mercredi 9 mai 2012

La Mise en Scène le Monde des Rêves

Zen Composition II




Zen Composition II

Art Print


Holitzka, Klaus


31.5 in. x 23.6 in.

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Ensuite, il ya des solutions, même au sein de l'orbite de l'expressionnisme abstrait, comme Arshile Gorky, l'un des fondateurs du mouvement, démontré. Dans ses tableaux tardifs, Gorki a travaillé simultanément sur plusieurs niveaux, parmi lesquels l'observation de la nature est toujours restée importante. Dans son récent livre sur l'artiste, Ethel Schwabacher dit. "Le travail direct devant la nature considérablement élargi sa vision. Il donna sa pleine expression de son sentiment instinctif de la morphologie des êtres vivants. Il a noté les mutations de la forme ainsi que le flux tout aussi complexe d'associations de la mémoire, et a créé des hybrides qui effarouchent, révèlent et de satisfaire. "

Utilisation de Gorki des formes naturelles était métaphorique, il faisait partie de la méthode complexe par laquelle il dramatisé le monde des rêves et les rouages ​​obscurs de l'âme humaine. Il n'est pas allé à la nature pour elle-même, mais il n'a pas l'utiliser simplement comme une source pratique d'une forme symbolique. Il a été sans cesse fasciné par la nature et l'a trouvé un stimulus essentiel à son imagination, lui donnant des suggestions pour la réalisation indispensables visuelle des états mentaux. L'art de Gorki était introspectif à un haut degré, mais dans la mesure où il a trouvé des images de ses joies et ses souffrances dans le monde autour de lui et s'en empara pour éclairer drame personnel à un niveau plus universel, il s'est échappé de l'introspection extrême du secteur privé geste.

D'autres artistes ont trouvé, tout à fait indépendamment, une solution similaire. Seymour Lipton est aussi profondément engagé à l'autonomie du milieu comme le sont les expressionnistes abstraits. ("Sculpturale réalité, est la dernière préoccupation.") Mais il a également trouvé dans les métaphores tirées de la nature d'une méthode qui, pour lui, a «semblé bon en termes d'unité ultime de la forme et d'expression." Son analyse du processus métaphorique est remarquablement précise: "En un sens, l'art et la sculpture associer la métaphore, c'est-à toute la sculpture est un domaine important réarrangé, suggéré et imaginé Tous ces participe art de la poésie Ce qui me préoccupe, c'est quelque chose de plus spécifique.. . je utiliser les suggestions de deux ou plusieurs objets dans mon expérience et de les rassembler dans la mesure où je me sens une correspondance ou interrelation en termes de certaines humeur générale de la réalité la sculpture et l'expressivité formelle. Par exemple, les ailes et le corps d'une libellule au repos senti en termes d'un avion et un escalier en colimaçon. Ils sont devenus liés pour moi en termes d'une force aérienne houleuse. Par chance, la pensée et de sentiment, ils ont grandi ensemble dans un seul objet ambigu appelé plus tard Storm Bird. Chaque aspect de lui-même était incomplète, mais ensemble, simplifié et coordonné, ils sont devenus des éléments dans une nouvelle unité. "

Le développement important de ces dernières années, cependant, n'a pas été tellement à l'exploitation de la métaphore comme il l'a dans un remaniement général, mais oblique de l'expressionnisme abstrait vers la nature pour elle-même, et dans une tendance croissante de l'artiste à identifier lui-même, à travers son art, avec les rythmes élémentaires et des forces du monde naturel, parfois même avec les modèles de son imagerie. Le mot important est «oblique», car ce n'est pas un mouvement de retour à la nature, mais une redécouverte partie subconsciente de la nature à travers une approche indirecte. Comme Kyle Morris a écrit dans le catalogue de la "Vanguard 1955" exposition, dont il a organisé pour le Walker Art Center, «Ce type particulier de la peinture ne démarre pas avec la nature et arriver à la peinture, mais au contraire, commence avec de la peinture et arrive à la nature. " Bien que l'approche est indirecte, la préoccupation est pas moins réelle. Dans les mots de Paul Jenkins, "Pour aborder la vie - la nature - est indirectement pas nécessairement retors vision périphérique est un fonds de dotation de la nature, pas une invention du diable.». Comment cela fonctionne et ses implications pour l'artiste, sont les plus clairement exprimées par la déclaration de Morris »de ses propres méthodes et l'attitude.

"J'ai récemment venus à reconnaître plus clairement l'influence de la nature extérieure ... sur mon travail même si je suis arrivé à ce par une approche inversée. Je dois mettre de cette façon. Je n'ai pas été découverte« nature »dans mon travail, mais était explorer plutôt la surface d'une toile et la peinture façons travaille sur cette surface, je ne répondait pas aux images de la nature, mais à la surface peinte Cependant, je n'ai répondre, et les images ne disposer d'un moyen de me conduire Lorsque.. ce qui s'est passé, lorsque les images ont fait le plomb, il était par leur implication plutôt que leur figuration, par le fait de leur statut de provocateur plutôt que descriptive. j'avais mis de la peinture. se déplaçant à travers la surface d'une manière qui m'intéressaient, mais a aussi créé des suggestions qui sont devenus des facteurs importants comme la peinture se dirigea vers son achèvement. Ces images et des suggestions sont insaisissables, mais ils sont aussi très puissante. Peut-être qu'ils n'ont pas laissé entendre feuilles, mais ils peuvent avoir suggéré un mouvement de flottement. Il n'y avait pas la silhouette spécifique de choses vues, mais une suggestion des forces qui façonnent ces choses-là - un sens de la mutabilité et le changement constant qui est la force et la vie dans la nature.

«Je ne peux peut-être conclure que j'avais déplacé si loin de l'objet que j'ai maintenant il a rencontré à nouveau à partir de l'autre côté de découvrir un nouvel aspect de la nature. Ce n'est pas que je suis le seul a être la nature dans l'œuvre d'art, mais dans ce transposé l'approche que j'avais découvert un nouveau segment de mon expérience qui était encore en vie, intimement vif, et très réel. Je n'étais pas retourné à la nature, mais j'ai peut-être entré dans sa porte arrière ... Cependant inattendue de l'image résultante peut être, Je ne suppose qu'il tape un réservoir commun de l'expérience humaine, et que ma propre expérience au sein de ces termes est devenu accessible aux autres. "

Dans cette approche, la nature entre l'œuvre d'art inconsciemment en réponse à l'acte de peindre, mais son influence devient conscient et a un effet variable mais ressenti sur la forme définitive de la peinture. En effet, la bataille peut être de maintenir ses aspects les plus évidents de la prise en charge trop complètement, de sorte que seule sa signification profonde et intuitivement senti vont émerger. Paul Jenkins dit: «L'expérience peinture devient visualisé dans l'acte de peindre Mais cela ne signifie nullement que je n'ai rien dans mon« chef »quand je commence une peinture Cela ne signifie pas que j'ai des visions La taille même de la toile... me dicte. Une toile blanche ne m'effraie pas, le grain de la toile me donne un indice, l'époque de l'année obtient dans l'acte, tout ce qui touche la nature est là, et il est encadré d'un véritable Pandore. Parfois, il est comme gardant une porte fermée tempête d'une main et la peinture avec l'autre. Garder le plus connu à l'inconnu afin peut entrer. " Et il ajoute, «La nature, pour moi, a plus de sens lorsque, par un état d'être plutôt que de le regarder, comme on pourrait regarder un bouillir la marmite, je suis en mesure de réaliser connaissance de significations originales."

D'autres peintres, comme Helen Frankenthaler, ne sont pas opposés à regarder la nature, ou même le croquis. Et quand ses grands tableaux abstraits sont terminés, ils apparaissent souvent à son "comme des paysages ou des panoramas, le mouvement pris." Mais ils ne sont pas peints à partir de ses croquis de la nature, et, pendant qu'elle travaille sur eux, elle est plus consciente de la forme, la couleur et de la construction abstraite qu'elle ne l'est des références naturelles. "Donc, en un sens, je pourrais dire que la nature a très peu à faire avec mes photos Et pourtant, je suis perplexe;.! Évidemment, il se glisse dans Au cours des deux dernières années, j'ai fait des peintures dans lesquelles une forme animale ou d'un nez et la bouche, des chiffres, des pommes, etc, apparaissent dans le cadre d'un tableau par ailleurs totalement abstraite. Ces images ne sont pas mis en bas pour être reconnus pour ce qu'ils sont, ils ne sont pas surréaliste. Ils semblent être des points spontanés et nécessaire de départ , souvent disparaître complètement, sur et en dehors, avant que la photo est terminée. Comme je le dis, je suis perplexe parce que je n'ai pas une idée fixe à ce sujet, et je me retrouve dans quelque chose de nouveau en termes de nature. Je pense que, au lieu de la nature ou de l'image, il a à voir avec l'esprit ou une sensation qui peut être lié par une sorte de projection abstraite. "

Peut-être la partie la plus importante de ces déclarations et de nombreux comme eux est l'identification de l'artiste de lui-même, à travers son art, avec la nature - qui est, avec un ordre plus vaste et plus impératif de choses que moi seul - et la croyance que son corollaire l'art est l'expression de l'expérience commune accessible à d'autres. Une autre citation, d'une déclaration de Richard Pousette-Dart, peut servir à insister sur ce point à un niveau plus philosophique: "La seule relation de ma peinture à la nature est tout simplement à travers moi comme une partie mystique de la nature et l'univers .... Une œuvre d'art pour moi est une fenêtre, une pierre de touche ou la porte à tout autre être humain. Il est mon contact et l'union avec l'univers. "

Les peintures qui reflètent cette réorientation générale de l'expressionnisme abstrait ont un nouveau «sens», une nouvelle aura, bien qu'ils aient changé de moins en apparence que l'on pourrait s'attendre. Ils sont encore majoritairement abstraite, en dépit du fait que plusieurs jeunes peintres, comme Helen Frankenthaler ", sont accueillants à des images naturelles si elles font leur entrée spontanément. Accident et un certain degré d'automatisme continuent de prévaloir, ainsi que celle intuitive, sans préméditation de la qualité qui est au cœur du mouvement. Ce qui est nouveau est une sensation de profond l'espace et une plus grande habitabilité, de la présence de la lumière et l'air, du mouvement des forces élémentaires plus radicales que celles de la passion personnelle. . Si ces tableaux ont perdu une partie de la phase de l'intensité émotionnelle d'angoisse du mouvement de l 'heure, ils ont gagné en ampleur du sentiment, dans le lyrisme - on pourrait même dire dans l'humanité commune.

Pas toutes ces qualités se trouvent universellement, mais ils semblent être de plus en plus répandue, même parmi les dirigeants et les fondateurs du mouvement. Au moins il n'y a, à cet écrivain, un fort sentiment d '«espace du paysage» (comme Ippolito appelle) dans des travaux récents de De Kooning et Gottlieb, forces analogues à celles de la tempête dans Laureline Kline et les eaux tourbillonnantes de grisaille océan Pollock, palpable atmosphère et une lumière rougeoyante dans les peintures tous les Guston de.

Ces analogies peuvent être totalement inconscient de la part de l'artiste; à la fois Gottlieb et Guston ont nié toute implication, mais le plus éloigné avec la nature, et il n'existe aucune preuve écrite des autres. Néanmoins, l'impression à l'observateur de telles analogies (mais certainement pas d'une interprétation directe de la nature) reste forte. Et comme le remarque Guston, «Il n'est pas toujours donnée pour moi de savoir ce qui ressemble à des« mes images étant plus conscient de mes intentions et de dissiper les doutes. "

Une autre qualité qui semble être modifier le caractère de l'expressionnisme abstrait est aujourd'hui une nouvelle sensualité, un plaisir de plus en plus la couleur, la texture, coup de pinceau. "Même le mot« beau »n'est pas aussi impopulaire que l'habitude d'être," Kyle Morris observe dans son «Vanguard» catalogue. Dans la mesure où il s'agit d'un développement technique, l'assurance dans le vocabulaire du mouvement, il est hors de notre enquête. Mais un aspect de celui-ci, qui ne portent sur la relation de l'art. à la nature, est le mouvement sous-appelé l'impressionnisme abstrait, fait d'une tendance plutôt amorphe dans les limites générales de l'expressionnisme abstrait.

Historiquement, l'impressionnisme a été préoccupé par la traduction de la réalité visuelle à la toile en termes de lumière et de couleur. Comme le mouvement s'est développé, cependant, et en particulier dans l'œuvre tardive de Claude Monet, l'objet tend à se dissoudre, tandis que la lumière et la couleur, capturés pour leur propre appel sensuel, supposées indépendantes, les rôles presque abstraites. Bien que venant d'une direction opposée, l'impressionnisme abstrait a atteint un point de vue similaire, son objectif, dans la définition de Edward Corbett, "pour créer la peinture comme une autonomie de la sensation, de la couleur -. Ci-dessus tout, de la lumière" C'est, bien sûr, seulement un aspect particulier de la tendance générale à la nature déjà discuté, mais il est un peu différente dans son élévation de sensualité visuelle. Parmi les peintres représentés ici, Hyde Solomon et peut-être le plus proche Angelo Ippolito semblent dans leur travail à ses objectifs, bien que Philip Guston, Paul Jenkins et Joan Mitchell ont également été revendiquée pour le mouvement.

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