Italie: De Futurisme Vers Peinture Abstraite

Neptune's Daughter

Limited Edition

Britto, Romero


40 in. x 33.25 in.

Buy at AllPosters.com

Framed



Dès 1929, au moment de l'exposition à la Galerie Pesaro à Milan, il était évident que le futurisme se déplaçait vers l'abstraction. Des exemples remarquables de cette tendance sont Prampolini avec son Immagini Astratte (Images abstraites), Munari et Fillia. Une tendance vers l'abstraction avait déjà été perceptible dans les travaux de la première génération des futuristes: si l'objet n'avait pas été éliminé, la couleur avait une valeur plastique de son propre indépendante de la représentation et toutes sortes de ton local avait été abandonnée. Lors de l'exposition Lacerba à Florence en 194, non seulement avait Boccioni exposé Dimensioni Astratte (dimensions abstraites), mais Balla a également montré des tendances abstraites, tandis que Prampolini Le Linee-Forza bonjour Spazio (Energy-lignes dans l'espace), proposé par la vitesse d'un voiture, avait fait preuve d'une utilisation autonome décidément de la couleur.

Prampolini rejoint les futuristes dès 1913 quand il était encore un jeune homme et avait été expulsé pour "non-conformité» de l'Académie des Beaux-Arts à Rome. Il est généralement classé à la deuxième génération de futuristes, pour alors que la plupart de la première génération a abandonné le langage assez vite, il a toujours suivi sa propre ligne cohérente et est devenu la personnalité la plus vive de la deuxième phase, si tend vers l'abstraction. Le noyau de la deuxième génération se composait de Munari, Tato, Depero, Fillia et Dottori. Bruno Munari, avec son inépuisable imagination de l'invention, est devenu l'un des inspirateurs de A0bstraction; stylisations mécaniques Fortunato Depero tendait vers la description, tandis que Fillia, un polémiste et un théoricien, dépassaient rarement des formules préétablies. Gerardo Dottori, lyrique et contemplative dans le tempérament, d'origine et infatigable dans sa recherche de rythmes dans l'espace, peint son Incendio di Città (incendie de la Ville) en 1925 - une œuvre très représentative de la phase futuriste seconde.

Mais de loin la personnalité la plus marquante au niveau européen était Prampolini. Ungaretti a écrit un article perspicace sur lui pour l'exposition à la Biennale de Venise Vingt-septième. "Celui qui répond à Enrico Prampolini et fait l'objet de sa recherche, regard inspiré, doit inévitablement se sentir dans la présence de celui qui est destiné à avoir son mot à dire à tous les coûts ...."

Ce sera "d'avoir son mot à dire" invité Prampolini d'écrire toute une série de manifestes et de développer quelques-uns des principes originaux du futurisme dans le sens de "synthèse absolue". Ungaretti voit des images Prampolini comme «poésie». Peut-être que nous devrions donner à ce mot son sens original de «faire» ou «production», dans Prampolini il ya une contrainte constante inventive; l'image est dans un état continuel de devenir; le credo futuriste dont il a développé de sorte a cohérente gardé dans un état de l'invention continuelle et de la production pure. L'idée traditionnelle de certaines choses étant «belle» est un mythe pour Prampolini parce que tout peut être fait «beau» par l'interaction des relations. L'espace n'existe pas en soi, mais une relation qui se transforme dans la quatrième dimension. Bien que d'abord et avant tout un peintre, Prampolini est l'un des scénographes les plus originaux de notre temps, et aussi un sculpteur.

Donc, nous le voyons passer du futurisme au problème contemporain de l'art abstrait. Ses peintures deviennent des «objets» en eux-mêmes: ils ne sont pas tirées de la nature, ils sont "Nature". Pourtant, Prampolini était contre Kandinsky: il ne croyaient pas en "pur", mais dans la peinture "absolue" peinture.

Prampolini a contribué quelque chose de nouveau à la notion de la décoration et les arts appliqués. Pour lui, la décoration n'est pas une simple ornementation, mais une partie de la vie quotidienne, quelque chose d'actif, non seulement esthétique mais aussi pratique. Ici, nous voyons l'un des principes futuristes - que les œuvres d'art ne sont pas seulement pour être regardé, mais pour être vécu - poussée à l'extrême. Tout cela représente l'aspect le plus moderne et vivante de Prampolini - celui qui l'a poussé à produire un travail dans de nombreux médias différents, que ce soit poreuse, rugueuse ou brillant et en couleurs tels que le soufre: il ne doit pas être regardé, c'est la vie. L'artiste est devenu un démiurge avec savoir-faire exceptionnel en permanence actualisée sur le côté intellectuel. Les œuvres de sa série bioplastique dernière sont un exemple clair de cette tendance.

Mais Prampolini avait un autre aspect plus traditionnel, caractérisée par sa série de Metamorfosi Biologiche (Métamorphoses biologiques) et la Maternité Cosmiche (Maternités cosmiques) - images emblématiques sous l'influence métaphysique, parfois présentant des signes de compromis et de la stylisation étrangères. C'était sa rupture décisive avec l'image projetée qui a marqué son retour aux principes futuristes et la ramification dans l'abstraction fonctionnelle, non pas comme un résultat de la décadence - comme ce fut le cas avec les dadaïstes - mais comme une autre sortie pour son langage et ses nouveaux matériaux.

Prampolini était en tout temps un européen. Jusqu'à sa mort soudaine en 1956, il toujours recherché et inventé de nouveaux idiomes adapté au caractère de la société moderne. En tout état de compte de l'art abstrait en Italie, il est nécessaire de distinguer entre les deux tendances - l'une vers le lyrisme absolu et la poursuite de la forme, l'autre, ce qui est plus proche des artistes néo-plastique du mouvement du Bauhaus, vers ce que d'Argan appelle "l'art de la perception pure". Aucune division coupe à blanc peut être faite entre les deux tendances, aussi souvent qu'ils proviennent des mêmes racines internationales et ont subi les mêmes influences.

Derrière la première tendance se trouvent nos premières traditions - au XIVe siècle, Piero delta Francesca, Paolo Uccello - mais considéré exclusivement en termes de rythmes et de couleurs. Cela implique pas de création des «objets», ni aucune tendance à l'art appliqué, mais il a cubistes et des nuances métaphysiques. Cette sorte d'abstraction, comme nous le verrons, est susceptible d'être figurative, et tôt ou tard ses partisans italiens - Soldati, Licini et Magnelli - a dû entrer en contact avec Kandinsky et Klee.

Le deuxième groupe doit beaucoup plus à Van Doesburg, Mondrian et néerlandais néo-plasticisme, en général, ainsi que les expériences dans l'art industriel faites par le mouvement Bauhaus. Ici l'accent est mis non pas tant sur le lyrisme que sur la création individuelle de purs rythmes autonomes pour qu'elles soient perçues indépendamment de toute sorte de représentation que ce soit. Outre Prampolini, Munari était un futuriste qui a pris cette ligne.

Intérêt ne réside pas dans l'image mais dans la relation des rythmes avec leur environnement. Il n'ya pas de distinction entre dessin, peinture, rythmes fonctionnels et des lignes, et de l'art tel qu'il est appliqué à l'industrie. Nous trouvons Bruno Munari, par exemple, se tournant vers l'art graphique appliqué, et Luigi Veronesi - l'un des premiers peintres à suivre ce courant - la recherche de réponses aux problèmes vitaux de la société moderne le long des lignes du Bauhaus, tout Mauro Reggiani, Mario Radice et Manlio Rho poursuivre, dans l'architecture comme ailleurs, que la rigueur absolue de la composition qui peut être saisi avec la perception pure.

Depuis la guerre, le nouveau groupe abstrait de la Libreria Salto de Milan a adopté pour son propre genre de la peinture l'art concret nom - déjà utilisé par Kandinsky, Van Doesburg, Mondrian, Max Bill et les écoles suisses et argentins. Ils ont estimé que la distinction soit nécessaire "en raison du fait que les critiques italiens avaient pris à l'utilisation de« l'art abstrait »le terme pour désigner le travail soit purement imaginaire, ou néo-cubiste de fragmentation de l'objet, ou néo-expressionniste de distorsion" ( à partir des notes dans le catalogue quatrième de la série Art Concret publié par le Salto Libreria, Octobre 1949).

Ainsi, en 1948 Soldati, Gillo Dorfles, Monnet, Munari et Veronesi a fondé le Movimento di Arte Concreta (Mouvement de l'Art Concret), communément connu sous le nom MAC, qui devint par la suite la fin italienne de l'Espace français.

Et maintenant, nous devons dissiper une autre difficulté. Il a été trop d'insistance sur la distinction entre «abstrait» l'art et «figurative» l'art - une distinction qui est en fait superficiel. L'objet, comme souvenir, peut être présent et pourtant être élaborées d'une manière anti-romantique et abstrait, comme cela arrive dans beaucoup de photos par Soldati ou Licini, tout comme une œuvre non figurative peuvent avoir des origines naturalistes.

Donc, si un dualisme existe, elle n'est pas entre la peinture «abstraite» et «figuratif», mais entre les attitudes de l'esprit et la sensibilité. D'un côté, nous trouvons le peintre détaché, objectif, mathématique, intellectuel, intéressé dans les relations pures, énonçant des principes rationnels, l'isolation de son travail de l'émotion et en évitant toute intensité de l'expression. Qu'il soit «abstrait» ou «figuratif», il est toujours en danger de tomber pour la mécanique de pré-établie formule.

De l'autre côté, nous trouvons les peintres les plus aventureux qui se sentent le rythme à la contrainte cursive. Voici l'impulsion, plus ou moins filtrés par l'intellect, ne perd rien de son immédiateté et la charge effective peut conduire à l'expression intense. Que ce soit «figuratif» ou non, la limitation de ces peintres peut se situer dans la fugacité même de l'instant de l'inspiration - mais intense; la limitation, en bref, le principe romantique en tant que telle.

Mais entre ces deux extrêmes, il est possible d'une variété infinie - tout comme il est également possible pour un "drôle de" type de «modernisme», que ce soit abstraite ou figurative. J'entends par là que certaines formes peuvent sembler «moderne», mais, en raison de l'absence de participation personnelle réel de la part du peintre, ils sont purement académique d'une manière nouvelle; ou encore une formule peut être «moderne», tandis que le contenu sont traditionnelles et naturaliste.

Dans l'histoire de l'art abstrait en Italie, la Galerie Milione à Milan a été le centre le plus actif culturelle. Il expose des gouaches et des dessins de Léger en 1932, et la première exposition de l'art abstrait dans l'ensemble du pays a eu lieu il ya un an plus tard avec un one-man show d'Atanasio Soldati. En 1934, la Galerie Milione exposé des oeuvres de Kandinsky pour la première fois, et il s'ensuivit une exposition de Vordemberge-Gildewart présenté par Grohman. À la fin de cette année Bogliardi, Ghiringhelli et Reggiani ont exposé leurs œuvres abstraites et publié une déclaration qui peut être considéré comme le premier manifeste de l'art abstrait italien. «Nous sommes favorablement disposé envers le cycle classique, mais évidemment, il ne saurait être question d'arcs ou des colonnes maintenant ... Nous sommes particulièrement préoccupés par la technique et la science, car ils déblayer le terrain ... collaborateurs formidables, ils nous mettent face à face avec une réalité merveilleusement exacte ... "

L'année suivante, 1935, Josef Albers et Luigi Veronesi exposé gravures sur bois, sculpture abstraite de Lucio Fontana, Soldati et puis Osvaldo Licini peinture abstraite. A l'occasion de son exposition Licini écrit: «Jusqu'à il ya quatre ans j'ai fait de mon mieux pour produire de bonnes images de la réalité, mais ensuite j'ai commencé à avoir des doutes... La peinture est l'art de la couleur et la forme librement conçu, il est aussi un acte de création, et, contrairement à l'architecture, c'est un art irrationnelle régi par l'imagination En d'autres termes, c'est la poésie Donc, il ya quatre ans, j'ai commencé à inventer mes photos "... Il a conclu par ces mots: "Nous avons l'intention de prouver que la géométrie peut devenir sentiment."