Abstrait des Données et des Principes

Friendship

Art Print

Calder, Alexander


26 in. x 20 in.

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Il est par aucun moyen facile, à ce stade, de donner une définition généralement acceptable de l'art abstrait. D'un point de vue il est évident que son autorité et son aire de répartition ont donc creusé ces dernières années qu'il ya peu ou pas de jeunes artistes, aussi grand et aussi léger que leur capacité, qui ont aucune part dans son développement, au moins par un aspect particulier de leur travailler.

D'autre part, nous ne devons pas négliger le fait que certains artistes, et en aucun cas le moins important, se méfient du terme «abstrait» l'art, si ce n'est pas de la chose elle-même, et qu'ils essaient d'adopter une position sans engagement afin pour préserver leur propre individualisme, voir actuels «abstraits» des peintres comme de simples ramifications ou des crochets-sur des abstraits antérieures. Ainsi le jargon critique retombe sur des termes tels que le contenu et la lisibilité ou la lisibilité, comme si une œuvre humaine pourrait être dépourvu de tout contenu, et comme si une œuvre peinte pourrait se conformer aux mêmes exigences que d'un texte écrit. Mais, même dans la littérature lisible n'est pas nécessairement une bonne chose, pas plus que ce qui est illisible.

Mais aucun montant de la peinture avec «content» ou contenu plus lisible pouvez enregistrer des artistes de inévitablement appartenant à leur propre temps. Ils ont beau reculer devant la durée, l'objet peint qui est effectué de leur studio de leur montre à être tout aussi «abstrait» que ceux qu'ils dénoncent comme une clique. Leurs arguments sont d'aucune utilité, parce que, dans le milieu du XXe siècle, en matière d'art l'esprit de l'âge s'est fermement logé dans l'abstraction. C'est tellement le cas que nous avons maintenant automatiquement aborder et d'interpréter toutes les œuvres d'art, ancien ou moderne, selon les données abstraites et des principes.

Face à quelque ancien maître, l'esprit de 1955 l'homme a tendance à interpréter en termes de composition, les points de la technique, les détails psychologiques, et nous essayons de pénétrer dans le caractère de l'homme lui-même en révélant, à travers une analyse minutieuse de l'œuvre d'art , les réserves et les découvertes, les hésitations et les audaces du peintre. Nos balançoires admiration entre une synthèse effectuée sur les lignes schématiques larges et une analyse de l'artisanat, tandis que nous avons tendance à oublier dans le même temps que le spectateur de quelques siècles il ya été question de rien, mais le «sujet» au sens propre du terme , le quoi et le comment ne pas.

Pour certains d'entre nous la Madone Sixtine est l'une des plus belles œuvres de Raphaël en raison de sa composition exceptionnellement puissant. Pour les contemporains du peintre ce sentiment de puissance ne fait aucun doute réside dans les visages expressifs de la Vierge et l'Enfant. Mais aujourd'hui nous sommes moins attirés par les choses en elles-mêmes que par la manière dont elles sont présentées: nous trouvons manière d'un homme de marcher plus révélateur que son objectif. Les centaines de petits coups sillonné et juxtaposés dans déconcertante variété sur le dos de Rembrandt négresse couché nous donnera plus de plaisir visuel que la femme est de retour lui-même, car il ya de meilleurs spécimens que l'on trouve dans les albums de nus photographes, alors que nous sommes ravis de trouver une amplification de coups de Rembrandt dans un résumé de De Staël.

Cela semble apporter une compréhension de Rembrandt à la portée du profane et dans le même temps de démontrer la grandeur de De Staël en tant que dessinateur. Dans les termes les plus simples possibles, nous nous penchons sur l'art à travers des lunettes appropriées pour le siècle que nous vivons, et non par ceux que nous héritons des générations précédentes. Que les gens aiment ou non ces modernes des lunettes »existent et sont ni plus ni moins que l'abstraction. Cependant amèrement les écoles et les concessionnaires pourraient se quereller sur les significations possibles du mot, nous voyons tout l'art en termes de ses qualités abstraites, quel que soit son degré de figuration ou de non-figuration, la représentation ou la non-représentation, l'objectivité ou la subjectivité.

En tout cas c'est grâce à ces querelles et de barrages en apparence futiles que l'art abstrait a étendu son influence partout où les jeunes artistes sont formés partout dans le monde, ainsi que de pénétrer les cercles de revendeurs et amateurs. Nous avons besoin de vous inquiétez pas outre mesure sur les erreurs historiques apportés à travers le journalisme hâtif, ni plus de la moitié-cuits, des définitions arguties sur la terminologie, ni même l'intimidation et la colère qui a accompagné ce changement: tout cela crée un émoi et sert à attirer l'attention d'un «général» du public imperméable à tout, mais des cris et des affiches. Après les sandwich-panneaux vient le spectacle lui-même, et reste quelque chose de positif qui est progressivement passé au crible et mis en forme dans l'esprit. Il est alors temps pour l'historien et l'interprète indépendante pour commencer leur travail.

Essayons d'abord d'offrir une définition de la matière à traiter dans ce livre. Nous prendrons comme notre peinture figurative antinomies (ou de la figuration) et la peinture abstraite (ou abstraction). Un tableau est d'être appelé abrégé quand il est impossible de reconnaître en elle la moindre trace de cette réalité objective qui constitue le fond normal de notre existence quotidienne: en d'autres termes, une peinture est abstraite lorsque l'absence de toute autre forme de logique la réalité nous oblige à le considérer uniquement comme la peinture et que rien d'autre, et de le juger selon des valeurs qui n'ont rien à voir avec la représentation ou à l'imitation ou la reproduction de quelque chose d'autre. Il s'ensuit que la transposition de la nature, même quand il est très tiré par les cheveux, reste figurative et la figuration, mais il s'ensuit également que la transposition prises au point où rien dans le travail suggère ou évoque un sujet de base naturaliste - une transposition , donc, qui à l'œil nu n'implique même pas l'acte de transposition elle-même - à juste titre être appelé abstrait, l'abstraction.

Ainsi, même dans les cas où une certaine représentation ou de la transposition des formes a servi de point de départ, que ce soit dans l'esprit du peintre ou tout simplement sur la toile, le travail doit être considéré comme abstrait, à condition qu'aucun aspect de ce point de départ reste reconnaissable , et aussi longtemps que le travail, ipso facto, n'a rien à nous transmettre à l'exception des éléments purs de la composition et la couleur.
Inversement, nous dirons que toute œuvre d'art qui, bien que partant de principes abstraits ou de procédés, soit par accident ou ludique incarne des éléments figuratifs, mais fantastique ou extraordinaire qu'ils apparaissent, ne peut pas être appelé abstrait.

Mais même si une toile est strictement abstraite - c'est-à-dire ni représentant, l'interprétation ou la transposition de toute réalité du monde extérieur, ce ne peut pas empêcher notre imagination à partir de sujets exigeants en elle - comme ces formes que les gens s'imaginent voir dans le nuages ​​- qui n'avait rien à voir avec les intentions propres du peintre. Le peintre abstrait doit faire tout son possible pour éviter de tels accidents de représentation, même si bien sûr il ne peut pas être tenu pour responsable caprices du spectateur.

Bien avant qu'il existait en réalité, l'abstraction était «dans l'air» et peintres intuitivement tenté de la saisir, comme les syllabes des surgelés des de Mandeville et de Rabelais. Ils n'étaient pas aussi chanceux que Pantagruel; les mots leur échappe et les mots de passe les plus notoires et les incantations n'ont pas leur faire chanter avant qu'ils ne soient à pleine maturité. Ces mots de passe, cependant, est venu comme autant de SIGNES indéniables d'un nouvel âge. Nous pourrions au trot des dizaines de citations de Baudelaire à Cézanne, de Van Gogh à Seurat et Maurice Denis, tous centrés sur la réalisation même, que la peinture n'est pas une question de sujet, mais de la couleur, la forme, la sensibilité, la composition (4).

Mais ils se sentaient aucune obligation sur ce compte pour laisser de côté le thème tout à fait, et peut-être qu'ils n'étaient pas loin de la vérité, puisque nous admirons tous les chefs-d'œuvre qu'ils nous ont laissés. Mais maintenant que nous pouvons regarder en arrière sur tout cela, nous ne pouvons que constater une certaine contradiction entre leurs déclarations souvent extrêmes et leur comportement réel en tant que peintres. C'est parce que la théorie de l'abstrait dans l'art ne pouvait être progressivement traduit en œuvres elles-mêmes, et il a dû se faire par un processus d'évolution plutôt que révolution. Les grandes découvertes sont faites lentement, et il n'ya pas eureka sans une préparation longue et fastidieuse derrière elle.

Il est vrai que, en 1841, ou à peu près Turner est venu si près à la peinture abstraite que ses œuvres n'ont pas de parallèle dans son siècle. Elles peuvent être expliquées uniquement en termes de la «longue préparation:« Je l'ai mentionné. Au moment où il avait soixante Turner avait atteint la fin d'une longue évolution au cours de laquelle il avait déclaré que les problèmes de représentation et d'expression sur la toile, avec une franchise de plus en plus qui nous permet de retracer le développement progressif de son gras encore calmer résoudre à trouver une solution à ce paradoxe.

Les impressionnistes ont beaucoup de temps pour rattraper le grand peintre anglais. Mais il ya de nombreux moments de beauté abstraite dans certaines de leurs œuvres, tous provenant de la prémonition même de l'artiste. Que ce soit dans des œuvres qui étaient délicats et doux, ou étonnamment violente, comme l'impressionnisme fauvisme et le cubisme plus tard a été un pionnier dans la peinture abstraite, et de nombreuses toiles sans prétention de la période encore regorgent de leçons merveilleuses pour nos jeunes peintres abstraits. Je ne pense pas que de Cézanne, mais des œuvres de Van Gogh (Le champ de blé, le Paysage avec corbeaux), Renoir (les femmes dans un domaine), Claude Monet (Le coquelicot du champ). Dans la dernière de ces peintures, en particulier, les proportions subtiles de rouge et de bleu montrent un niveau de finition pleinement conscient de la composition abstraite.

Il ya une délicatesse exquise dans le parasol-Etoile, de son outremer faire ressortir la rougeur des fleurs et en poussant une sorte d'exclamation douce en réponse à la diffuse, bleu tendre du ciel. Mais même cela n'est pas la plus belle découverte faite dans cette toile. Pour mon esprit, il doit être vu dans le tronçon discrète de lumière verte juste au-dessus de la ligne de l'horizon, sans lequel le vert foncé de la ceinture d'arbres serait plat ou aurait besoin de souligner, - une solution qui aurait ruiné l' effet général qui devait être calme et apaisante. Ainsi, tout dans ce travail est assez simple, comme c'est le cas dans tous les travaux vraiment beau, mais il n'y a rien de banal à ce sujet.

À ce stade, je peux imaginer que certains lecteurs demandant "Que peut-art abstrait peut nous offrir, que cela? Ici, nous pouvons profiter de la non-représentation. Et de la représentation en même temps. Qu'y at-il tort de superposer un paysage réel à l'art pur ? La vérité est que cette offre n'est pas moins, mais plus que ne le fait l'art abstrait. " Pour cela, je répondrai que première intention Monet était certainement de peindre un paysage, et que, dans l'ordre de renoncer à rien l'objet et la peinture, mais une peinture d'une certaine évolution, ou l'appeler si vous voulez une révolution lente, a dû être vécu. Je voudrais ajouter que l'art vaut exactement autant que le spectateur est en mesure de mettre en elle, et que le spectateur en ce moment est l'homme de 1955 et non de 1873.