Le Cosmos est un Organisme

Metro Heights

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Dupré, Karen


48 in. x 24 in.

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Il n'ya pas de loi, cependant, qui exige de l'artiste abstrait pour peindre des tableaux qui sont sans sujet, sauf pour le rapport entre l'auto et de la toile. Pollock, De Kooning, et Hofmann ont tout cassé à certains moments dans l'imagerie. Aujourd'hui de nombreux peintres qui restent tout à fait abstrait dans leur approche beaucoup, néanmoins, avec des thèmes et sujets spécifiques en dehors de la sphère personnelle. Donati Gore et Mandra a été inspiré par la légende mandragore et a son aura sombre de la magie et la superstition. Œdipe Schwabacher de capture précisément l'ambiance lumineuse de la description de Sophocle de sa mort, qui «n'était pas avec des lamentations, ou dans la maladie et la souffrance, mais, au-dessus d'un mortel, merveilleux."

D'autres artistes ont franchi une nouvelle étape ou deux plus loin de l'abstraction pure et ont utilisé une symbolique (plutôt que naturaliste) des images pour faire face à leurs sujets. Nature et les humeurs de la nature ont donc renvoyé à un art qui a longtemps bannis. Neige Haut Stamos "- série soleil bas est basée sur les pensées de l'équinoxe, le soleil, neige, ciel, ligne équinoxiale, sont tous présents et reconnaissables, bien que dans la configuration abstraite. Parfois, cette nouvelle imagerie se glisse dans inconsciemment, comme il l'a fait dans le Territoire du bleu Helen Frankenthaler, qui elle a peint pendant un certain temps avant qu'elle ne devienne conscient du fait que la forme de celui-ci et un arbre "moodwith-paysage» avait envahi son travail.

Ou l'imagerie peut commencer avec un objet conscient et se développer en quelque chose de différent dans le processus de réalisation; Tempête Ippolito a commencé comme un paysage de printemps des couleurs délicates, "mais comme l'été avançait ... les rouges est devenu plus fort, les jaunes plus lourd, la peinture plus rigide, les formes décalées, "jusqu'à ce que il a fini comme une sorte de symbole de l'ensemble« cycle de printemps à l'automne et son effet sur moi. " Dans leur dépendance à l'égard impulsions subconscientes libérés par l'acte de peindre, ces artistes restent fidèles à l'approche abstractexpressionist, mais dans leur acceptation de l'imagerie et de leur volonté de le poursuivre jusque dans ces domaines traditionnels comme la peinture de paysage, ils ont donné au mouvement une nouvelle l'orientation.

Ceci est plus important qu'un simple élargissement de l'objet, car il a rompu la coquille de l'introspection extrême qui était à la fois la force et la limitation du mouvement. En tournant les yeux vers l'extérieur pour d'autres hommes et à des aspects matériels de l'univers, l'artiste a ouvert la voie à de plus grandes zones de l'expérience (et peut-être de la vérité spirituelle) que sont comprises dans les limites de l'auto. «Ce n'est pas en négligeant la matière, mais en l'imprégnant de la vie que nous faisons apparente de l'esprit», comme écrit Ferren. Que ce qui peut être fait par les méthodes abstraites et intuitive inhérents à la circulation a déjà été démontrée, mais les nouvelles avenues restent encore largement inexploré. Le temps seul nous dira si elles conduisent à une impasse ou une nouvelle aventure.

Tant que la sculpture est restée attachée à ses techniques traditionnelles de la sculpture et de la modélisation, il a été lié par leurs limites - par la forme et le poids du bloc ou les possibilités structurelles d'une armature. Bien qu'il a fait une vertu de ces nécessités et a développé une "sculpturale" esthétique de la nature de ses méthodes et de matériaux, il n'a jamais été aussi libre que la peinture, même si, dans ses grandes périodes, elle était plus forte. La révolution qui a brisé les concepts traditionnels de la sculpture provenant de l'étranger avec les constructivistes et opéré un changement qui allait bien au-delà de leurs propres objectifs, qui étaient principalement formelle. Néanmoins, ce sont eux qui ont démontré que la sculpture pouvait être construit directement à partir de matériaux non conventionnels tels que le métal, le plastique, et le fil par des méthodes techniques modernes telles que le soudage, la soudure et brasage. Il est resté pour une jeune génération d'artistes de transformer cette découverte dans une direction plus romantique, qui a effectué la sculpture encore de ses traditions et a l'a rapproché de la peinture dans sa liberté et la variété des effets.

En Amérique, David Smith et Ibram Lassaw étaient tous les deux pionniers dans ce développement à partir de début dans les années 1930. Il n'était pas jusqu'à ce que les quarante moyennes, cependant, quand Ferber, Hare, Lipton, et Roszak tous rejoint la tendance, qu'il a commencé à prendre sur les aspects d'un mouvement. Il est presque exactement contemporain, donc, avec le développement de l'expressionnisme abstrait en peinture - à laquelle, en effet, il est étroitement lié. Pour des raisons purement pratiques, l'automatisme est moins applicable à la sculpture qu'à la peinture, mais les œuvres de ces hommes semblent avoir été formé, dans une certaine mesure, par préméditation impulsions libérés dans le processus de création. Effets accidentels dans le goutte à goutte de métal fondu ou les modèles de couleur faites par la chaleur de la torche ne sont pas contrairement à ceux de la peinture versé ou éclaboussé. En outre, la calligraphie des peintres a sa contrepartie dans les modèles gratuits linéaires qui une grande partie de cette sculpture décrit dans l'espace, tandis que l'utilisation de formes amorphes et mystérieusement évocateur est commun aux deux. Néanmoins, la sculpture a ses propres problèmes et le caractère unique - même quand il est libéré à partir des méthodes traditionnelles.

Ce sont inhérentes non seulement dans son caractère tridimensionnel, mais aussi dans la gamme des matériaux aujourd'hui disponibles. Étant donné que chaque matériau a ses propres propriétés et que ces propriétés tactiles et effectuer les associations psychologiques (par exemple, la dureté de l'acier, la légèreté des plastiques transparents), le sculpteur face à des questions de la pertinence du milieu de forme qui sont plus complexes que dans la peinture, mais son vocabulaire technique est proportionnellement plus large.

Comme certains expressionnistes abstraits-peintres, certains de ces sculpteurs penser et de travailler principalement en termes de la manipulation de leur matériel. Ainsi Sa bert Ferber dit de son roues Sun, «Les formes et les formes sont choisis, les surfaces utilisées, les directions indiquées, dans une tentative pour animer l'espace décrit avec enthousiasme et la tension." Le toit au dessus est uniquement un dispositif de «donner un sens de la compression de l'espace." La roue solaire n'a pas de signification symbolique, il est utilisé parce que son tournoiement, poussant forme contribue à la conception dynamique. De même, Lassaw estime que Procession "montre une plus grande facilité [qu'auparavant] dans l'utilisation de divers métaux et couleurs (une croissance dans la compréhension de la nature de ces matériaux et comment ils veulent être en forme)."

Son titre donne idée de ne plus Ferber, il a été donné à la pièce seulement après qu'il a été terminé, "parce qu'il m'a semblé un peu comme une procession." Pourtant, il ne fait aucun doute que les formes libres de chacun de ces artistes utilisent ont un «sens» (peut-être inconscient) au-delà de leur fonction esthétique. Les reflets brillants en laiton poli Ferber et le cuivre, la vigne organique et formes végétales qui poussent à la hausse de la forme du bassin ci-dessous, ont leurs propres connotations, comme le fait motif de Lassaw croissance plus souterraine et nodulaire. Lassaw lui-même est tout à fait conscient des forces mystérieuses qui façonnent son art. "Mon travail découle comme une plante de la nature de mon sol,» écrivait-il. «Je me sens inextricablement liée à la fois extérieurement et intérieurement dans tous les événements de l'univers. Il ya un sentiment croissant d'identification et la participation dans le processus universel ... Le cosmos est un organisme." Son art est l'expression intuitive de cette unité organique et spirituelle.

D'autres sculpteurs dans le groupe à prendre plus franche reconnaissance de la part que les sujets choisis consciemment jouer dans leur travail. Mais ils maintiennent, avec la justice, que le sujet n'est qu'un point de départ, que l'œuvre d'art n'est pas simplement ni même principalement une interprétation du sujet, qu'il existe à plusieurs niveaux, à partir du monde associatif à l'aspect purement formel. David Smith Hudson River Landscape est venu, comme il l'écrit dans le Journal du Collège d'art (d'hiver, 1954), "des dizaines de dessins réalisés sur un train entre Albany et Poughkeepsie .... Plus tard, pendant le dessin, j'ai serré une bouteille d'encre de Chine et il a volé sur ma main. Il ressemblait à mon paysage fluvial. J'ai placé ma main sur le papier.

De l'image qui restait, j'ai voyagé avec le paysage, l'élaboration d'autres paysages et de leurs objets, avec des ajouts, des déductions, des directives, qui a clignoté non reconnu dans le dessin, les éléments de qui sont dans la sculpture. Est ma sculpture de la rivière Hudson? Ou est-ce le voyage et la vision? Ou est-ce important? La sculpture existe sur son propre, elle est une entité "Seymour Lipton, un peu comme Gorki, tire souvent ses formes à partir de deux sources naturelles et anthropiques, qui deviennent liés par le processus mystérieux de l'association et émerger dans son art comme un système unifié. . métaphore Ainsi sorcier semble être en partie un homme avec les bras tendus dans l'incantation, mais il suggère aussi un totem primitif ou instruments de magie Le titre de Louise Bourgeois One and Others suggère dans un premier temps seule une étude des formes disparates, dont il est.; mais le plus on regarde la pièce, plus elle ressemble à excroissances étranges qui poussent ou se blottir les uns contre les autres; son aura est secret et effrayant Toutes ces œuvres sont très bien organisés officiellement, mais ils évoquent aussi les associations insaisissables qui ne peuvent pas être complètement expliquées par. leurs sujets ostensibles ou le manque de sujets.

Enfin, nous avons encore un autre groupe de sculpteurs qui ont déménagé encore de l'expressionnisme abstrait en ce qu'ils utilisent une imagerie très spécifique et que leurs méthodes formelles sont consciemment reliés à la communication de l'importance de l'image. Theodore Roszak est un symboliste, qui a trouvé dans les aigus, les aspects cruels de la nature, la griffe, l'épine, le bec et les griffes - une expression d'un aspect de notre époque. Son utilisation de ces formes naturelles n'est jamais naturaliste, ils passent par un processus de métamorphose et de l'hybridation avant qu'ils ne soient incorporés dans le milieu remarquablement appropriée de l'acier brasé et grêlé. On n'est jamais dans le doute au sujet de leurs allusions, qui sont directe et énergique; leur pouvoir vient de la logique de l'imagination qui les a intégrées dans ces visions convaincantes. David Hare est un autre sculpteur qui a tourné le dos à l'introspection comme source principale d'inspiration.

"On ne vit pas dans un vide personnalisé, mais avec l'ensemble, une grande, terre qui est ronde, belle, terrifiante, et joyeux», écrit-il, "et la pitié de Dieu l'homme qui tourne les yeux vers l'intérieur et sort de lui-même un rhume, infiniment forfaitaire inutile après l'autre. " Il a utilisé une grande variété de techniques, du traditionnel au moderne, et son style a varié presque aussi fortement, avec Jongleur représentant sa phase plus abstraite. À travers tout cela, cependant, il dirige une sensation directe pour son sujet et une irrépressible vitalité. Plusieurs sculpteurs plus jeunes, aussi, ont transformé les méthodes de l'abstraction au service d'une imagerie assez précis, tels que Richard Stankiewicz, qui construit spirituelles et parfois même gracieuses figures de déchets de la casse (une sorte de néo-dadaïsme), ou James Wines, dont Monade, I est inspiré par des formations rocheuses et symbolise ces êtres élémentaires dans la nature qui l'incarnent en eux-mêmes tout l'univers. Voici quelques-uns des artistes les responsables de doter la sculpture avec une polyvalence qu'il n'a jamais eu avant, une polyvalence qui lui a permis de prendre part, à peu près au même degré que la peinture, dans l'exploration d'une sphère intuitive du sentiment et d'expression.