Homme-futuriste Influence dans le Abstrait

Cosmic Green

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Kime, Daniel R.


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Le plus sympathique sont susceptibles d'avoir des doutes au sujet futurisme, pour un tel mélange de bluff et de l'auto-publicité est difficile à concilier avec notre conception élevée de l'œuvre d'art ou de la mission de l'artiste. Mais je crois qu'il y avait quelque chose de fascinant, quelque chose qui allait plus profond qu'il a réalisé, sous la grande gueule de marchandage futurfascismo. En effet, une lecture du Manifeste du Futurisme premier 1909 est suffisant pour nous faire prendre conscience que la rhétorique boursouflée incarné une idée de la valeur réelle.

Dépouillé de ses atours, le futurisme peut être considéré comme ayant été inspirée par l'ambition généreuse de la vie bringins dans l'art, d'amener une union plus étroite entre eux, tout en rejetant tout l'art morts en faveur de la vie la vie elle-même, le créateur naturel de nouvelles formes . Futurisme a aussi d'autres revendications à notre gratitude. En faisant un tel bruit, un tel émoi dans de nombreux pays et les critiques passionnantes et des journalistes dans les capitales tant de l'Europe, il a fait plus que n'importe quel autre mouvement unique pour libérer l'art de les formes traditionnelles du passé et, par conséquent, à ouvrir l'esprit du public, partout dans le monde, à un art totalement nouveau.

Là encore, l'art abstrait a été proclamé dans diverses déclarations se trouvent dans un certain nombre de manifestes. Les peintres ont été exigeants lignes de force et de Boccioni écrivait «Nous devons affirmer que le trottoir peut trouver son chemin sur la table de salle à manger, que votre tête peut traverser la route tout seul, et que dans le même temps votre propre lecture- lampe peut tisser une toile d'araignée géante de d'une maison à l'autre avec ses poutres calcaires. Nous devons affirmer que tout le monde visible doit faire son impact sur nous, la fusion elle-même avec nous et créer une harmonie dictée par l'intuition créatrice seul. " Il a également déclaré: «Nous devons ouvrir la figure ou la forme et le remplir à plein de l'environnement dans lequel il a son être." Mais il était Severini plutôt que Boccioni qui devait venir le plus proche de l'abstraction, avec son manifeste rédigé à Rome pendant l'hiver 1913-1914.

Futurisme a laissé quelques œuvres de quelque importance par voie de donner une justification en plastique de son programme. Peut-être sa créativité réelle réside dans son influence sur les esprits. Cependant, des travaux de Severini, avant 1914, mérite une attention particulière, en particulier sa série de danseuses peintes en 1913. Ce sont des compositions abstraites faites de lignes gracieuses et couleurs délicates, généralement appliquées dans la manière pointilliste favorisée par les post-impressionnistes. Il a renoncé à son abstraction dans le seul but de revenir à une sorte d'académisme qui pourrait peut-être italien, mais a rien de moderne à ce sujet. Il est retourné à l'art abstrait n'est qu'après 1945, de la même manière que Picabia et d'autres. Il est maintenant peindre des compositions dans lesquelles les lignes dures, brutales sont fixés contre les étendues plates de couleur savamment modulée. Ces toiles sont aussi appelés danse ou danse des jeunes filles, si elles sont très différentes de celles de la pré-1914 de phase.

Parmi les peintres futuristes en restant mention doit être faite de Balla, qui a commencé à peindre en 1913 résumés, et de quelques œuvres de Carlo Carra et Soffici De, et surtout des toiles plus tard par Boccioni, le grand espoir de la peinture et la sculpture futuriste, qui est mort après une chute de cheval en 1916. Plus tard, quand le futurisme a dégénéré en «Aero-peinture», le seul à prolonger sur les lignes abstraites était Prampolini. Les nombreux exposants au Cavalier Bleu comprenait un peu de Russes, dont Michel Larionov et Gontcharova Nathalie méritent d'être rappelés pour leur part dans les premiers frémissements de la peinture abstraite en Russie.

En 1909, Larionov, à Moscou, était aussi proche de l'abstraction (à savoir, le verre) que Braque et Picasso étaient à trois ou quatre ans plus tard. Il a donné sa première conférence sur Rayonnisme au Studio A. Kraft à Moscou en 1910. Deux toiles ont été exposées à rayonniste le même temps, à savoir Larionov The Boulevard, qui était principalement dans les légumes verts et jaunes, et les chats Gontcharova, principalement jaune et noir. Dans l'année suivante à la fois d'eux a peint une longue série d'œuvres dont la caractéristique dominante qui était dans un grand nombre de lignes droites, soit en parallèle (Larionov, La Plage, 1911), ou une réunion (Larionov, Gontcharova Portrait de, 1912) ou encore s'envoler dans tous les sens. Celles-ci représentent l'apogée de Rayonnisme, qui était destiné à être un mouvement de courte durée.

Larionov était un artiste inquiet, et Gontcharova était aussi polyvalent. A Moscou à cette époque les artistes étaient censés inventer une nouvelle forme d'art toutes les 48 heures. Larionov peint des soldats et des fleurs, et des peintures, même anecdotiques avec des inscriptions sur eux, tandis que Goncharova excellé dans de nombreux domaines différents, la peinture cavases couverts avec des nombres, ainsi que streetscenes qui anticipaient docteur Caligari. En 1914, toutes ces expériences russes ont été montré à Paris chez Paul Guillaume, une préface élogieuse en cours de rédaction pour le catalogue par Apollinaire. Nous sommes maintenant ne concerne que les toiles rayonniste.

Ce sont parmi les premières peintures abstraites jamais fait et pour cette raison, ils sont d'une importance considérable. Après 1914, Gontcharova, Larionov et, qui étaient de grands amis de Diaghilev, a fait le plus de leur travail pour le ballet et donc ne relevait pas du principal mouvement dans la peinture. Néanmoins, une exposition des œuvres des deux peintres rayonniste a eu lieu à Rome en 1917, quand une brochure explicative intitulée Radiantismo a été produite pour l'occasion. Alfred Barr trouvé un ancêtre inattendu de Rayonnisme, dans le programme Leonardo da Vinci. Dans son cubisme travail remarquable et l'art abstrait, il a cité, à cet égard, une phrase de Léonard de Vinci: "L'air est plein d'un nombre infini de rayonner des lignes droites, qui se croisent et s'entrelacent sans jamais tout à fait coïncidant; ce sont eux qui représentent la véritable forme de l'essence tous les objet. "

Un peintre qui devait être d'une importance considérable issu du groupe Larionov, Malevitch Casimir savoir. Rien ne pouvait regarder plus facile: tout ce que vous avez à faire est de prendre une règle, dessinez un carré sur une feuille de papier et le noir dans sa surface avec un crayon. Pour offrir cette «découverte» comme une œuvre d'art est évidemment une plaisanterie? En aucune façon: c'était un acte de foi qui devait avoir des conséquences imprévues. Il était une fin et un commencement, la fin d'une forme de peinture et le début d'un nouvel art.

Selon Malevitch l'art est une supplémentaire, élément d'extranéité, qui se jette dans la vie et de pensée et échappe à toute raisonnement dialectique. Cet élément sert à être inconscient et a été diffusé à travers le monde et dans l'homme lui-même, toujours mêlé avec de nombreux autres éléments. C'est pourquoi il n'a jamais été l'art pur. Mais le temps est venu pour rendre visible et indépendant et en le débarrassant de tous ses parasites. Depuis un demi-siècle, cette éventualité avait été préparé par l'impressionnisme et le cubisme: tout ce qui restait était d'apprendre à lire les formes et la façon d'interpréter et de les analyser.

Le livre qu'il a écrit avec l'aide des poètes d'avant-garde russes et qui a été publié à Moscou en 1915 était ni plus ni moins qu'une tentative d'isoler le système de référence ou d'un élément de l'art lui-même. Pour une telle opération soit réussie, le plus simple élément devait être trouvée. Malevitch a vu que cet élément était la place géométrique, patiemment noirci avec un crayon.

Pourquoi le carré parfait? Parce qu'il est le plus clair affirmation d'une volonté de l'homme, l'incarnation de sa maîtrise sur la nature. Pourquoi devrait-il être censuré avec un crayon? Parce que c'est le plus humble acte de la sensibilité peut effectuer.

Nature active et de la nature passive se trouvent ainsi rassemblés et réconciliés.
Malevitch a donné le nom à suprématisme ce nouvel art et expose le dessin suprématiste première fois, la célèbre place, à l'exposition cible à Moscou en 1913. Dans la même année, il produit une série de dessins d'autres de formes élémentaires, tous au crayon. La première forme de sortir de cette place était le cercle, puis vint l'installation de deux plans rectangulaires dans la forme d'une croix. Compositions de plus en plus complexes ont été développés dans lequel il est apparu le trapèze, le triangle, puis la ligne brisée, la courbe, et enfin le trouble, à l'ombre-hors ligne. Cela a pris quatre ans.

Malevitch a dû évoluer rapidement afin d'atteindre ce point. Il est né à Kiev en 1878, et a commencé à peindre à la manière post-impressionniste et après que, comme un fauve. Il ne tarda pas sous l'influence de Picasso et devient le leader des cubistes russes qui inclus Pevsner, Puni, Alexandra Exter, Lioubov Popova et Udalzova. Après 1911, cubo-futuristes éléments devaient être vu dans son travail, qui à d'autres égards a montré des affinités frappantes avec celle de Fernand Léger (La paire de ciseaux-crayon, femme portant des seaux, tous deux peints en 1912). C'est à partir de ce stade qu'il a fait le saut dans le suprématisme. Lorsque l'art abstrait est tombé dans le discrédit politique en 1922, Malevitch quitte Moscou et est devenu professeur à l'Académie de Leningrad. Il parvint à se rendre en Allemagne en 1926, et au Bauhaus pris des dispositions pour la publication de son livre Die Welt Gegenstandslose (Le Monde sans objet). Ce travail remarquable est la seule source d'information existantes sur son art et de la pensée.

Bien que Malevitch a été le premier peintre du monde à utiliser des formes géométriques pures, il faut admettre que les cubistes avaient mis tout le monde vaguement conscience de l'idée, même si elle était encore indéfinissable. Sans même avoir entendu parler de Malevitch, en 1915 Hans Arp à Zurich et Magnelli à Florence étaient à la fois la fabrication de compositions abstraites basées entièrement sur des formes géométriques.
L'année suivante, Sophie Tauber, également à Zurich, a composé un certain nombre d'œuvres assez petites - des dessins en crayon de couleur - basé sur un mouvement strictement horizontal-vertical, anticipant ainsi le néo-plasticisme.

Dans le même temps, derrière les lignes en Hollande, Mondrian et Van Doesburg se sont réunis et ont commencé à préparer leur examen, De Stijl. Ainsi, au moment même, dans quatre différentes parties du monde qui ont été séparés par des frontières qui ont été fermés à cause de la guerre, des artistes très différents qui avaient tous entendu parler du cubisme parisien ont été parvenir à des conclusions tout à fait semblables.

A Zurich, les belles expériences de Sophie Tauber Arp et ont été vite submergés par le vacarme dadaïste, ce qui n'était guère favorable à une telle art pur et semi-religieuse. Sophie Tauber, qui était trop craintif et modeste à faire valoir ou défendre elle-même, porté sur le travail presque en secret jusqu'à sa mort en 1943, en laissant toujours la vedette à Hans Arp, qu'elle a épousé en 1921. Peu de gens savaient ou apprécié le travail de Sophie Tauber cours de sa vie. Il fallait connaître les Arps bien avant que l'on a été admis à l'atelier de Sophie, dans leur maison de Meudon où ils ont vécu après 1928. Elle rarement exposées partout, même si elle a pris part dans le cercle un carré et a contribué à Arp et Van Doesburg avec les décorations pour les différentes pièces de la «Aubette» à Strasbourg, une belle réalisation qui a depuis été détruits. Œuvres Sophie Tauber a augmenté de prestige depuis sa mort, révélant comme il le fait par exemple un magasin interne de l'honnêteté, la sincérité et la force tranquille. Son travail a une variété extraordinaire, mais il est toujours sobre et pleine d'intégrité.

En 1918 et 1919 Arp, Sophie Tauber avec, fait quelques collages horizontale-verticale sortant de papier qu'ils coupent avec une guillotine relieur. Puis il s'en alla dans une autre direction et a commencé à exploiter une ligne courbe souple, qui semblait venir le plus naturellement à la main, comme le fruit d'un arbre.

La contribution du dadaïsme Zürich à l'art abstrait réside principalement dans le «bois» par Arp qui a paru dans la revue Dada ou ont été utilisés comme des illustrations de livres par Hülsenbeck et Tristan Tzara. Marcel Janco fait reliefs abstraits dans un style très personnel, dont la plupart sont aujourd'hui perdus. Enfin, Viking Eggeling en 1917 et Hans Richter dans l'année suivante produit des dessins qui peuvent aussi être crédités au dadaïsme. Vers la fin de 1918 Richter a Eggeling avec lui en Allemagne. Il était là, en 1919, que Eggeling a composé son célèbre strip-dessins sur des thèmes simples, qu'il a appelées horizontal-vertical de masse, suivie en 1920 par les bandes pour sa Symphonie Diagonale, un thème un peu plus complexe dont il fait un film en 1921.

De sortie de Richter était parallèle à celle de Eggeling qui avait sept ans son aînée. En 1919, il fait son Prélude, l'orchestration d'un thème qui a été développé en onze dessins. Dans la même année que Eggeling, il a également produit son premier film abstrait, Rhythm 21, l'orchestration d'écran dans le temps et l'espace. Eggeling décédé en 1925. Après que Richter dans un premier temps tourné vers des activités plus pratiques, et plus tard au surréalisme, ses rêves que l'argent peut acheter (1947) contenant quelques séquences magnifiques abstraites.

Il était en Hollande, le dernier des quatre grands centres de l'abstraction géométrique, que cette forme d'expression était de trouver sa formulation moins compromettant et le plus motivé. Cela n'est pas surprenant, car il était dans le cas de Mondrian que la transition de l'art figuratif à la géométrie pure a la plus longue à réaliser, d'une durée de 1912 à 1917. Il était donc logique qu'il devrait être le seul à affirmer et à explorer le problème. Abstraction géométrique atteint sa forme la plus complète et approfondie dans un usage bien expliqué et démontré de l'horizontale et verticale, avec seulement trois couleurs primaires (rouge, bleu et jaune) pris en charge par trois des noncolours, noir, blanc et gris. Il a été laissé à Mondrian de travailler sur le système dans son ensemble, et de l'exposer dans quelques textes qui sont devenus des classiques grâce à leur souci de clarté.

Le premier numéro de De Stijl a été publié par Van Doesburg en Octobre 1917. Ce document contenait un long article sur les lignes doctrinale de Mondrian, certaines parties essentielles de ce qui sont utile de reproduire. Cette déclaration initiale a été suivie par beaucoup d'autres, notamment, deux ans plus tard, par un long dialogue platonicien qui est hors de tout doute l'un des essais les plus convaincants de la période «héroïque» de l'art abstrait. Il mérite certainement une place aux côtés des oeuvres célèbres de Kandinsky et de Malevitch. Mondrian a continué à écrire presque autant qu'il peint pour le reste de sa vie. En français, il a publié Néoplasticisme (Léonce Rosenberg, 1920) ainsi que de contribuer à plusieurs examens. Après sa mort une importante collection de ses essais en anglais a été publié à New York (Art plastique et d'art plastique pur, Wittenborn, 1er éd. 1945, 3e édition. 1951).

Mais nous ne devons pas anticiper. Pour revenir à la Hollande en 1917, en collaboration avec Mondrian et Van Doesburg étaient les peintres Huszar et Van Der Leck (si celui-ci ne tarda pas à quitter le groupe), le peintre et sculpteur Vantongerloo, le poète Antonie Kok et un certain nombre d'architectes. Leurs contributions littéraires à l'examen ont tous souligné dans le même sens, tous les faire respecter la même idée centrale. Mais il était Mondrian qui a produit des écrits les plus vastes et solidement construites au cours des quatre premières années.

Dans le même temps Van Doesburg publié, aux côtés de son examen de De Stijl, plusieurs oeuvres courtes, mais très intéressant qui n'ont jamais été traduits du néerlandais. Mais il était d'abord et avant tout un homme d'action, à la fois belliqueux et diaboliquement énergiques. Son tempérament animé fait de lui aux antipodes de Mondrian, mais il était un de ces individualistes qui peuvent servir à compléter une autre individualiste, avec le résultat que les deux d'entre eux ont une équipe idéale, celle lentement ruminer et rassembler tous les documents que l'autre voulait exploser comme une bombe. C'est ainsi que, par l'intermédiaire de la petite revue néerlandaise, l'abstraction géométrique était de s'imposer sur une partie substantielle du monde, en dépit du fait qu'il était dans sa forme étroite et la plus maigre, à première vue la forme qui semblait plus de sens, en d'autres termes néo-plasticisme.

J'étais déjà familier avec ces idées et d'expériences quand il m'arrivait de passer à travers Berlin à la fin de 1922 et a entendu donner une conférence de Marinetti au Centre futuriste il. Après quelques remarques acerbes sur Goethe cette brillante saltimbanque a commencé à exposer ses idées sur la peinture et les arts en général. Dynamisme et de l'art, il a fait valoir, étaient une seule et même chose. Peinture, c'est donner la vie à une surface plane, et la vie d'une surface plane ne peut jamais être assez intense, car la vitesse est le seul critère par lequel toute œuvre d'art peut se tenir debout ou tomber.

Il voulait l'art et la vie d'être comme les vagues de la mer, se heurtant et lutter ensemble, toutes avec leur individualité distincte. Afin de comprendre la vie et l'art, il suffirait de regarder les vagues qui se déroulent et le pliage sur la plage dans une sorte d'anarchie délirante ... Dans ces mots, je reconnus l'essence du futurisme, insistant sur le fait que chaque homme et chaque jour doit faire face à une tâche différente. Qu'est-ce Marinetti proposait était tout le contraire du néo-plasticisme. Cette opposition est toujours en cours autour de nous, car partout on peut voir à la fois la fureur et l'organisation dirigée calme. Style de la main, et un cri humain de l'autre, sera sans doute toujours les deux pôles de l'art.