Le Processus de l'art Abstrait

Unfolded Spheres

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Healey, Marlene


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Le processus est essentiellement le même que celui de l'art traditionnel, qui se réarrange aussi, distille et intensifie, mais est poussée plus loin. En effet, ce genre d'abstraction pousse parfois spontanément à partir de la pression de la nécessité émotionnelle sur les artistes plus classiques. John Marin n'était généralement pas un peintre abstrait (et n'aimait pas le terme), mais il a été conduit proche de l'abstraction en quelques images par le processus même de la purification de forces élémentaires, tels que ceux du Mouvement, mer ou montagne - Comme vous voudrez. Georgia O'Keeffe écrit,

«De l'expérience d'un genre ou d'une autre des formes et des couleurs viennent à moi très clairement. Parfois je commence de façon très réaliste et que je vais à partir d'une peinture [à] l'autre de la même chose, il devient simplifiée jusqu'à ce qu'il ne peut être rien, mais abstrait, mais pour moi c'est ma raison de le peindre, je suppose. " En général, les artistes qui ont été soulevées ou travaillé longtemps dans la tradition abstraite omettre les étapes intermédiaires tels, bien qu'ils puissent esquisser directement de la nature et même utiliser des photographies, comme William Kienbusch fait parfois, pour le matériel de référence. Souvent, leur recherche est pour l'esprit d'un lieu et une heure spécifiques. "C'est le sentiment d'appartenance qui est important pour moi»

Hyde dit Salomon. "La nature d'un environnement devient inconsciemment une partie de ce que je pense. Et ce qui en sort, la plupart du temps dans l'abstraction, sont des aspects d'une localisation précise." Stuart Davis Ursine Park, évocation Loren Maclver du paysage de montagne mystérieuse des Baux et de la vigne Kienbusch méticuleusement étiqueté Rouge, Automne Dogtown sont également spécifiques dans leurs références.

Mais les essences recherchées par les artistes abstraits de la nature sont encore plus susceptibles d'être d'un caractère général et universel, une synthèse de l'expérience plutôt que le reflet d'une expérience individuelle. «La nature est la source continue d'étude pour l'analyse, pour les peintres d'interprétation, mais la topographie est à distance, hors du temps, sans nom. Est-ce l'Amérique? Qui sait? Est-ce notre planète? Personne ne nous dira," Dorothy Adlow plaint en le Christian Science Monitor (Mars 2, 1957). Pourtant, cela, bien sûr, c'est précisément ce que ces artistes ont l'intention. David Smith Hudson River Landscape est, selon ses propres termes "une rivière." ainsi que un certain nombre d'autres choses.

Titres de l'artiste abstrait de tendance, comme James Penney remarques, à une chute d'eau plutôt que du Niagara, l'érosion Vaste plutôt que le Grand Canyon, et ses propres peintures sont des symboles "d'une expérience totale plutôt qu'une passagère." Même s'il s'agissait d'un lieu spécifique, l'artiste abstrait donne rarement nous le genre de fraction de seconde prise de conscience de ses aspects transitoires qui l'impressionnisme, par exemple, fournit, mais le plus souvent la somme de son caractère comme il est venu de comprendre et de ressentir sa signification à travers sa vie. «Je veux peindre la nature de l'intérieur, non pas comme un spectateur,"

Gabor Peterdi dit et il est vrai que tous les efforts sérieux à l'abstraction implique une identification profonde de l'artiste avec son sujet. "Les meilleurs tableaux que j'ai jamais faite", écrit John Heliker, "se rapportent aux sentiments les plus profonds que j'ai eues au sujet d'un lieu - une expérience - je trouve cela difficile à définir - mais, par exemple, j'ai peut-être sorti. au bord de la mer, comme je l'ai fait l'été dernier dans le Maine J'ai peut-être eu un ordinateur portable avec moi et a mis quelques lignes -.. ou je peut pas je me suis reposé sur un rocher, le soleil avait fait chaud, et je me sentais sa chaleur sous moi - et je me souviens donnant sur les collines côtières au-delà de la baie C'était une belle heure indolent, mais il était plus que cela -.. beaucoup plus car il était, à un degré, une prise de conscience d'être -. d'identification avec mon entourage embrassant une partie importante de mon expérience passée dans la nature, je rentrai chez moi et a commencé à travailler sans idée précise en tête, mais ce qui a résulté liée à l'expérience cet après-midi".

Dans la même veine, Karl Knaths remarque: «Une sorte de monde subjectif vient à exister dans l'esprit même quand on regarde une scène en particulier, il devient une concentration de cet environnement, pas nécessairement limitée à un moment précis de son aspect ou de l'histoire.. Il participe d'un moment idéal. " Les mots ont une résonance familière, rappelant le concept de l'idéalisme (par opposition au réalisme) au 19e siècle la théorie esthétique, le mieux exprimé par la déclaration d'Emerson que la fonction de l'artiste est de nous montrer une plus juste la création que nous savons. Modifier une "plus juste" la création d'un plus chargé de sens et de la doctrine s'appliquerait aussi bien à ce groupe de l'artiste abstrait.

Une des significations de possibe "" Dans la nature, l'art abstrait qui est souvent supposé irterpret (par exemple, Gyorgy Kepes, le nouveau paysage). est le concept radicalement différent de la nature créée par la science moderne - le monde de l'atome, de l'espace fourdimensional, de la dissolution de la matière solide. Dans cette théorie, l'artiste fournit des équivalents intuitives pour les formes invisibles et les forces de la réalité ultime et ne donne pas seulement sur la forme, mais l'unité à la multiplicité déconcertante nouvelle. Philosophiquement, comme le scientifique britannique LL blanc suggère, l'artiste et le scientifique théorique sont étroitement liées dans la sphère intuitive par "une condamnation latente de l'unité, ce qui n'est pas en elle-même dans le strict: le sens rationnel ou scientifique», mais le résultat de une inexplicable "élan" dans le cerveau humain qui l'amène à rechercher l'ordre dans l'expérience.

Telle est la théorie. En réalité, seul un très petit nombre de nos artistes, comme I. Rice Pereira, ont été manifestement agitée par les concepts révolutionnaires de la science et ont consciemment interprétés avec intuitifs quasi-picturales. La difficulté est que la plupart de ces concepts sont mathématiques ou intellectuelle ou microscopique, ils sont au-delà de la portée de nos perceptions sensorielles et de notre expérience quotidienne, même pour les comprendre devient de plus en plus difficile à cause de leur complexité. Alors, ils restent largement en dehors royaume normale de l'artiste de l'activité, sauf qu'ils ont filtré dans la conscience commune. Le processus lalter peut-être eu un effet considérable sur le traitement abstraite de la forme, le mouvement et l'espace. John Ferren estime que l'artiste moderne "fluide, souvent multidimensioned, mais le concept personnalisé de la nature ... ne possède qu'un seul référent possible historique, la science contemporaine." Mais la validité et l'étendue d'une telle relation est difficile à mesurer car il est en grande partie inconscient. Comme Ferren ajoute. "Au moins, je pense que cette déclaration est potentiellement vrai, et l'art contemporain« valeur »tout ce qui peut avoir, il doit certainement y avoir dans sa vision dans le monde réel contemporain."

Il est plus facile de montrer que, pour la majorité des peintres et sculpteurs, le "monde réel contemporain» est toujours ce qu'ils peuvent voir de leurs propres yeux. Une qualité qui ils partagent à un degré marqué de l'excitation visuelle, une sensibilité exceptionnelle aux couleurs de la nature, les formes et les modes changeantes du mouvement. En cela, ils sont un peu comme Gulley Jimson dans Joyce Cary 's Le bouche du cheval, qui est parmi les rares artistes crédibles dans la fiction précisément parce que de son souci constant et piquante du monde autour de lui. "Soleil dans la brume. Comme une orange dans un magasin de poisson frit. Tout lumineuse ci-dessous. À marée basse, l'eau poussiéreuse et un bar tortueux de la paille, des boîtes de poulet, de la saleté et l'huile de la boue de la boue. Comme une piscine vipère dans le lait écrémé. .. la boue Thames transformée en une banque de neuf carats bruts de l'incendie."

Un artiste véritable, Jon Schueler, écrit:. "Une fois, sur l'île de Block, je me tenais sur le bord d'un ravin, une coupure profonde dans les falaises qui s'élèvent au-dessus de la rive sud C'était une journée grise, le brouillard était soufflé à partir de la mer, formant un marbré, le déplacement voile entre moi et le côté opposé du ravin. Je venais de sortir de la grisaille ... mais ici, près de la mer, la lumière était plus forte, et tout à coup le versant opposé de la ravin était vert et coloré sur le gris du ciel omniprésent. Pour un instant ses formes et les formes qui s'y trouvent étaient statiques et bien défini. Mais alors je me suis lié de différentes manières à la motion.

Le voile de brouillard soufflait à travers elle, varie en texture et l'épaisseur, de sorte que lorsque je suis devenu conscient de cela, la clarté statique disparu, et le mouvement mal à l'aise a pris sa place. Selon la façon dont je regardais, la colline déplacé, ou la brume, ou moi-même. Ou, si j'ai essayé dur, je pouvais faire tout cela d'arrêt pour un moment, seulement maintenant le mouvement a été encore suggérée par la qualité très tachetée du voile de brouillard inégale. Il y avait la poésie ici, il y avait la poésie visuelle qui va bien au-delà de mes moyens limités de raconter, et dans cette poésie étaient la vérité et le sens de la nature. Il y avait des idées de formation, de l'émergence, de la lumière, de certitude et d'incertitude. L'expérience va vivre avec moi et, d'une façon ou d'une autre, apparaît dans mes peintures."