Peinture Abstraite en France

Glow I

Art Print

Hibberd, Randy


35 in. x 37 in.

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Depuis l'époque de l'impressionnisme, la peinture a montré des preuves de vitalité, de la puissance inventive, d'un esprit de découverte qui sont admirables, et peut à première vue sembler inépuisable. Nous savons bien la série des transformations qui ont eu lieu à travers les divers mouvements et parfois contradictoires: une prise de conscience de ses propres pouvoirs qui ont conduit la peinture vers l'abstraction logique. En fait, seule une vue superficielle-point serait considérer le début de l'abstraction comme un accident. Au contraire, il a été le résultat (je dirais même le résultat prévisible) d'une libération de «la peinture par la peinture" qui a commencé avec la liberté de la couleur par les impressionnistes - avant même que de Turner, Delacroix, et quelques autres encore plus éloignées de nous.

Il convient de noter, cependant, qu'il était avec les impressionnistes que le tout a vraiment commencé, c'était eux qui ont entrepris la libération de la «couleur; ils ont rejeté le« sujet »; ils ont abandonné pompeuses scènes historiques de consacrer leur attention à la plupart de la aspects ordinaires et tous les jours de la nature, voyant l'arbre comme une simple masse de couleur, ils ont été sans cesse en décomposition et de recomposition de ces couleurs sur un fond de changer (avec aussi divers teintes) que l'on appelle le ciel. Van Gogh et Cézanne en outre minimisé l'objet, la peinture artificiel au lieu de vraies fleurs, ou même une paire de souliers usés. J'imagine que vous conviendrez avec moi que un tel mépris pour objet a incontestablement marqué une époque où celui-ci se verrait refuser complètement, quand les hommes prennent conscience de la puissance spécifique de la couleur que la couleur, ou le rythme que le rythme, et de formes que les formes.

Mis à part le cubisme, dans lequel la connexion est trop évident, je pense que Picasso le génie-manie de l'assassinat de l'apparence des choses (pour leur donner une supra-comparution à la place) a pris fin non pas avec la négation, mais plutôt avec l'exaltation de la Sujet du message: l'effort ultime, le saut final de l'objet pour nous tenir. Depuis sa période cubiste, tous les travaux de Picasso a exprimé la dernière tentative, le dernier cri de la nature pour nous attirer vers elle, de la même manière que certaines personnes se suicident à attirer l'attention sur eux-mêmes. Cet effort fascinante et moqueur est l'un des aspects les plus gagnantes de l'œuvre de Picasso.

La tension volonté et spirituelle qui a permis aux premiers peintres abstraits de penser en termes de «l'abstraction et d'acquérir une technique appropriée pour la peinture à la langue roman psychologique, était vraiment formidable. Jour après jour, qu'ils avaient à faire tout leur possible afin de renouveler et de développer l'échelle de leur nouvelle expressive des moyens, qui, dès qu'il a commencé, a été menacé de sclérose en plaques et de la gratuité, car il y avait un risque de «répétition» et de «recette '.

Pourquoi ne pas admettre que cet effort soutenu vers le renouvellement constant et l'invention de formes, qui était leur principale préoccupation, a - Je ne dirais pas empêché -, mais plutôt leur interdit d'approfondir et d'allonger leurs découvertes avec un maximum d'intensité et de l'éloquence?

À l'heure actuelle, où la peinture abstraite démontre qu'il a à sa disposition un clavier expressif aussi large et aussi éloquent que celui de la musique ou la poésie (en proportion de son propre domaine, bien sûr), je crois que les artistes modernes ont maintenant l'occasion de profiter de toutes les possibilités offertes. Le peintre est aujourd'hui libéré de cette corde d'étouffement qui est la menace de réapparition inattendue de la nature, il peut annuler sa volonté même de peindre, l'obligeant tous les jours pour pratiquer de nouvelles inventions dans l'ordre à son déflecteur et de se libérer. C'est ce qui explique l'apparence schématique de certains travaux; par un schéma, je veux dire dépourvue de poésie. Dans de tels cas, l'invention a précédé l'impulsion intérieure, l'intention qui a précédé l'émotion. Mais nous savons de telles tentatives étaient une réponse à une nécessité vitale. Nous ne savons que trop bien que c'était une question de «vie ou de mort" ne pas être touché par elle. Si elles font défaut dans cette poésie qui semble maintenant tout à fait naturel à la peinture abstraite, un tel travail porte néanmoins un reflet émotionnel de cette lutte.

Nous sommes amenés à tirer une conclusion de ces faits: être capable de respirer une atmosphère abstraite qui est au moins respirable, nous autres peintres modernes sont maintenant en mesure d'exploiter avec un maximum d'intensité tous les «offert» les possibilités. C'est ce que je voulais dire quand je l'ai dit: Je suis convaincu que notre époque est l'un de l'approfondissement et l'allongement.

Certains artistes, tels que moi-même et la grande majorité des peintres français - peut-être plus impressionné par les leçons de clarté, d'équilibre, de l'éloquence contrôlée, que nous devons à la période la plus récente de l'œuvre de Kandinsky, Kupka à, Mondrian, Van Doesburg, et Delaunay, ou plutôt, comme en Amérique à l'heure actuelle, beaucoup sont attirés par Kandinsky première période plus impulsifs, ou par l'expressionnisme Marc ou Macke, mais ce n'est pas le point. Ce n'est pas ma tâche ici de juger et de comparer ces différentes tendances, je serais très heureux si les critiques, directeurs de musées, collectionneurs, amateurs d'art et même ne serait pas juger trop systématiquement non plus. À mon avis, pas de réelle distinction peut être faite sur le niveau des apparences formelles, mais seulement sur la base de la poésie contenue dans le travail. Pour me faire comprendre, je tiens à souligner que, pour moi, il ya deux catégories de la poésie dans la peinture: la première - la poésie de la figuration, qui est la poésie des associations quotidiens - La poésie de l'arbre comme un abri, l'ombre, ou Rendez-Vous sur place.

Ce genre de poésie est composée de tous les souvenirs liés à l'arbre ou à des choses de notre vie quotidienne, puisque de tels souvenirs sont la raison consciente ou inconsciente pour le peintre figuratif choisir l'arbre que son sujet, il est un "must" pour lui de les redécouvrir pour peindre l'tree.There est un autre genre de poésie, celui qui est le résultat pur et sans mélange de l'art plastique picturale. C'est la poésie qui se dégage de couleurs assemblées en rythmes - de formes, de lignes, des contrastes, des harmonies, des textures. Une telle poésie appartient à la peinture abstraite de la même manière que la poésie appartient à la musique, ou même à la poésie elle-même.

Une telle poésie est une caractéristique dans chacun de ces différents arts, dont les limites sont fixées par celle-ci; il est, en fait, l'expression spécifique de ces arts. Mais si la moindre confusion, le moindre compromis lieu, puis l'ensemble de la construction poétique va s'effondrer pour faire place à une exposition simple des sentiments, un exercice de ce communications.In à la peinture abstraite actuelle en France (ou plus précisément, Paris), il semblerait que le phénomène indéfinissable et pourtant bien réelle connue sous le nom «Climat de Paris continue favorable pour un grand éventail de talents et de tendances. Talents de nationalités qui sont parfois variés, mais toujours dans l'esprit parisien et les tendances qui sont parfois opposés, mais jamais irreducible.Three grands courants sans frontières bien distinctes semblent se diviser la peinture moderne en ce moment:

1. La tendance constructiviste (pas nécessairement géométrique).
2. Le expressionniste (pas nécessairement tachiste).
3. Le semi-abstrait (qui surgit principalement de l'impressionnisme).

Dans la tendance constructiviste, il faut placer parmi les anciens combattants: Herbin (géométrique), Gorin (l'neoplasticist dernière faisant foi), et Sonia Delaunay. L'équipe de Robert et Sonia Delaunay a fourni un exemple unique de osmose créatrice, qui a trouvé un prolongement naturel dans le travail de Sonia Delaunay. Magnelli, un Italien de naissance, dont l'influence sur la jeune génération est incontestable, et dans son cas, comme avec de nombreux jeunes artistes, le terme ne signifie rien, pas plus géométrique. Et enfin la nouvelle génération: Deyrolle - celui dont le travail est la plus pleine de nuances, alors que Vasarely est le plus pur, Mortensen très sensible, Pillet (sans commentaire), et Dewasne le plus jeune et le technicien le plus intransigeant.

La deuxième tendance a une note caractéristique qu'il est un peintre d'origine allemande qui dirige la liste, Hans Hartung (bien que naturalisé français). Si sa réputation en Amérique est dépassé par certains jeunes artistes, tels que Mathieu ou Soulage, par exemple, son travail par sa plénitude et la force domine l'ensemble du groupe. Lacasse, Ubac et Le Moal, Schneider, d'origine suisse, et Poliakoff qui est né en Russie ainsi que Lanskoy: et enfin, à la fois Chapoval et de Staël sont à la fois si récemment décédé que je ne peux omettre de mentionner eux aussi. Voilà donc enfin le troisième tendance: Bissière a longtemps été méconnue par le public et galeries, mais son influence a été considérable; Bazaine, Estève, Manessier, Singier, Atlan, Vieira da Sylva ...

Naturellement, cette liste n'est en aucun cas exhaustive, et il n'y a pas eu de prétexte à n'importe quel panorama complet et final de l'actuelle peinture à Paris. Mes classifications sont, selon toute probabilité inexactes aussi, comme le sont toutes ces tentatives pour classer. Poliakoff, par exemple, pourrait être mis dans la première tendance, Estève dans le second - si je faisait référence à son travail le plus récent, et Lanskoy pourrait aller dans le troisième, etc

Avais-je ajouter à cette liste tous les noms que j'ai malheureusement oubliés et dont le travail à l'avenir pourrait me mettre dans l'embarras, et si je mis pour la prochaine génération, que j'ai volontairement omis afin de ne pas diffuser les classifications trop loin, mais dont les noms à l'avenir peut briller encore plus vives, je pense que je peux affirmer que le développement française picturale d'aujourd'hui est aussi riche et significatif que les mouvements du passé. Moins explosif, moins «de la sensation», il marque un temps, pas de découvertes spectaculaires, mais de la recherche en profondeur.

Je reviens maintenant à ma prémisse initiale - un rectangle de couleur à plat pur - si elle a été inspirée que par la mémoire d'une table - n'auront pas la poésie particulière et pure pour laquelle nous sommes à la recherche. Ce serait tout aussi vrai d'une surface de textures tourmentées qui nous donne seulement l'idée d'un rocher, des sous-bois, ou d'une plage couverte de lichens et de coquillages. Mais cela signifie aussi que un rectangle de couleur peut très bien contenir toute la peinture-poésie, nous recherchons des - tout aussi réussi que la forme tourmentée d'une texture érodé.

À l'heure actuelle, car il a été établi que les distinctions qualitatives peuvent être faites, non sur la base des apparences formelles, mais sur la base de la pureté poétique qui fait de son contexte, et maintenant que le sol brisé par nos prédécesseurs est grande ouverte pour nous , nous devons conclure en disant que les moyens d'expression semblent être de plus en plus l'infini, même si - comme nous devons admettre - toutes les recettes de la peinture contemporaine des premières recherches abstraites. En effet, ce moyen d'expression infinie attire richesse infinie de ces possibilités d'approfondissement et de l'allongement.

La tâche des premiers peintres abstraits était de prouver l'existence de la peinture abstraite. Notre propre tâche est de prouver que la peinture abstraite est ni restreinte, ni limitée, que ce n'est pas une simple tendance ou à l'école, mais de façon autonome d'expression, si conscient de son autonomie et de ses pouvoirs qu'il ne peut refuser tout compromis.