Aspects de la Peinture Américaine

Target, 1974

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Johns, Jasper


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Le principal mouvement de l'art abstrait en Amérique a commencé dans les années trente avec une forte orientation vers une qualité plus structurelle, l'élimination de l'impressionnisme et de l'atmosphère et une compensation générale à s'éloigner des surfaces de peinture réalistes et des textures. La plupart des travaux a également été non-figuratif et qu'il s'agissait d'une réponse forte à l'art social des années trente ». Derrière ce grand mouvement et homogène était la tradition du rationalisme et de l'effort vers la perfection intellectuelle. Sommes rien dans cet idéal mieux que Juan Gris 'énoncé suivant: «Les artistes ont pensé à produire un effet poétique avec un beau modèle ou beaux sujets. Nous, d'autre part croire que nous pouvons le produire avec de beaux éléments, pour ceux de l'intellect sont certainement la plus belle ».

Cet effort vers une qualité plus pure et plus architectonique a été clairement reflété dans les expositions de peintres américains au cours de la fin des années trente et au début des années quarante. Exceptionnelle dans ces expositions a été le travail d'artistes tels que George LK Morris, Joseph Albers, Jean Xceron, Karl Knaths, Albert Swinden, Byron Browne, et John von Wicht. 1936 a vu la formation d'une organisation d'art important qui a été appelé les artistes abstraits américains. Cette organisation a joué un rôle de premier plan dans le développement de l'art abstrait américain. La plupart de ses membres étaient des exposants de premier plan de l'art akstract en Amérique à cette époque.

Parallèlement à la Seconde Guerre mondiale de nombreux peintres abstraits ont commencé à déplacer de l'intérieur sentiment cubiste peu fermée vers le sentiment du paysage spatial plus ouvert de Kandinsky et de Mir. Forts points de vue individuels ont été mis au point. Certains artistes ont commencé à travailler dans un très subjective, façon érotique, et surréaliste, d'autres ont réagi au défi de la nature extérieure et l'ère moderne en termes plus positifs, plus objectives. Il serait impossible de citer tous les artistes divers dont le développement individuel a eu lieu, et à son tour a contribué à l'évolution générale de l'art abstrait, dans cette période.

Certains de leur œuvre est reproduite dans ce livre. George McNeil, qui était un des premiers membres de l'AAA, expérimenté sous forme libre. Sa peinture était pure, en utilisant un mouvement de brossage très libre, relative forme à la forme. Réflexions de la liberté viennent à travers dans la peinture de Botkin, Pace, et plus tard les membres du groupe. Xceron combine un sentiment de liberté spatiale avec un sentiment poétique de la géométrie de la forme solide. Le développement plus subjective a été bien représenté dans l'œuvre de Arshile Gorky, dont la dette au cubisme dans les années 1930 était super. Toujours éclectique, Gorki maintenant détourné de Picasso et est devenu plus soucieux d'exprimer ses conflits intérieurs et les frustrations.

Ces coulait comme symboles inconscients dans l'espace - peintures de rêve, comme elle était. Contrairement à la peinture subconscient et subjective de Gorki est le travail positif et apparemment objectif de Stuart Davis, typiquement américain, et George LK Morris, tous les deux géométriques et calligraphiques dans la saveur. Davis est un peintre qui reflète la dynamique de la scène américaine et qui n'a jamais dévié, mais plutôt a grandi avec son sujet et à sa connaissance de la forme et la couleur. Lui et Morris sont des exemples classiques de peintres qui comprennent leurs problèmes en termes appartenant à la peinture. Davis a toujours eu lieu: «L'art n'est pas l'enregistrement de l'impact des formes naturelles sur la rétine. Il est une synthèse de toutes les facultés perceptives en équilibre émotionnel, objectivés dans un langage de la forme. Réponse émotionnelle à la nature ne crée pas de l'art, sauf quand il est intégré à une construction imaginative pour son propre bien. L'acte de peindre n'est pas une duplication de l'expérience, mais l'extension de l'expérience sur le plan de l'invention formelle ». Morris a également été l'un des porte-parole les plus éloquents en Amérique pour l'art abstrait. Il ainsi que Davis ont compris le contexte de l'ordre pictural classique.

En examinant la scène la peinture américaine, nous trouvons la partie sensuelle de la peinture plus appréciées que la structure. L'importance structurelle d'une peinture abstraite est souvent méconnu en raison d'un préjugé général et un sens peu développé esthétique et plastique. Beaucoup de gens ne peuvent pas différencier entre l'appel de surface décorative d'une composition abstraite et sa signification structurelle. Leur hostilité envers le formalisme, en collaboration avec un certain manque de compréhension, a confondu leur jugement et qu'ils attribuent seule émotion à une peinture qui a un genre de peinture verve et manipulation de la surface. Peinture qui a une forme claire et de couleur claire qui leur apparaît intellectuelle et le froid.

Peut-on dire que Vermeer avec ses clairs, des surfaces propres senti la vie moins intensément que Rembrandt ou qu'il manquait de vision poétique? Ou que Ingres avait moins de sentiment que Delacroixl? Ou que, dans notre Léger temps est froid parce qu'il croyait l'idée, la forme, la géométrie et la couleur pour être des facteurs importants et décisifs dans la détermination de la valeur réelle du travail, et a estimé que le style doit être anonyme?

Virtuosité a toujours été une grande admiration. Sargent, Zorn, Boldini, Bougereau, toute gloire gagné grâce à la neuro-musculaire performances et des effets atmosphériques. De nos jours, la partie sérieuse de la peinture évoque rarement satisfaction. L'art moderne a parcouru un long chemin vers l'élimination du naturalisme de contrefaçon, mais il ya toujours une demande pour des photos romantiques et atmosphérique. Le peintre pur devient parfois un personnage tragique. Juan Gris, par exemple, et de nombreux excellents artistes américains, sans jamais compromettre avec des surfaces sensuelles, souffert pour elle.

«Liberté» Le mot est un mot très mal utilisé dans la peinture aujourd'hui. On pourrait se demander: Qu'est-ce que la liberté? Et on peut se demander: la liberté de quoi? Veut-elle dire une destruction des traditions et une violation des lois qui régissent le sens visuel de la peinture? Est-ce la liberté sans le peintre de la responsabilité pour plus de clarté, mais la charge du spectateur de deviner et de déduire avec sa propre interprétation? T-il, par conséquent, nécessitent du peintre que son travail peut être que provisoire?

Il ya deux approches à la peinture d'aujourd'hui. La première est que le peintre peint de manière suggestive, ce qui permet à l'observateur de lire dans la peinture. L'autre est que le peintre développe à travers la peinture à une exactitude et permet à l'observateur de voir sa vision clairement. Et ne pas donner à l'observateur une meilleure chance de rêver un plus grand rêve?

Bien que toute la peinture d'aujourd'hui est en quelque sorte subjective, l'extrême de la première non-approche communicative est sorti dans le mouvement de l'expressionnisme abstrait. Ici, la tension intérieure de l'artiste a été soulagée par une projection de lui-même sur des toiles immenses et par l'impact sensible de sa peinture - l'énergie et l'enthousiasme avec lequel il est tombé, poussé ou déplacé à travers la toile. Malgré sa forme totalement abstraite, cette approche n'exclut pas certaines qualités atmosphériques, illusoires et d'autres relatives au naturalisme. L'enthousiasme généré par celle-ci souvent dépassé ce qui concerne la plate-forme, les frontières de la toile, l'échelle, la portée, et la proportion.

Certaines œuvres de Pollock et de Kooning se rapprocher de la véritable signification de l'expressionnisme. De toute évidence la mention «expressionniste abstrait» ne décrivent pas complètement combinaisons Hans Hofmann de la géométrie et d'expression, ni les travaux de Motherwell, Baziotes, ou Kline. Malgré l'agitation à la peinture américaine par le mouvement d'avant-garde de l'expressionnisme abstrait, il serait difficile de dire qu'il a vraiment innové frais ou nous donner un nouveau sens de la forme que sorti de la post-impressionniste, cubiste, ou même mouvements constructivistes. A plutôt été sa contribution à caractère personnel dans lequel l'acte même de la peinture a été sa solution.

Le climat qui repose largement sur la séduction de surface et forme provisoire limite en fait l'artiste. La vraie liberté réside dans la compréhension de ses propres limites. Cela a été réalisé dans l'art primitif et dans le travail de Gauguin, Kandinsky, Miró, Klee et, si elles sont souvent cités comme des exemples d'inspiration pour l'expressionnisme. L'utilisation de symboles formels dans la culture primitive visant, non pas à l'expressionnisme, mais à donner l'ordre et sens à la vie. Gauguin sans son grande compréhension, de l'ordre, le sentiment, la justesse, le sujet, et son accomplissement de leurs exigences particulières en matière de forme et de couleur, ne serait rien, mais une grande classe conteur ou décorateur.

C'était pour Mondrian pour faire un absolu de la forme, pour rendre la structure picturale de l'image à la fois objet et le contenu. Il a aboli complètement tout semblant de sujet. Cette recherche de la pureté dans la peinture et ce qu'on appelle un «nouveau réalisme» a inspiré un certain nombre de peintres américains, parmi eux Glarner, Fleischmann, Bolotowsky, et Diller. Dans leurs idiomes personnels qu'ils ont répondu avec une nouvelle vitalité et un lyrisme. Mondrian croyait avoir réalisé le cubisme à une conclusion logique. Mais le cubisme, mais il a joué tellement vital en donnant une partie d'art moderne d'un concept nouveau formulaire, n'a jamais tenté de détruire l'image ou n'implique pas sa dissolution.

Cubisme libéré la peinture de la position fixe, la mise en scène et la tyrannie de l'objet qui avait dominé la peinture depuis la Renaissance, et il a ouvert la voie à l'imagination picturale plus ainsi que pour une plus grande signification en plastique. Il a libéré le peintre moderne du monde de l'œil externe et a permis une plus grande enregistrement de la totalité de la vie. Bradley Tomlin, librement horizontales mariage de Mondrian et verticales avec des avions qui se chevauchent cubisme, romantique à la peinture. Avec plus de sévérité dans la structure et une plus grande variété de symboles géométriques évoquant, Motherwell injecte une note fraîche à la bande verticale. D'autres peintres du point de vue puriste ont accepté le concept Mondrian de la structure comme le dernier mot dans la peinture contemporaine. Il a conduit un certain nombre de peintres de se sentir que la peinture a été épuisé et ainsi ouvert la voie pour eux pour faire face à la construction physique en dehors de la peinture. Des hommes comme Biederman cru en une sorte de concept de secours de la forme, d'autres poursuivi au-delà de secours dans l'espace physique.

En dépit de la réticence à discuter de sujet et son importance dans la peinture abstraite aujourd'hui, il joue néanmoins un rôle énorme pour un certain nombre de peintres américains. Jusqu'à la vingtième siècle, les objets, les gens, les principautés et les choses étaient toujours identifiable. L'un des phénomènes fascinants de notre époque est le rôle anonyme de l'imagerie. Le peintre d'inspiration indépendante cherche aujourd'hui pour la signification qui se trouve cachée sous les choses vues et ressenties. Sa vision est de trouver des formes concrètes qui expriment et communiquer ses sentiments et de les énoncer dans des termes nouveaux peinture vitaux.

C'est ce qui explique l'élimination visible de l'objet et son remplacement par l'imagerie symbolique. Il est donc dans le symbole de l'objet que le sujet a persisté: le symbole en est venu à contenir le caractère du sujet. C'est ce qui ressort, par exemple, dans le domaine de la peinture de paysage abstrait où les sentiments et les émotions fortes se rapportant à la nature prend forme. Ces formes de paysage sont devenus symboles sténographiques souvent capables de transmettre avec le sentiment poétique de l'amour et joie de la nature dans ses humeurs changeantes. D'une certaine façon, par conséquent, ces formes de paysage sont à court main symboles portant le caractère de la peinture.

Les travaux actuels de John von Wicht, fait en symboles sténographiques très personnelles, mais avec un sentiment de liberté guidée par la discipline intuitive, pourrait être décrit en ces termes. D'autres peintres avec une dévotion de temps pour la peinture de paysage ont été inspirés par une même direction, qui pourrait presque être dit ont découlé les peintures de paysages début de Kandinsky. Dans les peintures de John Ferren de paysage abstrait, par exemple, la couleur devient le symbole raccourci en chef. La plupart des jeunes peintres d'aujourd'hui, ainsi, ont trouvé leur inspiration dans cette peinture de paysage abstrait.

La Impulsion Spirituelle à l'art Abstrait

Eclipse

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Palmer, Sabina


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Après avoir défini les origines immédiates de l'art abstrait comme se trouvant dans le fauvisme et le cubisme, et ayant trouvé une de ses causes occasionnelles d'être dans le changement de grâce milieu social à la croissance de la mécanisation et de la science, une plus grande attention doit être accordée au problème lui-même afin de voir ce qui se passait dans l'esprit de ses principaux pionniers au moment où ils passaient de la figuration à l'abstraction. Une des façons dont cela peut être fait notamment par relire ce qu'ils ont écrit à ce moment-là. Un fait surprenant vient ensuite à la lumière, qui est que dans la plupart d'entre eux la nécessité de l'abstraction a été basée sur une faim aiguë pour les valeurs spirituelles. Il semble que, après un siècle de la philosophie matérialiste, l'intuition des artistes propres souligné un besoin urgent de recharger les centres spirituels.

Un nouvel humanisme est alors apparue, celle qui était très différent de celui de la Renaissance, d'un montant dans ce cas à une sorte d'humanisme intérieure, la seule forme de ce que pourrait comprendre l'égalité réelle, parce qu'elle met face à face avec l'homme que la part des l'infini qu'il porte en lui-même, et qui cherche son reflet dans ses semblables. Ainsi, une sorte de fraternité des sommets est créé, pour chaque homme est un sommet à certains moments et dans certaines conditions, chaque homme étant, lorsqu'on les considère dans l'absolu, le centre et le sommet du monde.

La spiritualité dans l'art, Kandinsky titre donné à son premier livre, était hautement significative. Dans sa conclusion, il a proclamé une nouvelle ère de l'esprit, une période de spiritualité intense qui devait trouver son expression directe à travers l'art.

En cahiers inédits de Mondrian, j'ai trouvé les mots "Il est la vie intérieure, sa force et de joie, qui détermine la forme dans l'art." Sur une autre page, j'ai lu «L'art n'a pas de sens, sauf dans la mesure où elle exprime ce qui est non-matériel, car c'est ce que permet à l'homme de transcender son propre être."
Je trouve la même tendance, quoique moins consciemment exprimé, dans les peintures Robert Delaunay de 1912 et 1913. Ils contiennent une exaltation quasi mystique de la lumière. Delaunay me le faisait remarquer un jour que «La plupart des peintres ne sont Peeping Toms-, alors que ce qu'ils devraient vraiment aspirer, c'est d'être des prophètes."

On peut se demander si, intellectuellement, il est juste un moyen facile de voir cet accent inattendu de la spiritualité dans l'art, ou tout au moins dans l'art abstrait au début, comme un accord intuitive avec des tentatives de Bergson à revaloriser l'esprit, dans le sens le plus large la plus profonde encore du terme, après cent ans de positivisme et du matérialisme historique. L'Évolution créatrice, le premier jalon dans ce changement de valeurs, est apparu en 1906. Dans sa conscience remarquable conférence et de la vie, publié en 1914, je trouve les remarques suivantes, qui pourraient parfaitement être appliqués à la première génération de peintres abstraits: «les grands hommes de l'intégrité, et plus particulièrement ceux dont l'héroïsme pur inventive efface de nouvelles voies pour l'homme vertus, servent à révéler la vérité métaphysique. Bien qu'ils se au plus haut point de l'évolution, mais ils sont plus proches des origines des choses et nous faire prendre conscience de cette impulsion qui provient des profondeurs. " Oui, l'impulsion qui renaît de ses profondeurs et qui est la plus proche des vérités fondamentales et à l'origine nu des choses, ce n'est sûrement ce que nous attendons de l'art en général et ce que l'art abstrait semble le plus apte à nous révéler, sans être gêné par des objets matériels dont la présence n'est pas plus une distraction agréable de notre objectif principal, qui doit être l'esprit ou l'esprit.

Personne ne comprenait mieux que Mondrian, aucun homme n'a jamais pénétré plus profondément que lui dans le cadre de toute une vie. Pourtant, il semble y avoir une certaine dichotomie dans sa pensée en ce qui concerne les valeurs spirituelles en tant que telle, et ce besoin d'un peu brève analyse.

Mondrian a longtemps été intéressé par les spéculations théosophiques. Pas plus tard que 1916, le portrait de Mme Blavatsky accroché sur le mur de son atelier. Pourtant, dans ses écrits, il ne fait aucune mention de ses sympathies théosophiques. Même dans une conversation privée, il évitait les sujets religieux et a clôturé en hausse à la moindre d'entre eux. Ce n'est que dans une atmosphère d'amitié et de confiance aurait-il risquer la moindre allusion à eux, et même alors, il était plus que prudent dans son utilisation des mots. D'habitude, il a pris une position agnostique extrême, tout en louant la mécanisation et l'éloge des futuristes pour dire qu'ils préféreraient une automobile à la Victoire de Samothrace. Il a également affirmé que le jour viendrait où nous pourrions laisser le travail de faire des œuvres d'art aux machines, à condition que les machines ont été contrôlés par des artistes.

Vantongerloo est venu à la même conclusion: «Tout progresse et évolue, et le temps n'est pas loin où l'art et la science s'unissent en un tout homogène." Cette notion a été soutenue par Van Doesburg, qui a écrit à un ami en Hollande, "Ma conviction définitive, une déclaration de culpabilité découlant de la somme totale de toutes mes activités, c'est que dans l'art futur se développent entièrement sur une base scientifique. Jusqu'à maintenant l'artiste a toujours été à la merci de ses sentiments et n'a pas eu les moyens de les contrôler. Il n'y avait rien à distinguer ses méthodes de travail de ceux de la modiste ou pâtissier, qui se contentent de arranger les choses selon leur goût ou l'envie. "

Mais cette perspective scientifique n'a pas été mis en place comme l'ennemi de la spiritualité. Au contraire, dans classique, baroque et moderne de la même Doesburg Van écrit "Cependant il est allé en profondeur, l'art médiéval n'était pas une expression directe de la conception religieuse, parce qu'elle n'a pas à trouver dans les moyens d'expression elle-même le corrélatif qui a été nécessaire pour exprimant que les perspectives. Il a constaté que corrélative dans la représentation symbolique, à l'aide de formes empruntées à la nature. L'expression de la vision religieuse était, par conséquent, pas directe, mais indirecte. "

À la fin de ce même traité, après avoir parlé d'un style collectif dont il a vu un accomplissement possible en style néo-plasticisme, l'auteur résume son point de vue comme suit: «Un style naît lorsque, après avoir atteint une conscience collective de la vie , nous sommes en mesure de mettre en place une relation harmonieuse entre le caractère interne et l'apparence extérieure de la vie. Un développement discontinu de l'art est le résultat naturel du développement discontinu de la conscience humaine vers la vérité. Au cours des siècles, le développement de l'art qui vise à donner la réalité à l'idée esthétique qui consiste à exprimer complètement, par l'intermédiaire de l'art, cette relation harmonieuse entre la vie intérieure et l'aspect extérieur des choses, entre l'esprit et la nature ...

L'art moderne de l'évolution vers l'abstrait et universel, en éliminant tout ce qui est externe et individuelle, grâce à un effort commun et l'idée commune, a permis de mettre en l'existence d'un style collectif qui, au-delà des personnes et des nations, pour la plupart définitivement et véritablement exprime la plus, les exigences les plus profondes et plus universel de la beauté. "Nous pouvons voir ou lire entre les lignes que pour Van Doesburg les termes d'art, la spiritualité, l'abstraction, l'universalité et la religion étaient identiques. néo-plasticisme était un effort pour réunir à nouveau les données et principes dont la civilisation avait divorcé de l'autre dans le cours du temps, mais qui à l'origine formé une seule et même réalité dans l'esprit de l'homme: c'est-à-dire, le besoin d'exprimer ses aspirations les plus élevées.

Cela, et rien de moins, était le but du style horizontal-vertical et le «simple distribution de couleurs". Mais Van Doesburg a renoncé à l'effort en 1924 et il a été laissé à Mondrian d'élaborer et de démontrer l'idée. Les œuvres qu'il produit à Paris, et peut-être au-dessus de tous ceux qu'il peint entre 1925 et 1932, a exprimé quelque chose d'absolu dans leur pertinence stricte de la composition, tout en ne perdant jamais de leurs remerciements signification de l'homme de leur couleur et une certaine résonance intérieure indéfinissable. Chacune de ses toiles incarne une ontologie pure. Ils sont les œuvres d'un homme capable d'exprimer dans la peinture des aphorismes laconiques de, disons, quelques Parménide modernes rédaction d'un traité sur l'Être en tant qu'être. La toile en forme de losange de 1931, composé uniquement de deux lignes droites de largeur différente sur un terrain uniforme blanc, est en un sens, le Vedanta de la peinture contemporaine. Après cela, il a dû venir de cette atmosphère raréfiée et renouveler son contact avec la vie.

Est-il possible de pénétrer très loin dans le travail d'un peintre sans le connaître personnellement? Un homme est la preuve vivante de la somme totale de son travail, même quand il est plus grand que lui. Je suis conscient qu'une certaine distinction doit être faite entre la morale et de l'art, mais je crois qu'il ya quelques échanges entre l'art et les plus hautes formes de la pensée. J'ai observé que tous les artistes contient une mystique cachée, parfois trop bien caché. Mais un œil sagace peut atteindre l'homme réel sur des preuves légère. Un geste, un silence, quelque chose dans les yeux, un ton de voix, mis en rêver de la nécessité unique qui selon Plotin est la chose la plus importante chez un homme. Par exemple réserve de Mondrian n'a jamais réussi à masquer ce qui se trouvait derrière elle, mais plutôt fait plus clair. Sachant l'homme, ce qui était caché a été considérée comme d'autant plus clairement dans le travail.

En dépit de sa timidité comme des mots en ce qui concerne, tout en Mondrian a souligné la chose ou de l'essence elle-même, je veux dire la mystique qui était latent en lui. En dépit des choses convaincantes qu'il a écrit, Van Doesburg a été tout le contraire. Il émanait de lui la violence, la destruction, la colère, l'amour de la bataille pour lui-même. Il était capable de se propager une atmosphère louche, même sur une telle conception noble que le néo-plasticisme. Cette n'enlève rien à sa valeur en tant que gestionnaire, comme un pourvoyeur intelligent et énergique des idées. Toutefois, la différence entre les deux, le, que les hommes, va loin pour expliquer les différences entre leurs œuvres mystérieuses.

À ce point, je voudrais ajouter une note sur le rôle du spectateur. Il me semble que le spectateur est appelé à jouer un rôle créatif, comparable à celle de l'artiste, dans l'art abstrait plus que dans toute autre forme d'art. Il est prévu d'avoir un esprit bien informé et d'être généreux avec elle, jamais reculer devant les efforts que réclament de lui. Eugène Chevreul abordé cette question dans des termes bien choisis dans un petit livre publié en 1864.

Après avoir montré (déjà!) que tous les arts sont constitués d'éléments abstraits, le physicien a conclu son argumentation en ces termes: «Mais quand je réduis le langage des arts fins à des abstractions, je dois souligner que leurs effets, comme des abstractions, aura moins à mesure que les esprits à laquelle ils sont adressés sont moins civilisés ou moins cultivé; pour la plus civilisée ou l'esprit des gens les plus cultivés sont, le plus ils seront enclins à associer d'autres idées avec les impressions suscitées par ces abstractions, - bien que je n'irais pas jusqu'à dire qu'ils seront nécessairement plus ouverte aux impressions elles-mêmes C'est cette capacité de pensées de regroupement autour de l'impression produite par un chef-d'œuvre, ce qui explique la qualité et la variété de plaisir intellectuel. qui est à la portée d'un esprit qui a été élargi par la culture sans affaiblissement de la sensibilité. " Ainsi, une œuvre d'art vaut exactement ce que le spectateur est intéressant, c'est-à-dire autant que le spectateur ou amateur d'art sont capables d'y mettre.

Kandinsky et Mondrian

Farbstudie Quadrate, c.1913

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Kandinsky, Wassily


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Cézanne, Wassily Kandinsky, Mondrian, le cubisme, le fauvisme, le français abstrait, abstraite russe, résumé multicolore, L'Évolution créatrice, Salon d'Automne

Les précurseurs immédiats de l'art abstrait, comme nous le savons, étaient fauvisme et le cubisme. L'influence des Fauves a été décisive dans le cas de Kandinsky, Mondrian alors que la formation a été complétée par celle des cubistes. 1906 et 1912 sont deux dates importantes ici. Le premier n'était pas seulement l'année de la mort de Cézanne, dont l'influence sur le cubisme au début a été entièrement exploré, il a été aussi l'année où Bergson L'Évolution créatrice est apparu, et lorsque Kandinsky a passé un long séjour à Paris ou ses environs.

Là, il soutint le choc complet des Fauves et Gauguin (grâce à l'exposition rétrospective Gauguin au Salon d'Automne, montrant 227 pièces). C'était après le séjour de cette année à Paris (ou plutôt Sèvres) que Kandinsky a émergé à partir du style Nouvelle Sécession qui a caractérisé son travail précédent, et a commencé à affirmer une personnalité indépendante. En ce qui concerne l'année 1912, il a trouvé Mondrian à Paris, sans réserve, la soumission à l'influence du cubisme qui devait le conduire très vite à des œuvres qui étaient remarquablement mature dans leur abstraction, et dont l'originalité a été à la fois remarqué par Apollinaire.

Les deux Kandinsky et Mondrian étaient plus âgés au cours des années que les cubistes et les fauves. Qu'est-ce celui-ci a découvert - apparemment par accident - a trouvé un sol prêt dans les peintres russes et hollandais, à la fois laborieusement préparé par leurs expériences antérieures techniques ainsi que par une certaine quantité de la spéculation philosophique. Braque, Picasso, Léger, Delaunay et Matisse sont des peintres en premier lieu. Kandinsky et Mondrian étaient tous deux peintres et penseurs, pour qui les problèmes de l'art ne pouvait pas être abordée en dehors des autres problèmes de l'homme.

Ils visent non seulement à renouveler la peinture, mais il pense que l'homme doit se transformer et que l'ensemble de l'humanité se dirige vers un âge de matériel et de l'amélioration spirituelle. L'artiste leur est apparu la personne la mieux qualifiée pour la préparation et annonçant l'âge d'or. C'est pourquoi l'œuvre peinte et l'homme la peinture doivent être identiques. L'évolution de l'art est impensable sans un développement parallèle interne dans l'homme lui-même. Fauves et Cubistes sont peintres et n'ont aucune intention d'être pris pour autre chose, alors que Kandinsky et Mondrian sont des prophètes.

En Russie, Kandinsky avait d'abord entrepris une carrière en tant que scientifique. Il ne se tourna vers la peinture quand il approchait de la trentaine, poussé par une véritable «nécessité intérieure» dont il avait réprimé depuis quelques années. Dans ses écrits sur la philosophie de l'art au cours de sa période munichoise «nécessité intérieure» le terme revenait sans cesse, et a eu un rôle important à jouer. C'est sur cette base qu'il toute la justification esthétique de son travail, alors qu'elle avait déjà servi à justifier de sa carrière en tant que peintre. Après les préliminaires nécessaires (études à Munich académies, quelques voyages instructifs) et une fois qu'il avait terminé sa philosophie de l'art, Kandinsky se jeta dans une orgie de la production. Un monde déroutant de formes et de couleurs grouillait de son pinceau, apparemment délirante. Était-ce un délire ou de l'ecstasy? Cette phase spectaculaire dans l'abstraction de Kandinsky nous étonne encore par son trop-plein houleuse, son lyrisme de résonance, sa violence wagnérienne pleine de Clarion-appels. Il est le «Durchbruch», une rupture ou, plus précisément par le biais d'une démolition, les coups de boutoir de la ram sur les murs de la peinture traditionnelle.

Après quelques années, cette force généreuse progressivement calmé. Dans environ 1921 Kandinsky est venu à accepter les études géométriques de Malevitch et les constructivistes russes. Sa peinture puis progressivement changé extérieurement, mais son inventivité rien perdu de sa richesse, la densité et la chaleur. Pour une fois que la présence de Klee pourraient se faire sentir dans son travail, qui a commencé à montrer des touches d'humour, et nous ne prétendons pas que ce fut la partie la moins satisfaisante de sa production. Après 1933, il s'installe à Neuilly, vivre dans un appartement lumineux et confortable sur les rives de la Seine, où il peint des tableaux qui, pour la plupart, sont de brillantes variations sur des thèmes dont il avait longtemps été partielle. Cette période a souvent été appelé celui de la "grande synthèse", ce qui est assez précis tant qu'il n'est pas pris pour inclure la période dramatique, qui ne trouve aucun écho en elle.

Période de Mondrian de la préparation a duré beaucoup plus longtemps. Entre prendre son premier art-enseignement diplôme et son arrivée à Paris quelques années twentythree s'écoulaient, mais ils ont été des années fructueuses. Plutôt plus tard Kandinsky, il a travaillé à sa propre philosophie de l'art, et le mouvement Stijl a été fondée sur elle. Au pôle opposé de Kandinsky, sa peinture était la poursuite de la simplification, de la mesure essentielle et de l'économie, au moins une fois le cubisme lui avait montré le chemin. Du cubisme, il a tiré une leçon inattendue, qui était que le rythme pur peut être réduit à un mouvement horizontal-vertical. Il y avait seulement une étape de celle de la RightAngle. Il a fallu plusieurs années à faire de cette étape, la peinture et à la méditation, puis il posa la première pierre de son système, qui est que le langage de la peinture (et le langage de la vie elle-même) peut être condensé dans le dualisme de la tension rectangulaire de deux lignes droites mis dans une relation horizontalvertical.

C'est ce qui rend seule construction possible. Ce fut la naissance du néo-plasticisme. Jusqu'à la fin de sa vie, c'est-à-dire pour une trentaine d'années, Mondrian n'a jamais divergé à partir de ce principe, avançant lentement vers une perfection imaginaire qui était toujours dans arms' atteindre mais toujours un peu plus loin. C'était sa propre expression. "Ne pensez-vous pas, tout de même, que c'est juste un peu plus loin?" il a demandé à un ami en lui montrant la dernière toile, qui, comme toujours, doit sûrement être un progrès sur la précédente. Peut-être que c'est précisément dans la dernière toile qu'il ait jamais réalisée, la victoire inachevée de boogie-woogie, qu'il est venu le plus proche de cette perfection imaginaire. Le moins que l'on peut dire avant que son travail est que nous nous sentons être en présence d'une merveilleuse synthèse, pleinement vivant encore rien de la nier fondamentale néo-plastique principe.

Mondrian et Kandinsky représentent deux aspects différents du génie humain, cristallisés en deux archétypes, de la patience infinie et sainte impatience. Selon notre tempérament, nous seront tirés vers l'un ou l'autre, ou peut-être vers chacun à son tour. Si le génie est quelque chose comme le labeur d'une abeille, la chute de la distillation par la chute d'une essence unique et tout compris, alors nous allons favoriser Mondrian. Mais si l'intelligence est agité et multiples, si la vérité progresse par bonds immenses, si la création est un mousseux fou de trésors, le débordement d'une cause insondable primal, puis nous choisirons Kandinsky et de voir en lui l'Ariel de peintres abstraits.

Extérieurement ces deux grandes personnalités ne sont pas à la différence, en évitant les manières excentriques ou des habillages et préférant le bon taux de participation de l'homme de métier à celui de la bohème. Mais élégance élimée Mondrian cachait un sombre, l'existence solitaire, tandis que Kandinsky n'a jamais voulu de l'argent, le confort ou la reconnaissance. Ils étaient tous deux courtois et distinguishedlooking et a eu une certaine réserve que fait allusion à une enfance timide. Mais ils avaient peu en commun et a rencontré rarement, si poliment, à Paris en 1930 et après 1933.

Kandinsky mérite réside dans montrant quelles merveilles peuvent être essorées à partir de la véritable liberté, et que les limites de la toile permettent de ne plus. Mondrian réside dans sa leçon de discipline et d'humilité. Réduire son art aux plus simples des données déjà utilisés, il a montré comment stature spirituelle grandit avec abnégation et comment les plus pauvres les moyens sont les plus pures, souvent la plus forte.

Art abstrait: La Vie est Changement

The Singing Fish

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Miró, Joan


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Comme l'homme dans le cours de son existence personnelle, les sociétés subissent une transformation de l'esprit ou l'esprit, ainsi que de leur apparence extérieure. L'univers est une création continue, un palier ou «avoir présenté« en termes bibliques, et tous ses éléments sont soumis, comme le monde, lui-même, à la grande loi de mutation ou de changement. On pourrait dire que l'histoire n'est qu'un compte rendu analytique de la transformation de l'humanité dont l'art est l'expression directe et synthétique. L'essence des sociétés successives est incarné dans les formes diverses de l'art qui ont été laissés à nous au cours des siècles.

Il s'agit d'une déclaration explicite, complet en soi et dans le besoin d'aucun commentaire: par exemple, le XIIIe siècle peut être lu plus facilement dans la statuaire de la cathédrale de Chartres que dans les plus savants des livres d'histoire. Le fastidieux, inutile série de batailles et les bouleversements politiques semble avoir rampé hors de la presse jaune, en comparaison avec les témoins tangibles que nous trouvons dans les œuvres d'art. Et quelles sont les preuves d'autres envisageable pour le XIIIe siècle pourrait-il y avoir, que ces illustrations anonymes des Écritures, faites par ces sculpteurs et verriers qui étaient aussi humble comme ils ont été efficaces?

Notre siècle, aussi, a son propre visage, son propre look, qui se reflète dans un art fait à sa propre image. Il s'agit d'un siècle de la chaîne d'invention, de courte durée freaks, les aspirations confuses, des sensations violentes, accompagnées de toutes les maladies d'une société dont les institutions sont en ruine et dans lequel les conditions mêmes de la vie sont fragiles, sans cesse menacée par un cycle de crises. Ces caractéristiques sont tout à être observée en lettres moulées dans les évolutions ou révolutions qui ont eu lieu dans l'art depuis l'aube du siècle.

Il ya, cependant, une idée dominante qui imprègne l'apparent désordre de notre temps, une idée qui détermine sa vision spirituelle et contrôle l'ensemble de ses réactions quand ils montrent le moindre signe de gravité. C'est l'idée de liberté. Je ne peux pas penser à un mot plus approprié pour transmettre la caractéristique fondamentale de l'art moderne dans son ensemble. Non seulement il le définir en fonction de sa base psychologique sous-jacente, mais le mot recouvre et résume toutes les manifestations visibles de ses. Il ya la liberté de tout dire, tout inventer, de créer un style pour son propre intérêt, à préférer la discorde à l'harmonie, de choisir la règle et fixer des limites à elle, une liberté à la fois contrainte et de licence.

Il est la chose la plus normale du monde pour la liberté d'avoir ses adversaires dans le meilleur des temps, toujours calomnié et à défaut de le comprendre. Il ya un mystère de la liberté pour chaque individu, mais certains sont peut-être pas assez mature pour s'attacher à elle, ou bien ils sont mal préparés par une éducation erronée. En tout cas, nous savons maintenant, après un demi-siècle d'expériences, que la liberté est le meilleur des maîtres dans tout ce que l'art préoccupations.

Il est un maître qui, par aucun moyen condamne les disciplines, facile mais qui pourraient être à croire. Le contraire est vrai, pour les plus sûrement que toute autre maître, à la liberté enseigne de retenue et de mesure à travers des essais et des erreurs de tout genre. Elle seule peut permettre une personnalité à se découvrir et s'épanouir. C'est pourquoi l'art moderne doit à la liberté de ses découvertes, son infinie variété et la fraîcheur. Les cinquante ans d'expérience mêmes a prouvé que les images traditionnelles, nus, paysages, natures mortes - ont tous perdu leur substance et n'avons rien d'essentiel à offrir à l'homme d'aujourd'hui. Ou, plutôt, le paysage, compotier ou mandoline ne peut être acceptée dans la mesure où ils sont prétextes à l'objet réel - qui a cependant venu de l'avant-garde - c'est-à-dire, la peinture en soi et pour soi . Ainsi, il a été tout à fait logique de prendre le cubisme à ses conclusions naturelles, et de découper le sujet traditionnel et donner une expression définitive, dans un style clair et dans la liberté absolue, les valeurs de l'art pur telles qu'elles apparaissent à l'artiste.

L'art abstrait est entré en étant quand, à peu près au même moment et dans différentes parties de l'Europe, il est apparu un certain nombre de créateurs intrépides qui ont vu, un coup d'œil, à la fois le témoignage d'un problème existant et la preuve de la façon dont il pourrait être résolu.

Ce qui s'est passé entre 1910 et 1917. Les centres en question étaient à Paris, Munich, Moscou, Florence, Zurich et Amsterdam. Les principaux protagonistes étaient Kandinsky, Larionov, Kupka, Picabia, Mondrian, Delaunay, Malevitch, Magnelli et Arp. D'autres ont rapidement suivi dans leur sillage. Une centaine d'hommes se sont présentés pour remplacer ceux qui pratiquement cessé de peindre (comme Larionov), ou qui, pour des périodes variables retournés à la peinture figurative (Picabia, Delaunay, Magnelli). Il est progressivement devenu évident qu'il y avait autant de styles qu'il y avait de nouveaux artistes vraiment créatifs. Le plus grand d'entre eux avaient leur groupe habituel d'imitateurs serviles dont la médiocrité n'a pas longtemps passer inaperçue, car un art libéré de l'objet implique et impose la nécessité absolue pour la créativité. Ainsi, en vertu de la parure gaie de «liberté», l'invention obligatoire est devenu le nouveau tyran de l'art. Désormais n'importe quel artiste ne pas s'inventer et de devenir l'heureux prospecteur d'un monde autonome, devait être condamné à de la main. L'objet d'art est devenue et est maintenant plus que jamais, de trouver un mode personnel et inépuisable d'expression, l'image de notre être intérieur profond.

Cela a mis un terme aux arlequins, ray-poisson, les tomates farcies et bagatelles analogue. Sous réserve, en soi, ne sert qu'à endormir la conscience de l'artiste uncreative, comme il se prélasse dans l'oubli douce dans les bras de court terme d'art qui peuvent offrir l'amateur, mais rien ne se vautrer dans la jouissance profonde.
Il est dans les multiples tendances de l'art abstrait que l'homme moderne, qui est également collecteur, peut reconnaître sa propre existence et de trouver une fois de plus un peu de nourriture substantielle. Je veux dire qu'il trouve en elle une réponse à sa sensibilité propre distincte, la sensibilité de l'citadin impliqué dans le rythme et la technique de la vie d'aujourd'hui, ainsi que d'une réponse à son besoin d'harmonie et de la nouveauté, l'équilibre et la surprise , le complexe et le simple. Il n'est pas surprenant, alors, si l'art abstrait, en dépit de tout ce qui essaie de se lever à sa manière, est de trouver un dans le monde entier et toujours plus favorable, car il est le seul art qui coïncide vraiment avec l'âge dans lequel nous vivons .

Chaque homme est un monde complet en lui-même, pleine de potentialités étonnantes, mais tout homme est aussi un membre d'une famille spirituelle dont le bien-être qu'il partage. Le XXe siècle est telle une «famille». Il a déjà légué un héritage infiniment précieux, bien que les yeux tellement refuser de voir et des oreilles tellement refuser de l'entendre.

Une fois que nous avons appris à admirer les Fauves et les cubistes grands, il nous appartient d'essayer de comprendre ceux qui, ayant appris de ces prédécesseurs et des toiles qu'ils ont peintes dans leurs jours de lutte, ont chacun à sa manière propre inventé un art indépendant de la peinture.

Il se trouve, par une sorte de miracle, que cet art extrêmement individualiste, résume encore et encore tout l'art de la peinture, quand il est greffé sur une certaine sensibilité richement dotée, qui est à la fois honnête avec lui-même et capable de donner et de se communiquer .

Ainsi, la clé à l'art abstrait réside dans la découverte de soi et de l'exploitation, par une technique appropriée, de ce magasin caché de la matière vierge que nous portons tous en nous, et à laquelle nous devons trouver un chemin - et c'est peut-être le plus dur aspect du travail de l'artiste - avant qu'il puisse être mis en lumière.

La prochaine question importante est de considérer chaque œuvre dans son ordre propre, en regardant ses tendances apparentes et la recherche de ses lois autonomes. Le plus grand plaisir pour ceux qui se soucient de l'art n'est plus, comme il l'habitude d'être, une question de pénétrer dans l'objet représenté par l'intermédiaire d'un tempérament, mais de découvrir quoi que ce soit dans les profondeurs de l'artiste qui dicte les intentions de son travail: c'est-à-dire, à suivre le processus même de l'étape par étape la composition, l'appréhender de l'intérieur, un peu comme un orchestre interprète de la musique. Le porte-parole sensible ou l'amant de connaissance de l'art peut déterminer où et en vertu de ce que l'artiste est restée ou a omis de rester fidèle à lui-même. Et c'est précisément au niveau des points où il est infidèle que nous peut-être venu le plus près du moment crucial de la découverte, l'agrandissement de l'auto, l'effusion de mêmes passées.