mercredi 9 mai 2012

Aspects de la Peinture Américaine

Target, 1974




Target, 1974

Art Print


Johns, Jasper


25.875 in. x 25.875 in.

Buy at AllPosters.com

Framed   Mounted



Le principal mouvement de l'art abstrait en Amérique a commencé dans les années trente avec une forte orientation vers une qualité plus structurelle, l'élimination de l'impressionnisme et de l'atmosphère et une compensation générale à s'éloigner des surfaces de peinture réalistes et des textures. La plupart des travaux a également été non-figuratif et qu'il s'agissait d'une réponse forte à l'art social des années trente ». Derrière ce grand mouvement et homogène était la tradition du rationalisme et de l'effort vers la perfection intellectuelle. Sommes rien dans cet idéal mieux que Juan Gris 'énoncé suivant: «Les artistes ont pensé à produire un effet poétique avec un beau modèle ou beaux sujets. Nous, d'autre part croire que nous pouvons le produire avec de beaux éléments, pour ceux de l'intellect sont certainement la plus belle ».

Cet effort vers une qualité plus pure et plus architectonique a été clairement reflété dans les expositions de peintres américains au cours de la fin des années trente et au début des années quarante. Exceptionnelle dans ces expositions a été le travail d'artistes tels que George LK Morris, Joseph Albers, Jean Xceron, Karl Knaths, Albert Swinden, Byron Browne, et John von Wicht. 1936 a vu la formation d'une organisation d'art important qui a été appelé les artistes abstraits américains. Cette organisation a joué un rôle de premier plan dans le développement de l'art abstrait américain. La plupart de ses membres étaient des exposants de premier plan de l'art akstract en Amérique à cette époque.

Parallèlement à la Seconde Guerre mondiale de nombreux peintres abstraits ont commencé à déplacer de l'intérieur sentiment cubiste peu fermée vers le sentiment du paysage spatial plus ouvert de Kandinsky et de Mir. Forts points de vue individuels ont été mis au point. Certains artistes ont commencé à travailler dans un très subjective, façon érotique, et surréaliste, d'autres ont réagi au défi de la nature extérieure et l'ère moderne en termes plus positifs, plus objectives. Il serait impossible de citer tous les artistes divers dont le développement individuel a eu lieu, et à son tour a contribué à l'évolution générale de l'art abstrait, dans cette période.

Certains de leur œuvre est reproduite dans ce livre. George McNeil, qui était un des premiers membres de l'AAA, expérimenté sous forme libre. Sa peinture était pure, en utilisant un mouvement de brossage très libre, relative forme à la forme. Réflexions de la liberté viennent à travers dans la peinture de Botkin, Pace, et plus tard les membres du groupe. Xceron combine un sentiment de liberté spatiale avec un sentiment poétique de la géométrie de la forme solide. Le développement plus subjective a été bien représenté dans l'œuvre de Arshile Gorky, dont la dette au cubisme dans les années 1930 était super. Toujours éclectique, Gorki maintenant détourné de Picasso et est devenu plus soucieux d'exprimer ses conflits intérieurs et les frustrations.

Ces coulait comme symboles inconscients dans l'espace - peintures de rêve, comme elle était. Contrairement à la peinture subconscient et subjective de Gorki est le travail positif et apparemment objectif de Stuart Davis, typiquement américain, et George LK Morris, tous les deux géométriques et calligraphiques dans la saveur. Davis est un peintre qui reflète la dynamique de la scène américaine et qui n'a jamais dévié, mais plutôt a grandi avec son sujet et à sa connaissance de la forme et la couleur. Lui et Morris sont des exemples classiques de peintres qui comprennent leurs problèmes en termes appartenant à la peinture. Davis a toujours eu lieu: «L'art n'est pas l'enregistrement de l'impact des formes naturelles sur la rétine. Il est une synthèse de toutes les facultés perceptives en équilibre émotionnel, objectivés dans un langage de la forme. Réponse émotionnelle à la nature ne crée pas de l'art, sauf quand il est intégré à une construction imaginative pour son propre bien. L'acte de peindre n'est pas une duplication de l'expérience, mais l'extension de l'expérience sur le plan de l'invention formelle ». Morris a également été l'un des porte-parole les plus éloquents en Amérique pour l'art abstrait. Il ainsi que Davis ont compris le contexte de l'ordre pictural classique.

En examinant la scène la peinture américaine, nous trouvons la partie sensuelle de la peinture plus appréciées que la structure. L'importance structurelle d'une peinture abstraite est souvent méconnu en raison d'un préjugé général et un sens peu développé esthétique et plastique. Beaucoup de gens ne peuvent pas différencier entre l'appel de surface décorative d'une composition abstraite et sa signification structurelle. Leur hostilité envers le formalisme, en collaboration avec un certain manque de compréhension, a confondu leur jugement et qu'ils attribuent seule émotion à une peinture qui a un genre de peinture verve et manipulation de la surface. Peinture qui a une forme claire et de couleur claire qui leur apparaît intellectuelle et le froid.

Peut-on dire que Vermeer avec ses clairs, des surfaces propres senti la vie moins intensément que Rembrandt ou qu'il manquait de vision poétique? Ou que Ingres avait moins de sentiment que Delacroixl? Ou que, dans notre Léger temps est froid parce qu'il croyait l'idée, la forme, la géométrie et la couleur pour être des facteurs importants et décisifs dans la détermination de la valeur réelle du travail, et a estimé que le style doit être anonyme?

Virtuosité a toujours été une grande admiration. Sargent, Zorn, Boldini, Bougereau, toute gloire gagné grâce à la neuro-musculaire performances et des effets atmosphériques. De nos jours, la partie sérieuse de la peinture évoque rarement satisfaction. L'art moderne a parcouru un long chemin vers l'élimination du naturalisme de contrefaçon, mais il ya toujours une demande pour des photos romantiques et atmosphérique. Le peintre pur devient parfois un personnage tragique. Juan Gris, par exemple, et de nombreux excellents artistes américains, sans jamais compromettre avec des surfaces sensuelles, souffert pour elle.

«Liberté» Le mot est un mot très mal utilisé dans la peinture aujourd'hui. On pourrait se demander: Qu'est-ce que la liberté? Et on peut se demander: la liberté de quoi? Veut-elle dire une destruction des traditions et une violation des lois qui régissent le sens visuel de la peinture? Est-ce la liberté sans le peintre de la responsabilité pour plus de clarté, mais la charge du spectateur de deviner et de déduire avec sa propre interprétation? T-il, par conséquent, nécessitent du peintre que son travail peut être que provisoire?

Il ya deux approches à la peinture d'aujourd'hui. La première est que le peintre peint de manière suggestive, ce qui permet à l'observateur de lire dans la peinture. L'autre est que le peintre développe à travers la peinture à une exactitude et permet à l'observateur de voir sa vision clairement. Et ne pas donner à l'observateur une meilleure chance de rêver un plus grand rêve?

Bien que toute la peinture d'aujourd'hui est en quelque sorte subjective, l'extrême de la première non-approche communicative est sorti dans le mouvement de l'expressionnisme abstrait. Ici, la tension intérieure de l'artiste a été soulagée par une projection de lui-même sur des toiles immenses et par l'impact sensible de sa peinture - l'énergie et l'enthousiasme avec lequel il est tombé, poussé ou déplacé à travers la toile. Malgré sa forme totalement abstraite, cette approche n'exclut pas certaines qualités atmosphériques, illusoires et d'autres relatives au naturalisme. L'enthousiasme généré par celle-ci souvent dépassé ce qui concerne la plate-forme, les frontières de la toile, l'échelle, la portée, et la proportion.

Certaines œuvres de Pollock et de Kooning se rapprocher de la véritable signification de l'expressionnisme. De toute évidence la mention «expressionniste abstrait» ne décrivent pas complètement combinaisons Hans Hofmann de la géométrie et d'expression, ni les travaux de Motherwell, Baziotes, ou Kline. Malgré l'agitation à la peinture américaine par le mouvement d'avant-garde de l'expressionnisme abstrait, il serait difficile de dire qu'il a vraiment innové frais ou nous donner un nouveau sens de la forme que sorti de la post-impressionniste, cubiste, ou même mouvements constructivistes. A plutôt été sa contribution à caractère personnel dans lequel l'acte même de la peinture a été sa solution.

Le climat qui repose largement sur la séduction de surface et forme provisoire limite en fait l'artiste. La vraie liberté réside dans la compréhension de ses propres limites. Cela a été réalisé dans l'art primitif et dans le travail de Gauguin, Kandinsky, Miró, Klee et, si elles sont souvent cités comme des exemples d'inspiration pour l'expressionnisme. L'utilisation de symboles formels dans la culture primitive visant, non pas à l'expressionnisme, mais à donner l'ordre et sens à la vie. Gauguin sans son grande compréhension, de l'ordre, le sentiment, la justesse, le sujet, et son accomplissement de leurs exigences particulières en matière de forme et de couleur, ne serait rien, mais une grande classe conteur ou décorateur.

C'était pour Mondrian pour faire un absolu de la forme, pour rendre la structure picturale de l'image à la fois objet et le contenu. Il a aboli complètement tout semblant de sujet. Cette recherche de la pureté dans la peinture et ce qu'on appelle un «nouveau réalisme» a inspiré un certain nombre de peintres américains, parmi eux Glarner, Fleischmann, Bolotowsky, et Diller. Dans leurs idiomes personnels qu'ils ont répondu avec une nouvelle vitalité et un lyrisme. Mondrian croyait avoir réalisé le cubisme à une conclusion logique. Mais le cubisme, mais il a joué tellement vital en donnant une partie d'art moderne d'un concept nouveau formulaire, n'a jamais tenté de détruire l'image ou n'implique pas sa dissolution.

Cubisme libéré la peinture de la position fixe, la mise en scène et la tyrannie de l'objet qui avait dominé la peinture depuis la Renaissance, et il a ouvert la voie à l'imagination picturale plus ainsi que pour une plus grande signification en plastique. Il a libéré le peintre moderne du monde de l'œil externe et a permis une plus grande enregistrement de la totalité de la vie. Bradley Tomlin, librement horizontales mariage de Mondrian et verticales avec des avions qui se chevauchent cubisme, romantique à la peinture. Avec plus de sévérité dans la structure et une plus grande variété de symboles géométriques évoquant, Motherwell injecte une note fraîche à la bande verticale. D'autres peintres du point de vue puriste ont accepté le concept Mondrian de la structure comme le dernier mot dans la peinture contemporaine. Il a conduit un certain nombre de peintres de se sentir que la peinture a été épuisé et ainsi ouvert la voie pour eux pour faire face à la construction physique en dehors de la peinture. Des hommes comme Biederman cru en une sorte de concept de secours de la forme, d'autres poursuivi au-delà de secours dans l'espace physique.

En dépit de la réticence à discuter de sujet et son importance dans la peinture abstraite aujourd'hui, il joue néanmoins un rôle énorme pour un certain nombre de peintres américains. Jusqu'à la vingtième siècle, les objets, les gens, les principautés et les choses étaient toujours identifiable. L'un des phénomènes fascinants de notre époque est le rôle anonyme de l'imagerie. Le peintre d'inspiration indépendante cherche aujourd'hui pour la signification qui se trouve cachée sous les choses vues et ressenties. Sa vision est de trouver des formes concrètes qui expriment et communiquer ses sentiments et de les énoncer dans des termes nouveaux peinture vitaux.

C'est ce qui explique l'élimination visible de l'objet et son remplacement par l'imagerie symbolique. Il est donc dans le symbole de l'objet que le sujet a persisté: le symbole en est venu à contenir le caractère du sujet. C'est ce qui ressort, par exemple, dans le domaine de la peinture de paysage abstrait où les sentiments et les émotions fortes se rapportant à la nature prend forme. Ces formes de paysage sont devenus symboles sténographiques souvent capables de transmettre avec le sentiment poétique de l'amour et joie de la nature dans ses humeurs changeantes. D'une certaine façon, par conséquent, ces formes de paysage sont à court main symboles portant le caractère de la peinture.

Les travaux actuels de John von Wicht, fait en symboles sténographiques très personnelles, mais avec un sentiment de liberté guidée par la discipline intuitive, pourrait être décrit en ces termes. D'autres peintres avec une dévotion de temps pour la peinture de paysage ont été inspirés par une même direction, qui pourrait presque être dit ont découlé les peintures de paysages début de Kandinsky. Dans les peintures de John Ferren de paysage abstrait, par exemple, la couleur devient le symbole raccourci en chef. La plupart des jeunes peintres d'aujourd'hui, ainsi, ont trouvé leur inspiration dans cette peinture de paysage abstrait.

Aucun commentaire:

Enregistrer un commentaire