1912: Une année exceptionnelle dans l'art abstrait

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Gockel, Alfred


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Entre une stricte économie de Mondrian et Kandinsky effervescence, il y avait place pour une certaine retenue, l'élément de conciliation. Cet endroit a été comblé par Robert Delaunay pour un court laps de temps, juste assez longtemps pour lui de quitter quelques œuvres d'une beauté incomparable, j'entends par là ses fenêtres de 1912.

On nous rappelle constamment de cette année exceptionnelle, 1912. 1912 est de plus en plus reconnu comme l'année de pointe de la peinture de ce siècle, une année de transition où tout a commencé à nouveau, bien que les vieilles disciplines ne sont ni consciemment, ni enfin mis de côté; un an à partir de laquelle les principales tendances de l'art abstrait ont rayonné et à laquelle on peut toujours tourner dans notre quête des origines, pour les semences de l'invention. L'un des plus précieux et fertile de ceux-ci était le gay, la peinture fraîche de Delaunay, qui a nommé ses toiles après une expression d'Eugène Chevreul, contrastes simultanés.

Delaunay est né à Paris, dans la rue de Chaillot, non loin de la présente Musée d'Art Moderne. Il était le type jovial de Français, ou plutôt un parisien typique, avec une langue bien pendue et les yeux bleus rapides qui semblent s'attarder sur rien d'autre que regarder droit à travers tout. Il parlait toujours de son esprit sans mâcher ses mots, tandis que son visage rond, rose fait de lui l'image de la santé. Pour lui, la vie signifie le bonheur, un sensuel, le bonheur physique et il a approché la peinture dans le même esprit. C'était en 1908 ou 1909 qu'il a lu Eugène Chevreul, le physicien de la théorie des couleurs simultanées qui avait déjà eu une telle influence sur Seurat trente ans plus tôt. Cela confirme les conclusions qu'il avait déjà atteint intuitivement. Dans les prochaines années ses dons lyriques naturelles a trouvé son expression par la voie prévue par ces idées.

Son engagement principal était de briser le prisme et de remonter ses éléments sur la toile par une discrète mais la division approfondie des surfaces. Qu'est-ce que Braque et Picasso ont fait avec une mandoline, compotier ou nu, Delaunay a fait avec la lumière elle-même, il découpe et assemblant à nouveau d'une manière nouvelle. Cette «nouvelle façon» implique une recherche personnelle dans les lois fondamentales de la peinture. Apollinaire avait déjà écrit «J'aime l'art contemporain parce que j'aime plus que tout la lumière: tous les hommes aiment la lumière, plus que tout, après avoir inventé le feu." Travail de Delaunay entre 1911-1914 est une illustration frappante de cette pensée. Comme un enfant avec son jouet préféré, il a pris l'arc en ciel en morceaux et improvisé avec les parties séparées, mais sans jamais aller trop loin ou de trahir l'essence du Rainbow. Il la tourna dans la chanson même de la lumière, à la fois aérée et puissante.

Des œuvres de Delaunay de cette période sont des réalisations étonnantes. Forme et l'idée sont si étroitement unis, l'énoncé de sorte fusionné avec le style, que, dans les quarante ans après lui, il n'y avait pas de peinture capable de transmettre une telle sensation de joie physique, la sérénité et la force innocente combiné à moins que ce soit la peinture de son femme, moins candide et spirituellement moins spontanée quoique ce soit.
En 1910, Delaunay épousa Sonia Terk, un Russe de naissance, qui était aussi un peintre, et ex-épouse de l'allemand Uhde critique d'art Wilhelm le découvreur de la «Douanier» Rousseau. Elle lui donna un soutien moral sans faille et j'ai entendu dire que Delaunay, mais pour elle un grand nombre d'une toile serait restée inachevée. Delaunay a été très nerveux, facilement découragés, mais tout aussi facilement incités à déployer des efforts supplémentaires.

Sonia Delaunay, dont Arthur Cravan, mais si fortement attaqué avec brio dans sa brochure d'examen Maintenant est un peintre remarquablement doué. Ses grands toile Prismes électriques, peintes en 1914 est l'une des œuvres majeures de cette période. Comme son mari, elle a renoncé à l'art abstrait tout en vivant au Portugal pendant la première guerre mondiale. C'était quelques années avant leur retour à la peinture pure, il en 1930 et elle en 1937.

Tout comme Kandinsky énoncés du fauvisme et du cubisme synthétique Mondrian début (1912), la peinture abstraite de Delaunay a ses racines dans l'impressionnisme. Le travail de tous les trois artistes ont démontré bien avant 1914 que toutes les formes d'art sont tenus de se déplacer vers l'abstraction.
Il y avait deux artistes américains qui fréquentent les mêmes cercles que Delaunay en 1911 et 1912. Il s'agissait de Morgan Russell et Stanton Macdonald-Wright, le premier étant d'extraction principalement français, et celui-ci, dont le vrai nom était Van Vranken, de la filiation hollandaise.

Ils sont venus à Paris en 1906 et 1907 respectivement, afin d'étudier la peinture. Russell, qui était l'aîné des deux, a déjà une bonne expérience en tant que peintre, tandis que Macdonald-Wright, moins avancé techniquement, essayait de se former par le biais d'une étude scientifique de la couleur et de la lecture - comme Delaunay - les travaux de Eugèene Chevreul et d'autres physiciens. Peu de temps après avoir fait les uns des autres la connaissance qu'ils ont commencé à se sentir suffisamment sûrs d'eux pour lancer un mouvement de leur synchronisme et fonde. Synchromism était un départ de l'orphisme de Delaunay conduit.

Les synchromistes ont été particulièrement actifs en 1913, En cette seule année, ils ont tenu une grande exposition à Munich, une autre à la galerie Bernheim-Jeune à Paris, ainsi que l'envoi de toiles aux Salon des Indépendants et de l'Armory Show à New York, qui étaient tous les deux points de repère dans l'histoire de la peinture moderne. Mais une seule de leurs nombreuses oeuvres montré cette année - et c'était l'un de Russell - peut être considéré comme abstrait dans le sens propre du mot: les toiles d'autres ne sont que des abstractions secondaires de sujets tirés de la nature, cependant avancées dont ils pourraient être. Il était à ce moment que la carrière de Russell a vraiment commencé, car, à Salon des Indépendants de l'année suivante, il a montré son Synchromie vaste dans le formulaire qui, depuis plus de trente ans plus tard, était l'un des éléments clés de l'exposition de l'art abstrait américain qui s'est tenue à Museum de New York d'Art Moderne en 1951.

Macdonald-Wright n'était pas si prompts à se développer. La pièce Synchromatic à Orange-Jaune de 1915 et le Synchromie en rouge de 1916 sont des œuvres abstraites indéniablement, comme ce fut son Nu ou Synchromie in Blue qui a également été peinte en 1916. Le Whitney Museum à New York possède un de ses plus belles toiles, le Synchromie Oriental bleu-vert de 1918.

Morgan Russell et Macdonald-Wright sont les véritables fondateurs de l'art abstrait américain. Ils ont fait une profession publique et authentique de la foi dans la peinture abstraite dans le catalogue de leur exposition chez Bernheim jeune, mais malheureusement, ils ont tous deux donné ce qu'ils avaient si vigoureusement défendu et est retourné à l'art figuratif. Ceci est mentionné comme une question de faits historiques, et par aucun moyen, afin de nuire à leur réalisation pionnière.

Bien qu'ils ont établi les principes mêmes de ces deux peintres Synchromist fois réussi à rester très personnelle dans leur expression. Les œuvres qu'ils se sont avérés au cours de la période «héroïque» de leur mouvement sont historiquement très important pour la culture américaine et aussi montrer qu'ils avaient très peu d'influence sur l'autre. Russell était le peintre plus capricieux des deux. Son pinceau est épaisse et riche et ses formes massives et violemment mis l'un contre l'autre. Sa grande composition de 1914 (Synchromie dans le formulaire) a des affinités avec certaines des œuvres de Picabia de l'année précédente, notamment le célèbre et Udnie Edtaonisl qui sont à peu près les mêmes dimensions que le travail de Russell. Mais en toile de Russell est plus élémentaire, comme un mur cyclopéen.

Macdonald-Wright est un peu plus près de Delaunay. Ses toiles sont aussi riches en couleur comme un peintre parisien, bien que beaucoup moins lumineuse, tandis que son traitement est moins ferme. Il cherche des effets flous, avec des contours submergées, tout en produisant un type inhabituel de transparence, avec une suggestion d'un flou flottant corrigée par quelques coups clairs, libres, qui imposent un certain ordre sur la composition dans son ensemble. Ceci est en contraste avec Russell, qui souligne toujours la structure sous-jacente du squelette, avec un accent caractéristique et une vigueur qui menace de déborder le cadre trop étroit, il lui impose.

À peu près au même moment un autre Américain, Patrick Henry Bruce, a montré quelques oeuvres aux Salon des Indépendants qui a également eu un certain rapport avec l'orphisme de Delaunay et de certaines toiles de Picabia. Je l'ai rencontré beaucoup plus tard, vers 1930 dans son appartement sombre dans la Place de Furstenberg, où il m'a montré quelques morceaux froidement couleur dont il semblait très inquiet. Il était lui-même abattu et peu enclin à parler, et pourtant sa peinture rayonnait de bonheur et de la vraisemblance. Il est décédé quelques années plus tard, après avoir détruit un grand nombre de ses peintures. Néanmoins un certain nombre ont été sauvés par Henri-Pierre Roché.

Frank Kupka est né en Tchéco-Slovaquie et vint à Paris en 1895, où il s'est fait un nom comme illustrateur (Les Erynnies, Lysistrata, Prométhée). Il a également peint des portraits et un grand nu (1910), qui est merveilleusement clair et frais dans sa coloration. En 1911, il a soudainement avoir jusqu'à la peinture figurative de la nature, et dans le Salon d'automne 1912 ont présenté une Fugue en deux couleurs et une Chaude Chromatique qui a suscité beaucoup de commentaires dans la presse. Au Salon des Indépendants de l'année suivante, il a montré ses plans verticaux, Solo Ligne Brown, et au Salon d'Automne ses Localisations des Mobiles graphiques. Après cela, il est resté fidèle à l'abstraction, à l'exception des illustrations qu'il a faites pour le Cantique des Cantiques et de quelques autres ouvrages illustrés dont il a publié sous un pseudonyme.

Nous ne pouvons pas considérer la production de Kupka depuis 1911 sans notre admiration teintée d'être avec embarras, pour son travail semble contenir quelque chose de tous les styles. Ce peintre passe avec une facilité déconcertante de la Sphérisme très coloré de ses disques de Newton (1912) et leur réminiscence de Delaunay, à un rectilinearism exprimé dans des tons ternes ou une gamme étroite de couleurs (plans verticaux, 1912 ou 1913). Après qu'il se livre à des impressions ou des souvenirs tenaces baroques du style moderne », qui s'est fait un nom pour son ami et compatriote Alphonse Mucha, d'abord à Paris en 1900 et par la suite à New York et Chicago.

Toutefois, une sélection très minutieuse montrerait Kupka pour avoir produit un certain nombre d'œuvres de premier ordre, ce qui pourrait être classées en deux groupes: le dionysiaque, ou plutôt, orphique, comme Apollinaire aurait pu le dire, dans lequel la composition est maintenu par la ligne courbe seule (étude sur un fond rouge, 1919; La Foire, 1921), et d'autre part ces toiles dans lesquelles seules les lignes droites sont utilisés, avec une préférence marquée pour les verticaux, comme dans le bleu et le rouge des plans verticaux, 1913, Bleu dans des plans de 1945, et dynamiques dans les lignes, 1948. Dans ses œuvres les plus simplifiées Kupka se montre être un romantique dans ses efforts constants pour transcender la peinture à travers une certaine inquiétude littéraire. En un mot, il est un genre d'artiste gothique, soit la construction de la cathédrale nefs solides, mais très imaginatif, ou à couler à son exaltation dans ce qu'on pourrait appeler peintures polyphoniques, évoquant les lumières de vitrail à travers leur obsessionnelle, en écho à la qualité.

Picabia est encore plus déconcertant, car si Kupka est allé trop loin en essayant de donner tout à la fois, le peintre espagnol nous a offert une surabondance de fois le pire et le meilleur. En 1912 ou 1913, il pourrait être compté parmi les quatre ou cinq meilleurs peintres de son temps, après quoi il gaffé dans chaque mode passagère afin que l'art à laquelle il avait contribué quelques chefs-d'œuvre incontestables aurait pu facilement être mal jugé comme une phase dans son carriérisme . Ses toiles sont en suspens Procession à Séville, Udnie, Edtaonisl, Souvenir de mon bien-aimé Udnie, New York, Le Printemps, Danses d'ici le printemps, danseur étoile et son école, le tout peint en 1912 ou 1913. Picabia ne peut pas être blâmé, car après tout personne ne peut donner plus ou autre que ce qu'il ya en lui de donner. Ce n'est un secret dont il jouissait le superflu et smalltalk de la vie sociale, mais cela ne veut pas dire qu'il n'était pas capable de brillantes démonstrations de l'esprit dans sa peinture. Ses machines-portraits sont certainement des exemples de cela, ainsi que ses compositions avec des anti-esthétiques des objets tels que des peignes, des boîtes à sardines et des allumettes, qui sont dans le meilleur esprit dadaïste.

Ses productions ultérieures cependant n'étaient pas si bien réussi. A Cannes, où il se plaisait à organiser des festivals, il est retourné à la peinture figurative pour un certain nombre d'années, en grande partie d'un niveau décevant. Ce n'est qu'en 1945 que Picabia a été déplacé, comme beaucoup d'autres, par le renouveau postliberation et commence à peindre dans l'esprit de l'âge. Sa réaction naturelle est de revenir à l'art abstrait, tout en continuant à faire fonctionner le bas, la production d'une série de toiles très personnelles qui étaient un peu agressifs en couleur et en tous les cas plein de surprises dans leur composition (d'abord demander votre Orphée, la sensibilisation de la misère , Black Eye, Le Troisième sexe, qui appartiennent tous à 1948). Puis, en 1949, il fait une série de photos composées de rien, mais des points, qui sont sûrement parmi les plus étranges œuvres qui ont été produites dans l'art abstrait. J'avoue que j'ai beaucoup apprécié leur quand ils étaient peints, et a été chargé d'encourager Picabia pour produire un si grand nombre d'entre eux.

Alors que Delaunay, Kupka, Picabia, Mondrian et d'autres ont fait de Paris la capitale de l'art abstrait, Kandinsky a été à travailler sur son propre à Munich. Malgré ses efforts pour attirer, autour de son cavalier bleu, tous les meilleurs talents qu'il connaissait dans le monde de l'art, le fait demeure que les siennes étaient les seules œuvres véritablement abstraites dans les expositions du groupe célèbre dans le cours de 1912. Alors que Franz Marc et Macke Août, ses jeunes collègues allemands, quelques toiles complètement abstraites en 1913 ou 1914, ils n'étaient pas reconnus que bien plus tard, après que les deux representitives ces remarquables de sa génération en Allemagne avait perdu la vie dans les tranchées, sur les le front occidental.

Kandinsky a été rudoyé par les critiques quand il expose ses premières oeuvres abstraites. Moqueries, les insultes et la diffamation sont souvent le prix à payer pour le courage et la sincérité. Mais l'encouragement ne tarda pas à suivre. Ses œuvres ont été publiées par Piper; Herwarth Walden a pris sa part dans sa revue Der Sturm, tandis qu'à New York Stieglitz Alfred a été attiré par les contributions de Kandinsky à l'Armory Show et a donné la somme alors considérable de 800 dollars pour une de ses toiles. Ce fut le premier à trouver un acheteur en Amérique, et il a ensuite fait sensation à Chicago et a ouvert la voie à la réussite de Kandinsky. Le Solomon R. Guggenheim Museum de New York contient maintenant des plus riches collections d'œuvres de Kandinsky qui doit être trouvé.