Art Abstrait au Japon

Presentation of Three Books On Miro In Japan 1970
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Miró, Joan

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Il est très difficile de comprendre quels types de l'art japonais ont influencé l'Occident et dans quelle mesure. Certains japonais wood-block impressions ont été introduits à Paris en 1856, et dans les cent dernières années il ya eu diverses influences en provenance du Japon sur les mouvements d'art contemporain en Occident.

L'intérêt qui a commencé avec le bois-bloc impressions se concentre désormais plus sur la calligraphie et de peinture à dessins par les moines bouddhistes Zen, en collaboration avec d'autres œuvres d'un même esprit. Dans le domaine de l'architecture, des intérêts étrangers a semblé favoriser l'architecture liée à la cérémonie du thé - un simple, de type fonctionnel dont le Japon a développé au cours des quatre derniers siècles ainsi que landscapearchitecture de nature analogue. En d'autres termes, l'Occident a été de trouver diverses Japans différents au cours des cent dernières années et commence enfin à apprécier les caractéristiques fondamentales de l'art japonais - la simplicité, la franchise, et la profondeur.

C'est peut-être que le Shinto, la religion originelle originaire du Japon pendant plus de deux mille ans, était principalement chargé d'encourager avant tout la clarté et la simplicité. Géographiquement, l'humidité qui est extrêmement élevé ici a presque forcée propreté et une impression claire de la conception sur les habitants. La philosophie chinoise de Lao-Tseu et le taoïsme, qui met l'accent sur la simplicité et aussi primitif, a été importé au Japon près de quinze cents ans, d'être accueillis par les gens, surtout les poètes et les artistes. Cela a naturellement donné un fond philosophique profonde de la préférence d'origine pour plus de simplicité. Le bouddhisme japonais, également près de quinze siècles, a été renforcée dans la seconde moitié de son histoire par la secte Zen, qui a interjeté appel en profondeur pour l'esprit japonais.

L'accent sur l'extrême franchise dans l'attitude religieuse et la simplicité dans la vie quotidienne ont été démontrées par Zen à encourager le goût natif pour ces qualités encore. Noir d'encre peinture, dans laquelle la réalité de l'univers a été rendu avec quelques coups, est devenu non seulement le type du peuple favori de l'art, mais le plus respecté. Le fait que les caractères chinois en provenance de pictogrammes, que les Japonais empruntées à la Chine, ont permis l'art de la calligraphie à être développé dans un dessin expressif abstrait. Les deux cas de nécessité pratique et de la demande artistique, la calligraphie du Japon a élaboré peut-être plus loin que les Chinois dans le sens du dessin abstrait.

La cérémonie du thé, avec son architecture et landscapearchitecture, doit la plupart de ses caractéristiques fondamentales du bouddhisme Zen, et dans la vie quotidienne, le fonctionnalisme le plus fondamental a été pratiquée par une intuition authentique. Peut-être qu'il peut exister un certain degré d'incompréhension à propos de Zen. Il ya ceux qui le prendre pour un mystique, mais je crois que le fonctionnalisme pur, qui est à la fois intuitif et extrêmement rationnelle - dans sa conception et l'exécution de thé-architecture - se persuader les gens à croire qu'en plus d'être directement intuitive, zen est super-rationnelle au lieu de l 'irrationnel et loin d'être purement mystique. Clarté et simplicité, tout d'abord encouragé par la religion indigène, ont acquis un très fort appui du zen et développé les différents arts.

Il est significatif que le mot correspondant à «fine art» n'existait pas au Japon jusqu'en 1870 environ. Cela ne signifie pas que les beaux-arts n'existait pas au Japon. Au contraire, l'art imprègne la vie de la nation si largement et profondément qu'il n'y avait ni un mot pour l'art, ni même un concept qui désigne quelque chose de distinct et à part.

Piet Mondrian a une fois déclaré: «Art sera réalisé dans notre vie quotidienne». Non Mondrian seul, mais de nombreux artistes modernes abstraites ont rêvé de cela, et dans les changements que nous voyons dans l'architecture, le design industriel, et les modes de vie contemporaine, ce rêve est devenu, ou du moins devient réel.

Il est l'un de mes croyances que «la réalisation de l'art dans la vie» utilisé pour être plus parfaitement et peut-être plus magnifiquement réalisé dans l'ancien Japon, sous les influences du bouddhisme zen, le rituel du thé, et de l'art et amoureux de la nature le caractère du peuple . Cet aspect du Japon est moins connu à l'étranger que le décoratif et le pittoresque. Mais il devrait être clair que, dans la simplicité absolue et le fonctionnalisme du Palais de Katsura, ou l'abstraction pure de la pierre Ryuanji et jardin de sable, nous ne voyons pas une exception, mais simplement un exemple des meilleurs. La question est alors - pourquoi n'avons-nous pas continuer sur cette ligne droite?

Après 1870, le Japon a commencé à accepter la civilisation occidentale dans tous ses aspects - la politique, l'économie, de l'industrie, et le mode de vie général, y compris le concept et le mot «beaux-arts». Curieusement, à ce moment-même où les impressionnistes et post-impressionnistes étaient occupés à apprendre les éléments en plastique de japonais wood-block impressions, le gouvernement japonais a été l'envoi de jeunes artistes en France et en Italie pour apprendre le réalisme - si ce n'est pas le naturalisme carrément photographique - - de la dix-neuvième siècle occidental »beaux-arts».

Kakuzo Okakura (1862-1908) - qui était un étudiant dans le cadre du professeur américain de philosophie, Fenolosa, à Université impériale de Tokyo, et qui a aidé à la rédaction de Époques d'art chinois et japonais - est devenu une influence dans le monde de l'art , et a exhorté une renaissance de l'idéalisme dans l'art oriental et de la vie. Il a réuni un groupe d'artistes qui ont travaillé dans les médias traditionnels japonais de l'eau-couleur et d'encre de peinture et écrit en anglais le livre désormais célèbre de thé, qui est apparu en 1906.

Depuis cette période nous avons eu deux styles, nihon-ga - traditionnelle de l'eau-couleur et d'encre peinture, huile et yoga - ouest et de l'aquarelle, qui se tiennent presque en tant que symboles de la dualité de la vie japonaise contemporaine.

La Galerie municipale de Tokyo a été construit en 1926 avec des miles de murs sur lesquels il est possible d'accrocher plus de deux mille peintures. La galerie dispose d'un programme complet tout au long de l'année, il présente d'innombrables articles, presque soixante-dix pour cent sont des peintures de la calligraphie aussi la sculpture, l'artisanat, la photographie, et flowerarrangements. En outre, une douzaine de grands magasins de maintenir les galeries, la plus grande avec un espace d'environ deux cents œuvres d'art. En outre, il existe nombre de galeries un peu partout dans Tokyo. Ils peuvent présenter, cependant, seule une fraction de la production totale d'artistes et d'artisans. En fait, le monde de l'art au Japon est un peu surpeuplé, et bien que les généralisations sur les tendances et les tendances sont dangereuses, je doit néanmoins tenter une description de présents activités artistiques.

Œuvres Photographiquement réalistes (du type Japon se sont réunis quand elle a commencé à connaître l'Occident largement) sont encore considérées, bien que la tendance générale en Occident depuis ce temps a été un mouvement vers l'abstrait.

Il me semble qu'en général, l'ancien Japon était «nouvelle» que l'Occident nouvelle, tandis que le nouveau Japon est apparemment plus ancienne que soit la nouvelle Occident ou vieux Japon lui-même. Peu de pays ont atteint abstraite plus fine (ou du moins abstractionistic) l'art que le Japon de l'ancien; d'autre part, peu de peuples dans le monde sont plus amoureux de réalisme photographique que les Japonais d'aujourd'hui. Au Japon, en fait, est devenu un endroit le plus difficile pour l'artiste abstrait moderne de vivre et de travailler po Pourtant, depuis les années vingt, un certain nombre de peintres et sculpteurs ont reconnu les valeurs intrinsèques de l'art moderne abstrait de l'Ouest et a travaillé le long de cette ligne de contre un avant-goût généralement défavorable et hostile du public. Onchi et Kawaguchi, les membres plus âgés du club au Japon Art abstrait, ont été des précurseurs tels. Les autres sont plus jeunes artistes dont le travail est devenu abstrait dans les années trente ».

En 1937, j'ai publié l'art abstrait, un livre entièrement illustré avec des reproductions d'œuvres de Mondrian, Kandinsky, Brancusi, Arp, et d'autres Européens importants. Ce fut le premier livre pour illustrer les concepts de l'art abstrait moderne au Japon. Dans la même année, le Bijutsu Jiyu (gratuit Arts) a tenu la première de ses expositions annuelles, y compris les toiles, sculptures, et des constructions par Murai, Masaki Yamaguchi, Nishida, Ueki, et moi-même. Ce fut le premier pas important groupshow de l'art exclusivement abstrait. Takeo Yamaguchi et Yoshiwara dans une autre exposition, à peu près au même moment, a commencé à montrer de fortes tendances abstraites.

Art Abstrait: Un Langage Universel

Bleu II

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Miró, Joan


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Ceux qui ont suivi le cours de l'art abstrait au cours des 70 ou 80 dernières années auront été frappé par sa persistance. Lorsque le Cercle et Carré exposition a eu lieu en Avril 1930, la presse parisienne nous a informés que la peinture telle était «le fantôme d'une expérience simple que l'on croyait mort depuis longtemps,» et que «tout cela n'a rien de nouveau à offrir." En 1955, les explosions mêmes de la lassitude et l'ennui, si ce n'est pas la colère, peut être entendu lors d'une exposition de l'art abstrait: "sur le temps de la plaisanterie a été enterré ... même vieux sac de trucs ... pauvre vieille grand public."

Peut-être. Mais les choses deviennent tout à fait différent si nous sommes assez patient pour regarder de plus près. Ensuite, nous voyons que l'art abstrait n'a jamais cessé d'ajouter à sa gamme et des moyens d'expression, n'a jamais faibli dans sa recherche d'une plus grande profondeur. Si l'ABC de cette langue a été fermement établi dans le «héroïque» de phase par Kandinsky, Mondrian, Delaunay et Malevitch, cela ne signifie pas que tout a été dit dans la même langue. L'ignorance de la critique et le public raffiné de grogner étaient incapables de l'empêcher de ramification dans les coins les plus reculés du monde occidental, où il a remporté plus de collectionneurs intelligents et a acquis une emprise, une emprise considérable même, dans les musées et les galeries municipales. Kandinsky et Mondrian, qui ont tous deux vécu jusqu'à un âge, grâce à leur longue durée de vie ont pu montrer leurs successeurs ce une plage de valeurs peut être tiré de ces éléments simples; Kandinsky et Mondrian en soulignant l'inventivité de l'importance de la profondeur augmente.

Les autres mouvements ou écoles qui ont surgi en si grand nombre dans le monde entier dans les cent dernières années tous apprécié une durée beaucoup plus courte de la vie. Au moment de l'écriture (1955), la peinture abstraite a prospéré pendant quarante ans et ne montre aucun signe de ralentissement de vitalité. Les critiques qui ont commencé en l'encourageant, mais qui maintenant tirer un long visage à un certain composition géométrique par Vasarely ou de la couleur-composition par Riopelle, rappelez-moi de Zola quand, jetant sur ses anciens amis impressionnistes en 1896, il a exprimé sa désillusion dans un notoire article paru dans le Figaro qui ne résiste pas à son crédit: «Pas un seul artiste dans ce groupe," écrit l'auteur de L'Œuvre », a réussi à traduire en peinture, avec le moindre pouvoir de la finalité, la nouvelle formule qui est être observée dans des extraits sur leurs toiles différentes ... Ils sont tous les précurseurs. Le génie est encore à naître ... Ils sont tous inégal à la tâche qu'ils se sont fixés, ils ne peuvent pas parler, ils bégaient. "

Au Musée du Jeu de Paume (par exemple), nous pouvons maintenant aller voir exactement ce que signifiait le bégaiement. Pas oracle est nécessaire de prévoir que dans cinquante ans, un autre Jeu de Paume sera montrant un public étonné de ces chefs-d'œuvre de l'art abstrait qui sont peints à l'heure actuelle et qui nous traiter avec mépris. Mais ceux qui ont été en surveillant de près sur l'art au cours des années vingt du passé ou trente auront également remarqué que, dans le XXe siècle toute forme d'art a évolué dans le sens de l'abstraction. Ainsi, le terme art abstrait ne peut pas être utilisé pour identifier une école, ni aucun mouvement toutefois très répandue. Il s'agit d'un phénomène universel, un langage universel.

L'art abstrait a duré trop longtemps pour qu'il reste à mettre vers le bas pour le snobisme, tandis que ses styles et ses types d'expression sont trop nombreux et différents pour qu'il soit en danger d'être appelé académique. Il serait plus exact et plus simple de le considérer comme un nouveau départ, partant d'un nouveau principe ou une donnée, à savoir la libre expression de soi, indépendamment de toutes les lois, mais ceux inventés par l'artiste ou que son matériau choisi lui impose. Comme pour les formules telles que «une nouvelle base pour une expression plus directe de l'homme» ou «un sain fondement de la vie de l'esprit», je suis peu enclin à parler en termes de 'bases' ou 'fondations' en se référant à l'art abstrait en général, pour ces mots impliquent le concept d'un plan ou d'une théorie, et donc de quelque système ou une méthode. Il ya vingt systèmes différents ou des méthodes de l'art abstrait, et si parfois une certaine apparence plus valables que d'autres, c'est parce que le succès ou l'échec des systèmes dépend entièrement des talents qui les exploitent à un moment donné, ou la stature du génie qui les écarte.

L'art abstrait est un art lui-même, l'art de tous les temps, mais saisi dans sa substance la plus intime, je veux dire la crainte de quoi que ce soit qui détermine que l'art est l'art et non pas seulement d'illustration ou d'éducation ou de propagande ou d'un substitut pour la littérature ou la religion. Il est peut-être un dangereux et certainement un risque choquant. Je ne suis pas susceptible de se trouver en disant que l'art abstrait est un art facile. Il n'y a pas d'art abstrait, sans une prise de conscience, mais faible ou difficile à exprimer avec des mots, de la nature profonde de l'art, ou sans une union secrète entre l'artiste et l'art lui-même intégralement, à l'exclusion de toute autre alliance. Pas une philosophie mais une clairvoyance, une perspicacité. Et cette intuition ne pouvait pas s'exprimer dans toute autre manière que l'acte même de création. A partir de maintenant sur l'esprit de l'homme va s'exprimer par une action directe du créateur sur le matériel passif, sans passer, comme autrefois, par l'intermédiaire de ces formes extérieures que sont déjà généralement admis comme étant «beau» ou «idéal pour des photos".

Un nouveau départ dans l'art, donc, mais à laquelle il n'est pas nécessaire de présupposer une base ou fondation: elle frappe à et rayonne dans tous les sens, sans aucune direction particulière étant le dominant. Cela dérange beaucoup de valeurs qui ont été les gens pensaient assurée de façon permanente, et c'est pourquoi l'art abstrait suscite presque autant d'hostilité à mi-chemin à travers le siècle comme il l'a fait il ya trente ans. Mais son arrivée a été annoncée dans la progression logique de la vie de l'art lui-même. Nous pouvons être sûrs que la moquerie, sarcasmes, de la violence (les cris de «l'art dégénéré»), ni même les épaules haussa les épaules de l'indifférence ne peut jamais longtemps prévaloir contre l'évolution organique des choses.

Même dans les rangs de ces nouveaux artistes, les diverses tendances et leurs porte-parole se livrent une guerre sans merci. L'écoute de certains d'entre eux, tout le monde peut prendre l'art abstrait pour être un processus sans fin de destruction, ou d'imaginer que personne n'a le droit de peindre, sauf qu'il est toujours dans un état de transe hypnotique, ou qui ne trouve pas son plaisir tous les jours dans une sorte de la frénésie de la peinture qui est lié à la fin d'une certaine forme d'agressivité. Selon d'autres, l'art abstrait, qui qu'ils revendiquent seul mérite d'être appelé l'art, ne peut pas être autre chose que d'une série d'exercices dans la construction, une question d'un échafaudage intelligent et plans mis par des architectes un peu timides. Donc, nous devons prendre notre stand extérieur de tout cela et ne pas prendre part à ces querelles, si nous sommes de voir que l'art abstrait est tout simplement la scène qui a maintenant été atteint dans l'évolution générale des arts, le style multiforme de l'art du XXe siècle.

L'expressionnisme Abstrait ou l'Action Painting

Vega-Nor

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Vasarely, Victor


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L'expressionnisme abstrait, parfois appelé l'action painting ou l'école de New York, est le mouvement de l'art premier Américain d'origine d'affecter profondément toutes les parties du monde où les concepts modernes de l'art existe, de Paris à Tokyo. Il a modifié plus profondément encore la géographie de notre propre art au cours des quinze dernières années, tant par le nombre d'adeptes qu'il a su attirer et par les vives réactions contre elle, qui elle a inévitablement générés. Comme nous l'avons vu dans les chapitres précédents, il a également créé un nouveau genre de la peinture figurative qui intègre certaines de ses méthodes et attitudes. Peu de nos artistes vivants n'ont pas été affectées par celle-ci d'une manière ou d'une autre.

Les sources de l'expressionnisme abstrait sont nombreux. Il a hérité des formes antérieures de l'abstraction d'un rejet de l'objet et la croyance en la primauté du milieu: Un tableau est un objet à être vécue uniquement en termes de ses propres lois, sa propre structure, il ne doit jamais être une illustration, le surface plane de l'image doit toujours être préservée. Mais il a rompu avec le cubisme et d'autres types formels de l'abstraction en désavouant tout intérêt esthétique. Au lieu de cela, il a fallu du surréalisme une foi dans l'orientation de l'esprit subconscient, et il cherchait un moyen de transférer ce directement à la toile de la manière la plus pure et la plus intense possible.

Il a constaté l'imagerie fantastique du surréalisme frivole, mais elle a adopté la théorie surréaliste de l'automatisme et l'a appliqué d'une manière totalement abstraite, en confiant à l'spontanée et non préméditée geste de la main et brossez l'expression de tout ce qui les forces intérieures déplacé. La toile est devenue, dans la définition de Harold Rosenberg, un champ ou champ de bataille sur lequel l'artiste a agi sur un drame de son propre état d'être (d'où «l'action painting»). Il a découvert des sanctions pour cette approche dans les premières abstractions de Kandinsky, les plus tardives de Miro et de Matta, mais il a poussé l'automatisme et un biais anti-esthétique à des conclusions plus extrêmes.

Il est évident que l'expressionnisme abstrait est un mouvement profondément introspectif, car il n'est pas concerné (du moins en théorie) avec une interprétation du monde extérieur, mais seulement avec de l'artiste de la vie intérieure - même si cela est inévitablement affecté par ses expériences externes . De toutes les accusations qui ont été portées contre lui, celle de la «déshumanisation» semble plus vide, car c'est un art qui s'enracine exclusivement dans l'esprit et l'esprit de l'homme. Il a été accusé plus légitimement d'être un art privé qui ne parvient pas à communiquer facilement, sa vie privée est indéniable, son degré de communication dépend en grande partie sur le spectateur, mais est certainement moins précis que dans les peintures qui s'appuient sur les associations communes. Cet élément de la vie privée, qui est au cœur de son caractère, a également fait l'un des styles les plus maltraités de nos jours, exploité par une multitude de manipulateurs de peinture ineptes qui prétendent le privilège de la liberté absolue, il offre à l'auto-expression, sans accepter la discipline et l'auto-examen rigoureux qui ont été si clairement impliquée dans le travail de ses praticiens de premier plan.

Comme dans tous les mouvements, les généralisations comme celles-ci appliquent rarement entièrement à n'importe quel artiste un. Gorki, discuté dans le chapitre précédent, ne peut guère être appelé un expressionniste abstrait en raison de son utilisation persistante des formes naturelles et ses préoccupations esthétiques, mais il fut un précurseur important dans le domaine de l'introspection et les associations irrationnelles. Mark Tobey est dans une relation semblable au mouvement, mais dans son cas, il a été l'innovation technique de son «écriture blanche», développé en 1935, qui a fait un chemin vers l'expression par une calligraphie personnelle. Lui-même Tobey, mais un mystique, a généralement été préoccupé par l'interprétation des faits et des forces en dehors de lui. Ainsi le champ universel a été inspirée par sa première visite à un aéroport, lorsque «j'ai senti la rapidité des communications en ce jour et a tenté de symboliser dans l'espace et l'accent des messages qui animent le monde», tandis que dans la Nouvelle Vie (la Résurrection), les masses grises symbolisent «vieille terre, avant et sur lequel la danse des figurations élémentaires de la vie nouvelle." Donc, consciente d'un symbolisme, même si privé, est étranger à l'expressionnisme abstrait, mais Tobey continue, la ligne de filetage, dont il tirait de la calligraphie chinoise et qui semble se déplacer avec une vie presque indépendant de sa propre, anticipe par une décennie, le linéaire des bandes Pollock était de tourner.

Mais il était de Jackson Pollock, plus que tout autre artiste, qui a donné la définition de l'expressionnisme abstrait et qui l'a mis en place (dans l'œil du public, du moins) comme le plus révolutionnaire des mouvements avant-gardistes. Diffusion de grandes toiles sur le sol, Pollock appliquée maison peinture et de pigments métalliques à partir d'une batterie de boîtes de conserve, parfois jeter ou d'égouttement Salut, l'odeur sur des bâtons, parfois, il y versant de l'directement et de le laisser fonctionner en modes accidentels. De temps en temps, il a utilisé le pinceau plus classique et un couteau palette, mais pour la plupart, il a constaté que celles-ci entravent les gestes spontanés de son bras sur lequel il s'appuyait. Tout sur sa méthode suggère une spontanéité débridée et de l'automatisme, et pourtant les résultats étaient tout à fait différent de ce que l'on aurait pu s'attendre. Pour ces images ont une intensité du rythme, une des séquences ordonnées de la complexité de repos et d'explosion, et ce Alfonso Ossorio justement appelé une «splendeur immédiate." Ils ont aussi une étonnante variété, allant d'une sorte de férocité de fer barbelé pour la mise en flottement, l'humeur lyrique de numéro 27, illustré ici. Ils suggèrent qu'un contrôle plus conscient du milieu a été exercé que par la méthode de Pollock semble indiquer, que les effets accidentels incidents se sont produits sur lesquels il construit, et que l'automatisme a été moins importante que la lutte angoissante pour imprégner la ligne et la couleur seule avec une violence nue de sentiment.

Style personnel Pollock n'a jamais été imité avec succès. Hans Hofmann, pour sa part, a eu une influence beaucoup plus large, tandis que Willem de Kooning, peu après son premier one-man exposition, en 1948, est devenu une figure de proue du mouvement. Certains autres qui y ont adhéré au cours de la décennie de Motherwell dans les années 1940: Robert, Richard Pousette-Dart (quoique un peu en dehors de la ligne principale de développement), Theodoros Stamos, Adolph Gottlieb, Bradley, Walker Tomlin, et Franz Kline. A partir de 1950, il a grimpé plus rapidement, mais aucune étude n'a encore été faite pour établir la chronologie précise de son développement. Tout ce que nous pouvons tenter ici est de souligner quelques-unes des orientations qu'elle a prises et comment elle a été partiellement transformé par certains artistes dans un art moins introspective avec une nouvelle orientation vers l'imagerie.

Bien que l'expressionnisme abstrait permet la liberté de l'artiste complet dans le choix de ses méthodes formelles, en pratique, il a mis en place trois dispositifs principaux dont la majorité de ses praticiens ont utilisé isolément ou, plus souvent, dans diverses combinaisons. L'un d'eux est une calligraphie personnelle, comme celle de Tobey et Pollock. Un deuxième est le coup de pinceau expressif, comme Hofmann ou De Kooning. Un troisième est l'utilisation de formes amorphes et des taches de couleur, parfois accidentelle, parfois contrôlés, qui était un élément important dans l'œuvre de Gorki.

Parmi ceux-ci, l'approche calligraphique pourrait bien être le plus difficile, et certainement il a attiré moins d'artistes que les autres. Vers 1948, Adolph Gottlieb a commencé à peindre une série de toiles linéaires qui ont fini par atteindre une complexité labyrinthique et qui semblent avoir eu une influence considérable sur d'élégantes arabesques Bradley Walker Tomlin. Au cours des mêmes années, cependant, Gottlieb a été également à expérimenter de mystérieuses formes flottantes, comme les cercles irréguliers et les places de The Sounds congelés, Numéro 1, et ceux-ci a fini par devenir plus important pour lui. Il était Franz Kline, à partir de 1949, qui a fait l'utilisation la plus impressionnante de la calligraphie en l'élargissant à des proportions monumentales et en limitant sa palette à Stark en noir et blanc oppositions. Ses grandes toiles, telles que Mahoning, sont vidés de toute l'élégance ou la qualité décorative et avoir l'impact d'un marteau. En revanche, les modèles de beaux Kenzo Okada, avec leurs lignes délicatement floues, la calligraphie de retour vers ses sources orientales, quoique d'une manière purement contemporain.

La gamme d'expression par des moyens essentiellement linéaire s'est révélée très bien, mais la gamme d'expression à travers le personnage de la brosse course-sa forme, de la direction, le poids et la texture - a été encore plus grande. James Brooks, en Rasalus, par exemple, a construit une image presque entièrement à partir de frappes disparates qui se démarquent les uns des autres, rarement chevauchement, touchant à peine ici et là le long de leurs bords déchiquetés. Ils sont comme des sentinelles à distance dans les rangs statiques et seulement de temps en temps de rupture dans l'action. Paul Burlin utilise presque aussi précise un accident vasculaire cérébral, dans un contrepoint avec la ligne, mais il définit les deux éléments en mouvement turbulent. Ils fléchette sur la collision en toile, en s'arrêtant, repartant avec une énergie infatigable, qui semble presque être inhérente à la peinture elle-même. Par rapport à l'ampleur du traitement dans ces œuvres, Dial Philip Guston semble retirée, complexe et infiniment subtil. C'est comme si le pinceau de l'artiste avait sans cesse sondé la surface, à la recherche de son chemin à travers les nuances les plus délicates du toucher et de couleur jusqu'à ce que il est apparu avec les zones plus audacieuses mais toujours étrangement provisoire de rouge dans le centre. Bien que tout aussi délicates, Genie Milton Resnick est plus détendu, plus lyrique dans le sentiment. Ici, les coups se déplacer dans l'autre dans une sorte de gribouillage d'animation, la création d'un réseau de couleurs pâles qui piège la lumière comme une toile impressionniste. Encore d'autres manipulations se trouvent dans les coups ascendants sinueuses du Territoire Bleu Helen Frankenthaler ou les flèches comme en Duo Jack Tworkov, je, avec leur variété de poids et de la transparence.

Le troisième dispositif de l'expressionnisme abstrait - l'utilisation de formes amorphes ou irrégulière - est évident dans la plupart des peintures décrites ci-dessus, mais il peut être observé plus clairement encore dans le travail où le personnage de coups de pinceau individuels est subordonnée à des formes qu'ils construire. Que ces formes naissent des associations dans l'esprit de l'artiste avec un sujet précis ou si elles proviennent d'un domaine de mouvement général de sentiment et d'émotion, le mystère de leur incarnation est égal. Ils semblent se développer à partir de l'inconscient avec une sorte de fatalité biologique. Parfois, ils sont extrêmement simples, comme les bandes irrégulières et les places de couleur palpitante qui donnent œuvre de la maturité de Mark Rothko (au plus tard la peinture illustré) dont la qualité hypnotique. Dans Adja Yunker de grande pastel, Tarrasa, XIII, ils se lèvent avec une présence de plus romantique - masses vagues et de mauvais augure qui traînent à l'arrêt des points dans insubstantialité. Dans Œdipe Ethel Schwabacher à Colone de, numéro 2, ils semblent se déplacer et se dissoudre dans l'autre avec la splendeur de formations nuageuses. Ils peuvent être en terre et lourd, comme dans certains tableaux de Robert Motherwell ou Enrico Donati Gore et Mandra, avec ses massifs, blocs texturés de peinture. Parfois, ils ne sont pas du tout amorphe; collages Conrad Marcarelli de, par exemple, sont assez tranchant et précis, mais malgré tout sont dotés d'un regard étrangement symbolique. D'autres artistes se combinent dans le fluide même toile et les formes concrètes; Theodoros Stamos "

Neige haut - en bas Sun, II bat deux solides barres noires avec une masse sombre et humide et une éruption flamelike de rouge. Là encore, le modèle peut ressembler à des formes organiques de la croissance, comme dans John Ferren de The Garden, ou les configurations du paysage, comme dans la tempête Angelo Ippolito. La découverte de cette ligne, le mouvement pinceau, forme abstraite, et la couleur peut incarner impulsions qui ne sont pas principalement d'ordre esthétique est la réalisation singulière de l'expressionnisme abstrait. Dans sa forme la plus pure qu'il a exigé de l'artiste un degré presque surhumaine de l'introspection et la concentration afin de parvenir à l'expression la plus directe de la partie la plus profonde de soi. Dans ce processus, la toile et la peinture ont assumé une réalité qui semble ultime et essentiellement inexplicable. L'artiste a été consommé par son art dans une sorte d'union mystique. Peut-être c'est une des raisons pour sa réticence à parler de ses objectifs en des termes autres que ceux de l'acte de peindre. "Mon désir est d'être aussi profondément dans la peinture que possible»

Jack Tworkov écrit, «sans être titulaire d'une position préparée ou de maintenir toute préconçue ... l'attitude. Pour faire l'expérience, pas de la peinture en général, mais chaque image particulière aussi profondément que possible est mon désir." Lorsque James Brooks note que Rasalus évolué à partir de "pas de thème ou une idée», mais mois nécessaires pour amener à l'unité, ou lorsque Milton Resnick dit qu'il a nommé son Genie image ", car à un certain moment avant qu'il ait été terminé, la peinture elle-même avait une façon de regarder en arrière de moi, "ils parlent de la même position. Richard Pousette-Dart a été plus explicite: «L'art est toujours mystique dans son sens final, c'est la structure qui se lève par la présence et la signification de sa propre réalité... C'est ma conviction que la réalité ultime ne peut être atteint par un passionné, ardent de la dévotion à son travail. "