland partage ce climat nord-ouest et du paysage, qui semblent avoir eu quelque part dans l'élaboration de l'art de collègues vers le nord. En Carl Morris et Louis Bunce il dispose de deux peintres qui sont arrivés à complètement personnelles styles abstraits. Ils ont tous deux match nul sur le monde des montagnes, la mer, et la rivière, de la brume et la pluie des effets sur eux comme un point de départ de ce que deviennent les états sensibles de relations, dériver une bonne partie de leur richesse à partir d'une manipulation magistrale des ressources de leur milieu . Frederich Heidel dans les régions semi-abstraction, quelques jeunes artistes dans un large éventail de styles abstraits et semi-abstrait, et deux sculpteurs - Hilda Morris et Tom Hardy, explorant degrés d'expression abstraite dans la modélisation et de métal - donner à l'art abstrait une place importante dans l'Oregon.

Les deux principaux centres de Californie, Los Angeles et San Francisco, à la fois fournir une activité beaucoup d'art avec un grand nombre d'artistes capables. Dans la région de Los Angeles il ya un bon nombre qui sont des cotisations personnelles à l'art abstrait, allant de complètement non-objectif du travail à des abstractions moins profondes. Cependant, l'art abstrait, il semble moins un mouvement général que d'un développement distinct de la part d'un nombre limité d'artistes exerçant leur recherche personnelle. Dans la région de la baie de San Francisco, d'autre part, si les artistes montrent autant de diversité et de l'individualité, la peinture abstraite et de la sculpture représente la tendance dominante au point où seul un nombre très limité d'artistes qui font un travail de qualité créative rester en dehors du général circulation. Parmi le groupe de Los Angeles d'un artiste, John McLaughlin, fonctionne de manière cohérente dans les relations simplifiées d'un type géométrique de l'abstraction complète. Hans Burkhardt, Lee Mullican, Orrel Reed Richards Ruben généralement peindre des abstractions, d'un type non-objectif en exprimant un ou l'autre série de relations, tout en une douzaine d'autres peintres remarquables de la région utilisent des styles abstraits dans le traitement des matières plus ou moins représentatif. Des sculpteurs comme Bernard Rosenthal et Pegot Waring traiter des sujets facilement identifiables dans la mode abstrait.

La baie de San Francisco région présente une activité beaucoup plus homogène dans l'abstraction. Il prend la forme d'un mouvement généralisé, fortement marqué par les individus. Historiquement, l'influence de Mark Rothko et Clyfford Still, y enseigne à la fin des années quarante, ne peut pas être négligé dans l'activité art vigoureux et étendu actuel de la région de la baie, mais les dirigeants des artistes et des enseignants de résident de longue il a contribué à ses débuts et le développement. En effet, les exemples et la stimulation de ces professeurs invités ne pouvaient pas avoir été aussi fructueuse comme ils se sont révélés être, si le terrain n'avait pas été bien préparé par la connaissance des artistes locaux de la gamme de l'art abstrait, et par la présence parmi eux à cette époque de nombreuses personnes qui avaient déjà poussé loin leur propre exploration de l'expression abstraite et continuent leur croissance dans des styles personnels abstraites sans aucun sentiment d'étrangeté.

Il ya maintenant une plus grande proportion d'artistes travaillant dans l'abstraction d'un type non-représentation dans la région de San Francisco que dans tout autre centre de la côte ouest. Il ya une grande variété de styles et de points de vue pour être sûr. Les types dominants peuvent être regroupés sous la rubrique inclusif de l'expressionnisme abstrait, de l'émotion et la représentation du sentiment par des relations traduites en termes de moyennes prévalent. La sculpture est particulièrement important dans la région, et la plus grande partie du travail de qualité produit - que ce soit en pierre, en bois ou en métal - est abstraite. Parmi les peintres devraient être nommée Ruth Armer, Richard Diebenkorn, Ralph Du Casse, Shoemaker-Pierre, Richard White, Paul Wonner, dont tous les travaux est généralement non-objectif. Ruth Asawa, David Tolerton, et Woods Gurdon représenter l'éventail des styles abstraits dans la sculpture.

Aucune révision de l'art abstrait dans la baie de San Francisco ne peut être complète sans rappeler quelques-uns des artistes qui ont vécu à partir de là pour gagner la reconnaissance à l'étranger ou ailleurs dans ce pays. Les peintres John Hultberg, Sam Francis, Louis et Calcagno et le sculpteur Claire Falkenstein viennent immédiatement à l'esprit.

A l'art abstrait sur les caractéristiques de la côte du Pacifique, qui le distinguent? Ils sont difficiles à décrire simplement, mais il ya certaines attitudes moins partagées par de nombreux artistes là-bas. Tout d'abord, il est évident que les artistes occidentaux de maintenir une grande individualité. Tout au plus pourrait-on hasarder les généralisations que la distance et un certain degré de compte l'isolement de cette indépendance et l'individualité de développement des artistes de la région en général, que certains artistes ont trouvé leurs expressions abstraites en harmonie avec une vive sensibilité à l'environnement de le climat et les paysages; que l'espace et une vue sur la mer lointaine, montagnes, vallées ou ont peut-être quelque chose à voir avec l'attraction que la création d'un espace sur la toile tient pour une bonne partie des artistes-t-il. Pour un occidental, il semble que dans l'espace ouest et à distance ont une signification spéciale, quand par rapport aux anciens, les régions plus étroitement réglées - et il n'est pas surprenant si leur réflexion peut être reconnu dans les œuvres d'artistes.

Ce que l'expérience de faire face à travers un vaste espace vers l'Asie du bord le plus éloigné de l'expansion des modèles du monde occidental, avoir un certain effet sur les artistes de la côte du Pacifique? Certains, comme Tobey, ont profité de la connaissance consciente de la pensée orientale et de l'art. Mais représentant la culture des terres derrière eux dans un nouveau pays au courant des traditions anciennes et très différentes au-delà de la mer a sans aucun doute dans le cas de certains artistes une certaine influence. Le nombre d'artistes sur la côte du Pacifique de travail dans des styles abstraits, leur maturité et de l'individualité en tant qu'artistes et la qualité de leur travail, ainsi que sa variété dans l'expression abstraite, faire de la région remarquable à l'heure actuelle dans un examen général de l'art abstrait aux États-Unis.

De nouveaux développements, les points de vue et des styles ainsi que des artistes émergent d'année en année, mais les ressources de l'abstraction n'ont certainement pas fonctionner à sec. Il C'est un mouvement poursuit son évolution et avec ses propres racines, ainsi que sa relation avec l'art abstrait ailleurs. Artistes de la côte du Pacifique, en apportant leur contribution à la variété grand présent de l'expression abstraite, en aucun cas ne peut être considérée que comme l'écho styles ailleurs si il est évident qu'ils s'inscrivent dans la communauté internationale en général ainsi que les mouvements nationaux de l'art abstrait. Leur travail a ses propres accents, découlant non seulement des personnalités des individus, mais de leur environnement et ajoute donc pas inconsidérément à la riche diversité de l'art abstrait aujourd'hui.

Les débuts de Mid-Western Abstrait

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Dans les années juste avant 1940, il a été question tout au long du Midwest américain au sujet d'un livre écrit par un artiste qui ouvrirait les portes sur les mystères de la nouvelle peinture abstraite. Un grand groupe attendait avec anxiété. Les jeunes artistes s'attendait à un guide sûr, les enseignants sont un manuel inclus. Ils attendaient Hans Hofmann pour compléter son travail depuis longtemps promise.

Sur la partie orientale de la mer-côte plusieurs ont déjà été étudié avec Hofmann. Dans le centre-ouest, nous avons continué notre chemin. John Stuart Curry, Thomas Benton, Grant Wood et avaient laissé leur empreinte, mais une telle influence allait mourir rapidement. Dans les universités, ils ont été la peinture détrempes, mais dans les écoles professionnelles une sorte de modernisme relatif à Cézanne, Van Gogh, Gauguin et a été florissante avec des variations - souvent d'une manière qui a révélé l'influence de la récente WPA-projet sur l'art de l'artiste conscience sociale. La palette sombre, la figure allongée et l'œil triste d'amande étaient très bien en évidence. La figure stylisée de peintures murales WPA a également eu sa vogue.

Beaucoup de jeunes artistes de l'époque avaient conclu qu'ils allait devenir plus tard des enseignants de gagner sa vie, et le programme d'art universitaires a été de devenir une source d'influence majeure. Lester Longman avait déjà importé la pratique des artistes à son campus de l'Université d'État de l'Iowa, Iowa City et est devenu un centre d'art. Philip Guston et Maurice Lasansky avaient adhéré à ce personnel, et ces deux grandement influencé la peinture et de la gravure - non seulement dans le milieu des années-ouest, mais par l'intermédiaire de leurs élèves que les enseignants, à travers le pays. À l'Université du Texas, un autre groupe de «l'artiste enseignants a été en cours d'assemblage par Ward Lockwood. Everet Spruce du Texas et de Philip Guston de l'Iowa ont commencé à apparaître dans les annales Whitney à New York.

C'était juste avant la Seconde Guerre mondiale. Après la guerre, de nombreux G.Is. retour à la mi-universités de l'Ouest (tandis que d'autres allé à New York ou à Paris). À l'Université du Minnesota, HH Arnason a été l'élargissement du département d'art; il a non seulement invité des artistes en tant que membres permanents de son personnel, mais aussi établi un programme d'artistes invités. Certains de ses professeurs lui venait de l'Université de l'Iowa, tels que Raymond Parker et Malcolm Myers. Iowa City, Iowa, et de Minneapolis, au Minnesota, ont été surchargées avec G.Is., et qu'il était donc l'Art Institute de Chicago.

L'acte de peinture avait en quelque sorte devenu moins important que l'objet peint qui devait être mesurée hors, d'une manière ou d'une autre, de découvrir son secret signifie. Accroché à des sujets de représentation, et en cherchant une forme individuelle de l'abstraction (c'est-à-une distorsion personnelle), I, comme beaucoup d'autres, a évolué quelques peintures très tendues. Comment impersonnelle, ils semblent, rétrospectivement, bref, rappelle toujours d'un autre peinture ou de parties de nombreux tableaux! De combien de façons peut-on peindre un œil, et comment éviter que beau monstre Picasso! Comme beaucoup écarté de thèmes figuratifs, il est apparu une abstraction très stylisé avec des racines dans le cubisme. Dans certains quartiers, ce fut une fessée cubisme décoratif fortement d'une saveur Bauhaus.

Le déplacement et les essais reflètent une inquiétude générale et de mécontentement. Et puis, il est apparu que les travaux de groupe qui comprenait Hofmann, Pollock, Clyfford Still, De Kooning, et al. Exposition Pollock en 1943 à la Art of This Century avait été explosive, mais nous avions vu les œuvres que dans la reproduction. Même les reproductions ont été passionnantes, mais nous ne pouvions pas reconnaître que Pollock avait attaqué la tradition chevalet. L'exposition 1948 de de Kooning à la Galerie Egan était aussi un des plus excitantes, mais nous n'avions pas vu ces œuvres soit, ni mesuré leur échelle.

Lorsque nous avons finalement fait les voir - à des expositions dans les universités ou à l'Art Institute de Chicago, ou sur les visites à New York - la filière a été en quelque sorte jeté. Il y avait là la promesse d'un nouveau moyen qui était moins étouffante à son sens de la découverte. C'était une façon audacieuse, mais il a tenu la promesse de surprise. Ce n'était pas un moyen plus facile, parce que pour beaucoup, il a nécessité la destruction de son passé et de la re-définition de soi-même dans un nouveau présent. Si nous dans le centre-ouest est arrivé à cette peinture plus lentement que les autres, souvenez-vous que nous n'avions pas étudié avec Hofmann. Mais peut-être ce n'était pas trop malheureux, soit, pour un type de «Hofmannism 'n'allait pas tarder à sévir.

En plus d'autres choses, il y avait un sentiment d'émotion réelle dans l'air. Si l'on aurait souhaité d'être à Paris au tournant du siècle, on voulait maintenant d'être près de l'excitation monter à New York - ou à San Francisco - pour une aussi entendu des activités sur le centrage de la côte ouest autour de Clifford Still , Mark Rothko, et Hasel Smith, en collaboration avec ces artistes invités comme Robert Motherwell et Ad Reinhardt. Ainsi, certains peintres dirigés vers l'est, certains l'ouest tête. Comme James Johnson Sweeney observée, les artistes se déplaçaient tellement il était difficile de les associer à n'importe quelle région ou localité. Identifications régionales ont été plus de sens.

Quelle était cette nouvelle orientation qui nous a semblé si urgent et vital? Essentiellement, il s'agissait que le développement de peinture qui a récemment été appelé «l'expressionnisme abstrait». C'est un terme qui n'a pas été tout à fait populaire avec des artistes, qui sont surpris que je pense par l'implication qu'ils partagent une esthétique mutuelle ou style de peinture. Et il est une sorte de chevrotines la terminologie, car il est utilisé en référence à des œuvres qui sont abstraites et des œuvres qui sont non-objective; des travaux exécutés avec la liberté d'expression et d'autres exécutés avec un soin prudent; fonctionne de manière intuitive à formé et travaille plus structurellement organisée. Pensez, par exemple, de la distance entre un De Kooning, Motherwell et un, les deux des expressionnistes abstraits ». Mais il est un terme d'usage, et il se réfère à ce grand groupe de peintres - dont certains que je l'ai déjà dit - et pour le travail de nombreux artistes dont les tableaux se rapportent ces dernières d'une manière ou d'une autre à ce corps de travail. J'ai évité de dire «mouvement» parce que, même si il peut y avoir un chevauchement dans une attitude générale envers la peinture, il me semble que les œuvres des artistes dont je parle ne relèvent pas de l'idée d'une école ou un mouvement ou un manifeste. Il n'est pas des similitudes dans leurs œuvres qui suscitent l'intérêt de personne, mais les différences importantes. Il n'est pas tellement un style de groupe car il ya des styles individuels.

Pourtant, on a dû reconnaître que ces artistes partagent quelque chose dans leurs points de vue. En 1955, on m'a demandé de monter une exposition de travaux par les jeunes peintres pour le Walker Art Center à Minneapolis. Extraits de l'introduction que j'ai préparé à l'époque pour le catalogue sera peut-être le mieux résumer mon point de vue actuels.

Si il ya un similiarity dans les buts dans les œuvres de cette exposition, il est peut-être à ce niveau de base de l'attitude de l'artiste à l'égard de toute la loi de la peinture, et dans sa manière d'aborder la toile. Ces peintres sont moins impliqués dans la démonstration ce qu'est la peinture par rapport aux normes habituelles en plus impliqués dans la découverte de ce bien elle peut être ou devenir. Ce n'est pas une nouvelle recherche, car il a été en cours pendant une longue période, mais les artistes sont ici que la recherche continue. Ils tentent toujours d'aller au-delà des notions de «l'interprétation d'objet» (qui signifie aussi pour conduire l'observateur loin de les habitudes de recherche d'un objet ou une image à identifier). Ils continuent de croire que l'une des réalités essentielles de la peinture est la réalité de la surface formée par la peinture sur la toile.

Fréquemment, cette peinture de la surface est la seule réalité impliqués, et un certain niveau de réalité que l'observateur associé peut penser qu'il détecte ne peut pas avoir été voulue par l'artiste à tous. Stephen Pace ou Joan Mitchell peut rappeler l'une des qualités associées aux paysages; en fait, c'est au niveau de la seule déduction, car ni l'artiste a été vraiment dépeignant des paysages », en tant que telle ... Nombreux sont ceux qui s'efforcent encore de découvrir de nouvelles qualités inhérentes à la peinture qui peuvent être libérés par les nouvelles méthodes et approches à la toile. Pollock était, après ces qualités quand il jeté le pinceau et se mit à couler sa peinture. D'autres ont cherché d'autres moyens, parfois un acte ou un geste nouvelle peinture est devenue celle des moyens.

Notez que là encore, les artistes continuent à aller au-delà de l'idée habituelle de ce qu'est la peinture - comme un objet d'art. Il ne doit pas nécessairement être une surface polie encadrée dans une lumière dorée avec capuchon de le repérer. Habitudes d'observation de «identification» ont fonctionné même en ces termes, et certains disent encore: "Il ne ressemble pas à une œuvre d'art à moi». Je crois, cependant, l'observateur le sentiment que le affrontal apparente à cette habitude est moins violente dans le travail de ces nouveaux peintres. Avec un changement de direction, même le beau mot n'est pas aussi impopulaire que l'habitude d'être, et les peintures peuvent offrir moins de résistance que leur à un moment semblait. Un peintre dans ce groupe a récemment commenté, «J'ai été ramasser ma couleur. Je tiens vraiment à peindre des belles choses».