Pionniers du Modernisme: Abstraction

Colors of Love

Art Print

Ayoub, Roula


24 in. x 24 in.

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A Paris, le cubisme avait commencé à évoluer vers 1908. Par contraste avec l'expression fauvisme de l'émotion à travers la couleur et le motif, le cubisme était une recherche de nouveaux concepts de forme tridimensionnelle. L'objet a été analysé dans ses composantes géométriques, désintégré, remonté dans de nouvelles combinaisons, illustrés à partir des côtés différents simultanément. Objet a été limitée à la concrète et tangible, le contenu émotionnel a été évité, la couleur était subordonné et monochromatique. Cette première phase d'analyse a duré jusqu'en 1913 environ, puis fleuri dans les libres, les inventions plus chromatiques du cubisme synthétique. Dans l'intervalle, il avait donné naissance à de nombreuses autres variétés de l'abstraction.

Il avait également produit ses propres révoltes, comme l'orphisme, ouvertes par Robert Delaunay en 1912, qui visait à la plénitude la plus haute de la couleur et à l'abstraction pure, libre de rappels cubisme de l'objet. L'orphisme, à son tour avait une rivale dans Synchromism (sens "avec la couleur"), lancé en 1913 par deux Américains à Paris, Morgan Russell et Stanton Macdonald-Wright. Tous deux étaient des théoriciens intelligents, et ils ont eu un champion articulé en frère de ce dernier Wright Willard Huntington, une brillante critique dogmatique, si qui a prononcé leur mouvement le point culminant de l'art occidental. Il est vrai que leurs théories allaient au-delà l'orphisme dans l'analyse de la relation de la couleur à la forme: en particulier le fait que les couleurs chaudes (rouge, orange, jaune) semblent avancer vers l'œil, tandis que les plus froides (bleu, violet, bleu- vert) retraite, de sorte que la couleur produit des sensations de projection et de la récession qui peuvent être utilisés pour construire la forme. Leur déclaration claire de ce principe a été une contribution décisive à l'esthétique moderne.


Il avait également produit ses propres révoltes, comme l'orphisme, ouvertes par Robert Delaunay en 1912, qui visait à la plénitude la plus haute de la couleur et à l'abstraction pure, libre de rappels cubisme de l'objet. L'orphisme, à son tour avait une rivale dans Synchromism (sens "avec la couleur"), lancé en 1913 par deux Américains à Paris, Morgan Russell et Stanton Macdonald-Wright. Tous deux étaient des théoriciens intelligents, et ils ont eu un champion articulé en frère de ce dernier Wright Willard Huntington, une brillante critique dogmatique, si qui a prononcé leur mouvement le point culminant de l'art occidental. Il est vrai que leurs théories allaient au-delà l'orphisme dans l'analyse de la relation de la couleur à la forme: en particulier le fait que les couleurs chaudes (rouge, orange, jaune) semblent avancer vers l'œil, tandis que les plus froides (bleu, violet, bleu- vert) retraite, de sorte que la couleur produit des sensations de projection et de la récession qui peuvent être utilisés pour construire la forme. Leur déclaration claire de ce principe a été une contribution décisive à l'esthétique moderne.

Après tout d'abord l'appliquer à des chiffres reconnaissables, les deux synchromistes déplacé vers l'abstraction pure en 1913. Cette année ils ont tenu des expositions de Munich et de Paris, et engagés dans une guerre joyeuse avec les Orphistes. Mais leurs peintures réelles ont été beaucoup comme leur rivals' - compositions de prismes multicolores et des disques tournoyants. Plus tard, ils ont créé une conception plus originale et complexe, comme dans l'Oriental Macdonald-Wright de 1918. Un an plus tard, cependant, tous les deux abandonné l'abstraction et retourné à la figure. Ils avaient développé une méthode, mais pas un contenu. Pourtant, leurs théories ont influencé d'autres Américains - Andrew Dasburg, et Thomas H. Benton, qui a ensuite été s'efforçant de concilier la forme de la Renaissance avec la couleur Synchromist.

Orphisme avait un disciple de l'ex-fauve Patrick Henry Bruce, qui est resté à Paris jusqu'en 1930. Après sa phase orphistes, Bruce allait son chemin. Sa grande préoccupation était la structure abstraite. Intransigeant dans leur clarté, ses peintures avec leurs formes géométriques angulaires et de la couleur pure ont été soigneusement conçu et construit fortement, avec les relations entre les formes finement senti. De l'abstraction pure Bruce retourné à semiabstraction fondée sur des motifs spécifiques, tels que la durée de vie encore sur une table dans la peinture. Mais il est resté cohérent dans sa dévotion à l'architectonique. Agonisant sur ses photos, il a peint quelques-uns d'entre eux et détruit la plupart.

Aux États-Unis il y avait eu peu d'art abstrait avant l'Armory Show. Le spectacle, avec sa pleine représentation des cubistes, a donné une impulsion à l'abstraction, et pour la prochaine décennie un certain nombre d'Américains a pratiqué - Weber, Dove, Walkowitz, Hartley, Dasburg, William Zorach, Konrad Cramer, Georgia O'Keeffe, et Man Ray. La plupart de ces Américains étaient moins préoccupés par des problèmes de nature purement formelle que les Européens. Cubisme avait un peu de représentants, notamment Dasburg, Weber, Zorach, et sous une forme modifiée, Arthur B. Davies, mais il y avait peu d'entre eux l'orthodoxie. Même à Paris, le cubisme analytique a été la création de quelques artistes en quelques années. Un laboratoire expérimental, il avait eu une phase (si une question cruciale) de l'ensemble de l'évolution de l'abstraction.

En Amérique il y avait peu de recherche si radicale. Le champion le plus lucide américaine du cubisme, dans son écriture et l'enseignement ainsi que sa peinture, était Andrew Dasburg. Après une période de l'abstraction pure, d'environ 1912 à 1916, son style est devenu plus ou moins représentatif, encore définitivement cubiste. Concentrer fortement sur la structure géométrique des objets naturels et leur traduction dans la conception en plastique, il a montré un souci de la forme de base inhabituel chez les modernistes américains. Mais si le cubisme avait peu d'adeptes, il devait exercer une grande influence en mettant l'accent sur la forme tridimensionnelle et sa tendance vers l'abstraction.

En général, l'art abstrait américain enclin à être expressionniste plutôt que formelle. Max Weber, dont les travaux de 1912 à 1916 lui a révélé que le peintre le plus mature abstraite du temps dans ce pays, a également été le représentant le plus inventif du cubisme, mais dans ses mains, il est devenu tout autre chose. Ses compositions à base de New York ont ​​été liés au cubisme dans le style, mais leur célébration contentlyrical de la ville moderne - était plus proche de Delaunay précoce et les futuristes. Par contraste avec la matière cubisme analytique du sujet limité, ils ont exprimé des sensations suscitées par tout le spectacle de la ville - ils imaginaient la lumière et le mouvement, et a pris des éléments de grand espace que le cubisme boudé. De Restaurant chinois Weber écrit: «En entrant dans un restaurant chinois de l'obscurité de la nuit dehors, un labyrinthe et flamboiement de lumière semblait se diviser en fragments de l'intérieur et de son contenu .... La lumière si perçant et si lumineux, la couleur si liquide et de la vie et le mouvement si enchanteresse! Pour exprimer cela, des moyens kaléidoscopiques devait être choisi. " Il y avait là un fantasme chromatique loin de l'austérité du cubisme analytique. Dans le travail abstrait de Weber dans son ensemble, un rôle de premier plan a été joué par la couleur, dont l'opulence a rappelé origine russe de l'artiste, et les formes étaient moins susceptibles d'être géométrique et rectiligne que libre et curviligne Même ses œuvres les plus cubistes étaient fondamentalement expressionniste, ses affinités étaient autant à l'expressionnisme abstrait de Kandinsky comme au cubisme.

La même chose était vraie d'un autre abstractionniste début, Abraham Walkowitz, dans ses arabesques purement abstraits linéaires, et ses semi-abstraits photos basées sur New York, dans lequel les gratte-ciel, les rues bondées, et les tunnels souterrains, considérés comme faisant partie d'un organisme unique grande, ont été incorporées dans les modèles linéaires qui coule. Walkowitz est mieux connu, cependant, pour ses idylles expressionnistes des hommes et des femmes et à l'extérieur des enfants, incarnant un simple amour de l'humanité, et en parlant en ligne sensible et la couleur lyrique.

Ces premières manifestations de ce qui a fini par être appelé l'expressionnisme abstrait (dans de nombreux cas un terme plus précis serait abstraction expressionniste) s'est produite avec peu ou aucune influence de son homologue centrale européenne, l'expressionnisme abstrait du groupe Blaue Reiter. Une exception a été le cas de Marsden Hartley, qui, dans ses trois ans en Allemagne entre 1912 et 1915 est entré en contact direct avec le groupe et en particulier avec l'œuvre de Kandinsky. Pour Hartley qu'il a eu une influence libératrice, stimuler à peindre de grandes compositions audacieuses en couleur puissante, presque enfantins dans leur franchise et la simplicité, mais magnifique dans l'impact décoratif. Un peu incongrue pour un artiste de tempérament Hartley, ils ont incorporé fsymbols du militarisme allemand actuel: drapeaux, croix de fer, et les couleurs nationales allemandes - rouge, blanc et noir. Hartley était de passer par les phases ultérieures de résumé sur les avant de retourner à l'expressionnisme figuratif vers 1920.

Des formes plus autochtones de l'abstraction étaient ceux d'Arthur G. Dove et Georgia O'Keeffe. Année de Dove et demi en France en 1907 et 1908 a été la plupart du temps passé à l'extérieur de peinture, loin de Paris, et, comme avec Marin, c'est après son retour en Amérique, et par Stieglitz, qu'il est venu en plein contact avec la modernité et fait évoluer son caractère individuel. L'art de Dove était proche de la terre; ses motifs ont été dérivées de la nature, ses formes de ceux des arbres, les animaux, les nuages. C'était une très personnelle de style: libres formes rythmiques, audacieux modèles plats, des harmonies résonantes terreux - une expression d'origine, pas des écoles, un produit de l'émotion vécue. Il était l'un des premiers dans ce pays pour créer de pures abstractions; plusieurs petites huiles datant dès 1910 étaient curieusement parallèle aux travaux en cours de Kandinsky, mais avec pas d'effet connu. Bien que toujours en conservant ses sources directes dans la nature, Dove est resté cohérent dans son style abstrait ou semi-abstrait.

Pour Georgia O'Keeffe abstraction était aussi une langue de plus en plus personnelle de la nature. Cet enseignant éclairé Arthur Wesley Dow (qui avait également enseigné Weber), avec ses principes de conception basés sur l'art oriental, avait ouvert les yeux sur la fausseté de naturalisme académique: mais ses premières créations indépendantes (une série de dessins en 1915) étaient déjà marquée par une vision originale. Alors que la plupart de son travail de représentation a été, dès le début, elle a également produit des abstractions, certains aussi pure que la peinture. Les deux modes sont de même essence: à la fois dans la conception a été audacieuse et efficace, l'équilibre des masses exactement prévu, le style tout à fait clair et précis. Pourtant, il y avait toujours un élément de l'énigme, un sens des profondeurs sombres derrière la surface brillante.

Le premier mouvement abstrait aux Etats-Unis a duré de 1912 jusqu'à 1920 environ. La plupart de ses praticiens est revenu plus tard à des styles plus de représentation, le plus souvent expressionniste. Seuls quelques-uns - Dove, Stuart Davis, et les jeunes hommes comme Calder, Noguchi, et Gorki - est resté fidèle à la croyance abstraite. Cet appel durée relativement courte être attribuée à plusieurs facteurs. En Amérique art abstrait n'était pas, comme en Europe, le produit de la longue évolution historique. Les modernistes américains ne se sentait pas, comme beaucoup de leurs collègues européens que l'art figuratif a été terminé, et que la direction était valable uniquement vers l'abstraction. Notre monde de l'art, juste après avoir été brutalement réveillé de son sommeil académique, n'était pas encore prêt pour un départ si radicale de la tradition. La plupart des artistes américains encore ressenti le besoin de relation plus directe avec les réalités. La nouveauté de l'abstraction, et la logique et la pureté de sa philosophie, avait fait appel en particulier aux jeunes, mais de nombreux artistes comme ils ont grandi et plus ont été tirés en arrière à la représentation, avec toute sa richesse de valeurs associatives.

Dans le début des années 1920 est venu l'inévitable réaction contre les formes avancées de la modernité. En plus de la déclaration à la représentation, il y avait un intérêt ravivé dans la scène américaine, et une préoccupation nouvelle à fort contenu social. Pour plus d'une décennie - les années 1920 et au début des années évoquant les années 1930 - styles avancés étaient beaucoup moins en évidence ici qu'à l'étranger. Ce n'est qu'au milieu des années 1930 n'a la deuxième vague de l'abstraction, sur lequel nous sommes toujours à cheval, commencent à se rassembler vigueur.