mercredi 9 mai 2012

L'expressionnisme Abstrait ou l'Action Painting

Vega-Nor




Vega-Nor

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Vasarely, Victor


25.375 in. x 26.125 in.

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L'expressionnisme abstrait, parfois appelé l'action painting ou l'école de New York, est le mouvement de l'art premier Américain d'origine d'affecter profondément toutes les parties du monde où les concepts modernes de l'art existe, de Paris à Tokyo. Il a modifié plus profondément encore la géographie de notre propre art au cours des quinze dernières années, tant par le nombre d'adeptes qu'il a su attirer et par les vives réactions contre elle, qui elle a inévitablement générés. Comme nous l'avons vu dans les chapitres précédents, il a également créé un nouveau genre de la peinture figurative qui intègre certaines de ses méthodes et attitudes. Peu de nos artistes vivants n'ont pas été affectées par celle-ci d'une manière ou d'une autre.

Les sources de l'expressionnisme abstrait sont nombreux. Il a hérité des formes antérieures de l'abstraction d'un rejet de l'objet et la croyance en la primauté du milieu: Un tableau est un objet à être vécue uniquement en termes de ses propres lois, sa propre structure, il ne doit jamais être une illustration, le surface plane de l'image doit toujours être préservée. Mais il a rompu avec le cubisme et d'autres types formels de l'abstraction en désavouant tout intérêt esthétique. Au lieu de cela, il a fallu du surréalisme une foi dans l'orientation de l'esprit subconscient, et il cherchait un moyen de transférer ce directement à la toile de la manière la plus pure et la plus intense possible.

Il a constaté l'imagerie fantastique du surréalisme frivole, mais elle a adopté la théorie surréaliste de l'automatisme et l'a appliqué d'une manière totalement abstraite, en confiant à l'spontanée et non préméditée geste de la main et brossez l'expression de tout ce qui les forces intérieures déplacé. La toile est devenue, dans la définition de Harold Rosenberg, un champ ou champ de bataille sur lequel l'artiste a agi sur un drame de son propre état d'être (d'où «l'action painting»). Il a découvert des sanctions pour cette approche dans les premières abstractions de Kandinsky, les plus tardives de Miro et de Matta, mais il a poussé l'automatisme et un biais anti-esthétique à des conclusions plus extrêmes.

Il est évident que l'expressionnisme abstrait est un mouvement profondément introspectif, car il n'est pas concerné (du moins en théorie) avec une interprétation du monde extérieur, mais seulement avec de l'artiste de la vie intérieure - même si cela est inévitablement affecté par ses expériences externes . De toutes les accusations qui ont été portées contre lui, celle de la «déshumanisation» semble plus vide, car c'est un art qui s'enracine exclusivement dans l'esprit et l'esprit de l'homme. Il a été accusé plus légitimement d'être un art privé qui ne parvient pas à communiquer facilement, sa vie privée est indéniable, son degré de communication dépend en grande partie sur le spectateur, mais est certainement moins précis que dans les peintures qui s'appuient sur les associations communes. Cet élément de la vie privée, qui est au cœur de son caractère, a également fait l'un des styles les plus maltraités de nos jours, exploité par une multitude de manipulateurs de peinture ineptes qui prétendent le privilège de la liberté absolue, il offre à l'auto-expression, sans accepter la discipline et l'auto-examen rigoureux qui ont été si clairement impliquée dans le travail de ses praticiens de premier plan.

Comme dans tous les mouvements, les généralisations comme celles-ci appliquent rarement entièrement à n'importe quel artiste un. Gorki, discuté dans le chapitre précédent, ne peut guère être appelé un expressionniste abstrait en raison de son utilisation persistante des formes naturelles et ses préoccupations esthétiques, mais il fut un précurseur important dans le domaine de l'introspection et les associations irrationnelles. Mark Tobey est dans une relation semblable au mouvement, mais dans son cas, il a été l'innovation technique de son «écriture blanche», développé en 1935, qui a fait un chemin vers l'expression par une calligraphie personnelle. Lui-même Tobey, mais un mystique, a généralement été préoccupé par l'interprétation des faits et des forces en dehors de lui. Ainsi le champ universel a été inspirée par sa première visite à un aéroport, lorsque «j'ai senti la rapidité des communications en ce jour et a tenté de symboliser dans l'espace et l'accent des messages qui animent le monde», tandis que dans la Nouvelle Vie (la Résurrection), les masses grises symbolisent «vieille terre, avant et sur lequel la danse des figurations élémentaires de la vie nouvelle." Donc, consciente d'un symbolisme, même si privé, est étranger à l'expressionnisme abstrait, mais Tobey continue, la ligne de filetage, dont il tirait de la calligraphie chinoise et qui semble se déplacer avec une vie presque indépendant de sa propre, anticipe par une décennie, le linéaire des bandes Pollock était de tourner.

Mais il était de Jackson Pollock, plus que tout autre artiste, qui a donné la définition de l'expressionnisme abstrait et qui l'a mis en place (dans l'œil du public, du moins) comme le plus révolutionnaire des mouvements avant-gardistes. Diffusion de grandes toiles sur le sol, Pollock appliquée maison peinture et de pigments métalliques à partir d'une batterie de boîtes de conserve, parfois jeter ou d'égouttement Salut, l'odeur sur des bâtons, parfois, il y versant de l'directement et de le laisser fonctionner en modes accidentels. De temps en temps, il a utilisé le pinceau plus classique et un couteau palette, mais pour la plupart, il a constaté que celles-ci entravent les gestes spontanés de son bras sur lequel il s'appuyait. Tout sur sa méthode suggère une spontanéité débridée et de l'automatisme, et pourtant les résultats étaient tout à fait différent de ce que l'on aurait pu s'attendre. Pour ces images ont une intensité du rythme, une des séquences ordonnées de la complexité de repos et d'explosion, et ce Alfonso Ossorio justement appelé une «splendeur immédiate." Ils ont aussi une étonnante variété, allant d'une sorte de férocité de fer barbelé pour la mise en flottement, l'humeur lyrique de numéro 27, illustré ici. Ils suggèrent qu'un contrôle plus conscient du milieu a été exercé que par la méthode de Pollock semble indiquer, que les effets accidentels incidents se sont produits sur lesquels il construit, et que l'automatisme a été moins importante que la lutte angoissante pour imprégner la ligne et la couleur seule avec une violence nue de sentiment.

Style personnel Pollock n'a jamais été imité avec succès. Hans Hofmann, pour sa part, a eu une influence beaucoup plus large, tandis que Willem de Kooning, peu après son premier one-man exposition, en 1948, est devenu une figure de proue du mouvement. Certains autres qui y ont adhéré au cours de la décennie de Motherwell dans les années 1940: Robert, Richard Pousette-Dart (quoique un peu en dehors de la ligne principale de développement), Theodoros Stamos, Adolph Gottlieb, Bradley, Walker Tomlin, et Franz Kline. A partir de 1950, il a grimpé plus rapidement, mais aucune étude n'a encore été faite pour établir la chronologie précise de son développement. Tout ce que nous pouvons tenter ici est de souligner quelques-unes des orientations qu'elle a prises et comment elle a été partiellement transformé par certains artistes dans un art moins introspective avec une nouvelle orientation vers l'imagerie.

Bien que l'expressionnisme abstrait permet la liberté de l'artiste complet dans le choix de ses méthodes formelles, en pratique, il a mis en place trois dispositifs principaux dont la majorité de ses praticiens ont utilisé isolément ou, plus souvent, dans diverses combinaisons. L'un d'eux est une calligraphie personnelle, comme celle de Tobey et Pollock. Un deuxième est le coup de pinceau expressif, comme Hofmann ou De Kooning. Un troisième est l'utilisation de formes amorphes et des taches de couleur, parfois accidentelle, parfois contrôlés, qui était un élément important dans l'œuvre de Gorki.

Parmi ceux-ci, l'approche calligraphique pourrait bien être le plus difficile, et certainement il a attiré moins d'artistes que les autres. Vers 1948, Adolph Gottlieb a commencé à peindre une série de toiles linéaires qui ont fini par atteindre une complexité labyrinthique et qui semblent avoir eu une influence considérable sur d'élégantes arabesques Bradley Walker Tomlin. Au cours des mêmes années, cependant, Gottlieb a été également à expérimenter de mystérieuses formes flottantes, comme les cercles irréguliers et les places de The Sounds congelés, Numéro 1, et ceux-ci a fini par devenir plus important pour lui. Il était Franz Kline, à partir de 1949, qui a fait l'utilisation la plus impressionnante de la calligraphie en l'élargissant à des proportions monumentales et en limitant sa palette à Stark en noir et blanc oppositions. Ses grandes toiles, telles que Mahoning, sont vidés de toute l'élégance ou la qualité décorative et avoir l'impact d'un marteau. En revanche, les modèles de beaux Kenzo Okada, avec leurs lignes délicatement floues, la calligraphie de retour vers ses sources orientales, quoique d'une manière purement contemporain.

La gamme d'expression par des moyens essentiellement linéaire s'est révélée très bien, mais la gamme d'expression à travers le personnage de la brosse course-sa forme, de la direction, le poids et la texture - a été encore plus grande. James Brooks, en Rasalus, par exemple, a construit une image presque entièrement à partir de frappes disparates qui se démarquent les uns des autres, rarement chevauchement, touchant à peine ici et là le long de leurs bords déchiquetés. Ils sont comme des sentinelles à distance dans les rangs statiques et seulement de temps en temps de rupture dans l'action. Paul Burlin utilise presque aussi précise un accident vasculaire cérébral, dans un contrepoint avec la ligne, mais il définit les deux éléments en mouvement turbulent. Ils fléchette sur la collision en toile, en s'arrêtant, repartant avec une énergie infatigable, qui semble presque être inhérente à la peinture elle-même. Par rapport à l'ampleur du traitement dans ces œuvres, Dial Philip Guston semble retirée, complexe et infiniment subtil. C'est comme si le pinceau de l'artiste avait sans cesse sondé la surface, à la recherche de son chemin à travers les nuances les plus délicates du toucher et de couleur jusqu'à ce que il est apparu avec les zones plus audacieuses mais toujours étrangement provisoire de rouge dans le centre. Bien que tout aussi délicates, Genie Milton Resnick est plus détendu, plus lyrique dans le sentiment. Ici, les coups se déplacer dans l'autre dans une sorte de gribouillage d'animation, la création d'un réseau de couleurs pâles qui piège la lumière comme une toile impressionniste. Encore d'autres manipulations se trouvent dans les coups ascendants sinueuses du Territoire Bleu Helen Frankenthaler ou les flèches comme en Duo Jack Tworkov, je, avec leur variété de poids et de la transparence.

Le troisième dispositif de l'expressionnisme abstrait - l'utilisation de formes amorphes ou irrégulière - est évident dans la plupart des peintures décrites ci-dessus, mais il peut être observé plus clairement encore dans le travail où le personnage de coups de pinceau individuels est subordonnée à des formes qu'ils construire. Que ces formes naissent des associations dans l'esprit de l'artiste avec un sujet précis ou si elles proviennent d'un domaine de mouvement général de sentiment et d'émotion, le mystère de leur incarnation est égal. Ils semblent se développer à partir de l'inconscient avec une sorte de fatalité biologique. Parfois, ils sont extrêmement simples, comme les bandes irrégulières et les places de couleur palpitante qui donnent œuvre de la maturité de Mark Rothko (au plus tard la peinture illustré) dont la qualité hypnotique. Dans Adja Yunker de grande pastel, Tarrasa, XIII, ils se lèvent avec une présence de plus romantique - masses vagues et de mauvais augure qui traînent à l'arrêt des points dans insubstantialité. Dans Œdipe Ethel Schwabacher à Colone de, numéro 2, ils semblent se déplacer et se dissoudre dans l'autre avec la splendeur de formations nuageuses. Ils peuvent être en terre et lourd, comme dans certains tableaux de Robert Motherwell ou Enrico Donati Gore et Mandra, avec ses massifs, blocs texturés de peinture. Parfois, ils ne sont pas du tout amorphe; collages Conrad Marcarelli de, par exemple, sont assez tranchant et précis, mais malgré tout sont dotés d'un regard étrangement symbolique. D'autres artistes se combinent dans le fluide même toile et les formes concrètes; Theodoros Stamos "

Neige haut - en bas Sun, II bat deux solides barres noires avec une masse sombre et humide et une éruption flamelike de rouge. Là encore, le modèle peut ressembler à des formes organiques de la croissance, comme dans John Ferren de The Garden, ou les configurations du paysage, comme dans la tempête Angelo Ippolito. La découverte de cette ligne, le mouvement pinceau, forme abstraite, et la couleur peut incarner impulsions qui ne sont pas principalement d'ordre esthétique est la réalisation singulière de l'expressionnisme abstrait. Dans sa forme la plus pure qu'il a exigé de l'artiste un degré presque surhumaine de l'introspection et la concentration afin de parvenir à l'expression la plus directe de la partie la plus profonde de soi. Dans ce processus, la toile et la peinture ont assumé une réalité qui semble ultime et essentiellement inexplicable. L'artiste a été consommé par son art dans une sorte d'union mystique. Peut-être c'est une des raisons pour sa réticence à parler de ses objectifs en des termes autres que ceux de l'acte de peindre. "Mon désir est d'être aussi profondément dans la peinture que possible»

Jack Tworkov écrit, «sans être titulaire d'une position préparée ou de maintenir toute préconçue ... l'attitude. Pour faire l'expérience, pas de la peinture en général, mais chaque image particulière aussi profondément que possible est mon désir." Lorsque James Brooks note que Rasalus évolué à partir de "pas de thème ou une idée», mais mois nécessaires pour amener à l'unité, ou lorsque Milton Resnick dit qu'il a nommé son Genie image ", car à un certain moment avant qu'il ait été terminé, la peinture elle-même avait une façon de regarder en arrière de moi, "ils parlent de la même position. Richard Pousette-Dart a été plus explicite: «L'art est toujours mystique dans son sens final, c'est la structure qui se lève par la présence et la signification de sa propre réalité... C'est ma conviction que la réalité ultime ne peut être atteint par un passionné, ardent de la dévotion à son travail. "

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